quarta-feira, 29 de setembro de 2010

Gloria Stuart: 1910 - 2010


No último dia 26, domingo, tivemos a notícia do falecimento de Gloria Stuart, atriz norte-americana de cinema, teatro e televisão, que encarnou a personagem de Rose DeWitt Bukater na velhice, em "Titanic" (todo mundo sabe que Kate Winslet a interpretou na juventude).

A carreira de Gloria começou na década de 30, mas foi somente aos 87 anos, com o seu desempenho no filme de James Cameron, que conseguiria uma nomeação para o Oscar de Melhor Atriz Coadjuvante (sendo então a atriz mais velha a ser indicada). Foi distinguida, ainda, com o Globo de Ouro e recebeu o prêmio do Sindicato dos Atores, que dividiu com Kim Bassinger.

Depois de "Titanic", onde desempenhou o papel da sua vida, como confessou, foi chamada para atuar em "The Love Letter"(1999), "The Million Dollar Hotel" (2000) e "Terra da Abundância" (2004).

Gloria Stuart começou a carreira no teatro, atuando em Pasadena, Califórnia. Estreou no cinema com "Street of Women", em 1932. Foi, ainda, co-fundadora do Sindicato dos Atores dos EUA. Morreu dia 26, de câncer no pulmão, na sua casa em Los Angeles.

Abaixo, uma entrevista com Gloria e Kate Winslet. Confira!



domingo, 26 de setembro de 2010

Para Ver Em Um Dia de Chuva



Diário de Uma Paixão
(The Notebook)


Assumidamente romântico


A tradição dos filmes românticos anda em baixa no cinema atual. Vivemos tempos cínicos, frios, onde pessoas românticas são tidas como bobas ou ingênuas, e isso acaba se refletindo na produção cultural. Até mesmo as tradicionais comédias românticas hoje são mais “comédias” do que “românticas”, apresentando uma forma de enxergar o amor muito mais pragmática do que em décadas passadas. Dentro destas cinrcunstâncias, torna-se extremamente prazeroso e bem-vindo rever um filme como “Diário de Uma Paixão”.

Dirigido por Nick Cassavetes (filho do lendário John Cassavetes), “The Notebook” é um daqueles longas-metragens desavergonhadamente meloso. Não estranhe se, durante a exibição dele em sua sala, um caminho de formigas tomar o rumo de sua TV. Contudo, é exatamente este romantismo assumido que acaba encantando a quem assiste, uma vez que traz uma nostalgia de tempos mais puros, em que se acreditava mais facilmente em um amor verdadeiro. Afinal, é difícil não se envolver com a bela narrativa que traça os caminhos das venturas e desventuras românticas de Noah (o sempre competente Ryan Gosling) e Allie (a encantadora Rachel McAdams), dois jovens que, no início dos anos 40, vivem uma intensa paixão que terá como destino tornar-se muito mais que um namorico de verão. O problema é que os abastados pais da moça se opõem (sim, ecos de “Romeu e Julieta” ecoam pela bilionésima oportunidade em produção cultural ocidental), pois que Noah é apenas um carpinteiro que nunca poderá oferecer a Allie a vida confortável a que ela está acostumada. E assim os momentos de paixão e separação vão se sucedendo, narrados em forma de flashback.

Apontando para este aspecto, não se pode negar que o roteiro (escrito por Jeremy Leven e Jan Sardi, adaptando romance de Nicholas Sparks) sabe se aproveitar de todos os clichês do gênero para fisgar a plateia. Entretanto, apesar de ditos clichês, em vários momentos parece que estamos assistindo a algo novo, nunca dantes filmado, sensação reforçada por uma série de sequências memoráveis, destinadas a produzirem suspiros no público durante muito tempo. Afinal, como não ver beleza na cena da praia em que Allie diz que se sente como um pássaro? Ou ainda quando os dois, na noite do primeiro encontro, dançam no meio da rua sem ouvir qualquer música? A sensação trazida por ditas cenas é aquela buscada por todo espectador que vai a uma sala de cinema, pois que capazes de transportá-lo para uma outra realidade.



Para se alcançar tal imersão, além de um roteiro que toca em pontos nevrálgicos do coração, o diretor Cassavetes se vale de uma fotografia exuberante, realmente primorosa, que só acentua a beleza de sequências como as acima mencionadas. Sempre afirmo e reafirmo que cinema é imagem e Cassavetes parece mesmo conhecer o poder delas. Ademais, é importante ressaltar a química e carisma do casal protagonsita. Gosling está perfeito no papel do rapaz ao mesmo tempo obstinado e romântico, enquanto McAdams encontra-se realmente encantadora. Mesmo a canastrice de David Thornton (que faz o pai de Allie), com seu bigode saído de algum folhetim do século XIX, não chega a comprometer (torna-se até pitoresco) e é em muito compensada pelas presenças de James Garner e Gena Rowlands, os quais interpretam Noah e Allie na 3ª idade. Talvez seja possível afirmar que a trilha sonora seja o ponto mais fraco do longa, mas também não chega a marcar como aspecto negativo (é apenas “esquecível”).

Por outro lado, apesar de suas falhas pontuais, é interessante como o filme passa de forma tão agradável que jamais aparenta ter qualquer defeito, afinal, nem só de técnica vive a arte. O cinema que é capaz de cativar o público com emoção sincera estará sempre entre os melhores, por mais que alguns críticos metidos a besta torçam o nariz para o que definem como “pieguismo”. Uma bela de uma bobagem. Tal como existem músicas bastante piegas, mas que não saem da boca do povo e atravessam as gerações sendo cantadas, há filmes piegas que não saem da memória daqueles que o viram. Isso não os torna inferiores a filmes mais “cerebrais”. Em síntese, “Diário de Uma Paixão” é um longa que afirma: “sou romântico sim, senhor!”. E é exatamente nisso que reside todo o seu charme.


Cotação:
Nota:9,5

terça-feira, 21 de setembro de 2010

Faroeste Caboclo


Há alguns anos, bem antes deste blog existir, havia escutado uma notícia no "Video Show", da Rede Globo (sim, este já foi um programa decente), sobre um filme que narraria a estória do "João do Santo Cristo", famoso personagem da canção "Faroeste Caboclo", da Leigião Urbana. Lembro que, durante muito tempo, um amigo (fala, Luciano!) sempre me perguntava se eu tinha mais notícias sobre esse projeto e eu, infelizmente, sempre respondia negativamente.

Pois eis que, agora, depois de vários anos, consigo enfim uma notícia sobre dita produção. Em matéria publicada no portal do IG (leia aqui e aqui), o filho de Renato Russo, Giulianno Manfredini, deu sinal de que o projeto está seguindo adiante. A história se arrasta devido aos atritos do herdeiro de Renato com os outros integrantes da banda. Mas já se sabe que o diretor será o brasiliense René Sampaio. Há ainda uma outra produção cinematográfica envolvendo a Legião em andamento. Ela se chamará "Somos Tão Jovens" e terá como mote a formação da banda (um possível intérprete para Renato será Caio Blat). Enfim, boas notícias para aqueles que, como eu, além de cinéfilos, são também legionários.

sábado, 18 de setembro de 2010

Trilha Sonora #13


"O Rei Leão" é, com certeza, uma das melhores animações de todos os tempos! A versão para crianças (ou não!) da tragédia shakespeariana "Hamlet" até hoje ainda impressiona pela beleza de suas imagens e enorme carisma de seus personagens, muito bem adaptados para o grande público. Memorável ainda a sua canção tema, vencedora do Oscar, uma das grandes composições de Elton John. Ouça abaixo e viva a nostalgia!


quarta-feira, 15 de setembro de 2010

Filmes Para Ver Antes de Morrer


O Iluminado
(The Shining)


Violência domést
ica

Muitos consideram “O Iluminado” como o filme mais assustador da história do cinema. E é provável que o seja. Afinal, um filme de horror dirigido pelo gênio Stanley Kubrick só poderia mesmo resultar em algo fora do comum, memorável. Muito do terror, claro, resulta do talento do mestre, com seu perfeccionismo e domínio completo da linguagem cinematográfica, realizando tomadas com ângulos inusitados, clima de tensão crescente, sensação de claustrofobia e perda da sanidade mental. Além disso, Kubrick é um dos cineastas que mais conheciam a força imagética da 7ª arte, construindo cenas que já se eternizaram no inconsciente coletivo. Todavia, talvez a grande força aterradora do longa seja a ideia de ser ameaçado por alguém que, antes de tudo, deveria lhe proteger. Não deve haver maior terror do que uma violência partindo de alguém que você ama.

Esse é o conceito que Kubrick trabalha ao adaptar o livro homônimo de Stephen King. O escritor, aliás, sempre afirmou que sua obra era “um pequeno conto sobre bloqueio de autor” e, talvez por isso (e curiosamente), não tenha gostado da adaptação realizada por Kubrick. Este último, na realidade, procurou traduzir, nas telas, uma reciclagem das velhas estórias de “casa mal-assombrada” para retratar o assombro que muitos vivem diariamente no mundo real: a violência doméstica. Afinal, Jack Torrance, o pai de família interpretado por Jack Nicholson, é um escritor com problemas criativos e financeiros que se presta a trabalhar como zelador do Hotel Overlook, uma estância de verão nas montanhas rochosas do Colorado. O problema é que o serviço será prestado durante o inverno, quando todos os funcionários deixam o local, que fica praticamente isolado devido às fortes nevascas que se abatem sobre a região durante a estação fria. Ou seja, isolamento completo. Jack leva sua família com ele, a esposa Wendy (Shelley Duvall) e o pequeno Danny (Danny Lloyd), o tal “iluminado” do título, possuindo poderes mediúnicos que o alertam sobre eventos futuros e presenças malignas. Com problemas passados com o alcoolismo, Jack, desta forma, parece resumir as características de pais violentos, pois que se encontra em um momento profissional difícil e, influenciado pelo álcool mais uma vez, acaba por descontar na família as suas frustrações. A solidão que a família passa a viver no Overlook é muito representativo do isolamento social porque Jack passa, afinal ele é um “fracassado” (de acordo com a concepção tola criada pelos norte-americanos sobre “fracasso” e “sucesso”). Tais condicionamentos acabam por levá-lo a atos de violência que, no contexto do roteiro, são induzidos por fantasmas que há muito habitam o hotel, almas penadas vítimas de assassinatos extremamente violentos e que ali permaneceram para todo o sempre. Na realidade, uma alegoria para os fantasmas que rondam o inconsciente de pessoas que acabam perdendo o controle, atribuindo a culpa de seu fracasso a quem está mais próximo.



Todo esse processo é coroado, de maneira imageticamente poderosa, com a perseguição que Jack empreende de machado em punho contra sua esposa e filho, uma sequência digna realmente dos piores pesadelos. Não é à toa que já foi escolhida em eleições promovidas por publicações especializadas como a cena mais aterradora da história do cinema. Vale sublinhar que o terror visto em tela é resultado, em parte, do mencionado perfeccionismo de Kubrick, o qual levou sua equipe a repeti-la à exaustão (mais de 70 takes, segundo informações que constam do próprio making off do longa). Shelley Duval teria dito que sua expressão de horror já era fruto do estado nervoso em que estava, tamanha a obsessão do diretor (sabidamente um tirano nos sets). Contudo, algumas das seqüências que mais geram calafrios no público são aquelas do pequeno Danny vagando com seu velocípede pelos corredores do hotel. Impressionante como apenas o uso inteligente da câmera, que persegue o velocípede (a então novidadeira steadicam), além do uso do som do brinquedo, é capaz de produzir calafrios em qualquer um. Outra cena memorável é a do elevador jorrando sangue por todos lados, também digna de tenebrosos pesadelos. Aliás, essa sensação onírica parece percorrer toda a exibição desde o início, com as belas tomadas das paisagens da região, o que, de resto, parece ser algo sempre presente na filmografia de Kubrick (“Laranja Mecânica” e “De Olhos Bem Fechados” são outros exemplos que me vêm à mente). E, claro, como é ainda marcante nos filmes do diretor, as imagens são sublinhadas por uma trilha sonora poderosa (composta por Wendy Carlos e Rachel Elkind).



Se tudo isso ainda não convenceu você a assistir a “O Iluminado”, vale considerar ainda a presença transtornada de Jack Nicholson, em um papel que para sempre lhe renderia tiques interpretativos. Sabe-se que Nicholson não é lá um exemplo de pessoa “normal” e suas expressões extremamente marcantes, com aquela aparência de maluco-de-camisa-de-força ensandecido, com certeza farão você lembrar de Jack Torrance por muito tempo.

Ou seja, Stanley Kubrick, com sua genialidade ímpar, concebeu uma obra-prima do terror moderno. Muitos críticos não colocam este como um dos seus melhores trabalhos, talvez por considerá-lo apenas mais um filme de sustos. Longe disso, o longa faz uma análise de medos inconscientes e causa impacto por mostrar o horror dentro de uma família. Só não aconselho vê-lo antes de ir dormir. É provável que você não consiga mais cair no sono...


Cotação e nota: Obra-prima.

domingo, 12 de setembro de 2010

Claude Chabrol: 1930-2010


Faleceu o cineasta Claude Chabrol, companheiro de Truffaut e Godard na Nouvelle Vague. Abaixo, reproduzo a notícia publicada no G1. Fará grande falta!



"O cineasta francês Claude Chabrol morreu neste domingo (12) aos 80 anos, segundo a Prefeitura de Paris.

Chabrol é considerado um dos autores principais da cinematografia francesa e da Nouvelle Vague. Foi diretor, produtor, ator e crítico do "Cahiers du cinéma".

Chabrol ficou famoso por filmes bem humorados e sutis, em que criticava a burguesia de seu país.

Filho de uma família de farmacêuticos, nasceu em 24 de junho de 1930 Paris, mas passou a adolescência em Creuse, no centro da França, durante a Segunda Guerra Mundial.
O cineasta francês Claude Chabrol em 15 de março de 2004 no set.O cineasta francês Claude Chabrol em 15 de março de 2004 no set. (Foto: AFP)

Voltou à capital para estudar Letras e Farmácia.

Formado em Letras, participou do começo da Nouvelle Vague, movimento de renovação do cinema francês.

Sua primeira atuação foi como crítico na legendária publicação "Cahiers du cinéma", ao lado de François Truffaut e Jacques Rivette -que, a exemplo dele, também se tornariam importantes diretores.

Chabrol começou a se firmar com "Le Beau Serge" (O belo Sergio, de 1957), que recebeu o prêmio Jean Vigo e o prêmio principal do Festival de Locarno em 1958.

No ano seguinte, seu "Les Cousins" (Os primos) ganhou o Urso de Ouro no Festival de Berlim.

Chabrol se separou de sua primeira mulher para casar com a atriz Stéphane Audran, que atuou em filmes seus como "La femme infidèle" (A mulher infiel), "Le Boucher" (O açougueiro, de 1970) e "Juste avant la nuit" (Ao anoitecer, de 1970).

Também é creditado a ele o mérito de ter revelado a atriz Isabelle Huppert, em "Violete Nozière", de 1978. Ela voltaria a atuar em filmes seus como "Una affaire de femmes" (Um assunto de mulheres, de 1988), "La Céremonie" (Mulheres diabólicas, de 1995) e "Merci pour le chocolat" (A teia de chocolate, de 2000).

Em 2009 dirigiu "Bellamy" e suas últimas obras foram dois capítulos de "Au siècle de Maupassant: Contes et nouvelles du XIXème siècle".

Também conseguiu sucesso de bilheteria com filmes mais leves, como "Inspecteur Lavardin", de 1986, e "Poulet au vinaigre" (Frango ao vinagrete, de 1985), que contam histórias policiais estreladas pelo ator Jean Poiret.

Sua obra inclui mais de 80 filmes, entre cinema e televisão. Ele foi premiado em 2005 com o Prêmio René Clair, da Academia Francesa, e em 2010 com o Grande Prêmio para autores dramáticos.

Também recebeu, em 2009, o prêmio pelo conjunto da obra no Festival de Berlim.

Chabrol havia se casado pela terceira vez em 1983 com Aurore Pajot. Ele deixa quatro filhos."

Clique no link abaixo para ir ao blog de Rubens Ewald Filho, que publicou texto bem interessante sobre Chabrol.

http://noticias.r7.com/blogs/rubens-ewald-filho/

sábado, 11 de setembro de 2010

Quero Ver Novamente # 6

Na realidade, eu estava pensando em uma sessão do "Trilha Sonora", mas encontrei este video no Youtube, com um clipe das cenas do filme, e acabei sendo levado a postar mais um da série "Quero Ver Novamente". Este filme, "Apenas Uma Vez" (Once), é uma pequena obra-prima, de beleza única, para ser visto e revisto. Quem já viu, sabe do que estou falando e quem não viu não sabe o que está perdendo...

Obs. Sandra, este post é dedicado a você! ;=)


quinta-feira, 9 de setembro de 2010

Divulgados concorrentes brasileiros ao Oscar 2011


Ontem, quarta-feira, o Ministério da Cultura (MinC) divulgou a lista dos 23 filmes que podem ser o selecionado para concorrer a uma das 5 indicações da categoria "Melhor Filme Estrangeiro do Oscar".

O nome da produção brasileira escolhida vai ser anunciado no próximo dia 23 de setembro por uma comissão especial de seleção formada por membros do MinC e de outras instituições como a Agência Nacional de Cinema do Brasil (Ancine)e a Academia Brasileira de Cinema.

A lista com todos os cinco indicados para categoria vai ser divulgada apenas em 25 de janeiro de 2011.

Veja a lista dos filmes, entre eles o elogiado "5 X Favela", o sucesso "Chico Xavier", o controverso "Lula - O Filho do Brasil" e a bomba "O Bem Amado".


As Melhores Coisas do Mundo – Laís Bodanzky
Sonhos Roubados – Sandra Werneck
Utopia e Barbárie – Sílvio Tendler
A Suprema Felicidade – Arnaldo Jabor
Antes que o Mundo Acabe – Ana Luiza Azevedo
Bróder! – Jeferson De
É Proibido Fumar - Anna Muylaert
Em Teu Nome – Paulo Nascimento
Hotel Atlântico – Suzana Amaral
Lula, o Filho do Brasil – Fábio Barreto
Nosso Lar – Wagner Assis
Carregadoras de Sonhos – Deivison Fiuza
Cabeça a Prêmio – Marco Ricca
5x Favela – Agora por Nós Mesmos – Luciana Bezerra, Cacau Amaral, Rodrigo Felha, Wavá Novais, Manaíra Carneiro, Cadu Barcellos e Luciano Vidigal
O Grão – Petrus Cariry
Os Inquilinos (Os Incomodados que se Mudem) – Sérgio Bianchi
Os Famosos e os Duendes da Morte – Esmir Filho
Quincas Berro D’água – Sérgio Machado
Reflexões de um Liquidificador – André Klotzel
Chico Xavier – Daniel Filho
Olhos Azuis – José Joffily
Ouro Negro – Isa Albuquerque
O Bem Amado – Guel Arraes



domingo, 5 de setembro de 2010

Nosso Lar



Para iniciados


O cinema nacional vive, neste ano de 2010, uma onda de filmes com temática vinculada aos princípios do Espiritismo Kardecista, muito em virtude do centenário de nascimento de Chico Xavier, o médium mais querido do país (no plano televisivo, ainda podemos lembrar a atual novela das 18h da Rede Globo, “Escrito nas Estrelas”). Em abril, tivemos o lançamento de sua biografia cinematográfica, o bom “Chico Xavier”, com enorme sucesso de público e boa aceitação da crítica. Agora, temos este “Nosso Lar”, adaptação do livro que o mencionado Chico psicografou e é atribuído ao espírito de André Luiz, um médico brasileiro que teria tido sua última encarnação no início do século passado (alguns afirmam que ele teria sido um dos fundadores de um certo clube de camisas de cores vermelha e preta no Rio de Janeiro*).

Adianto, desde já, que nunca li a obra literária, o que, por um lado, é algo positivo, pois que me possibilita avaliar o longa tendo como referência apenas o que foi visto na tela. Tendo em vista tal circunstância, posso afirmar que o primeiro problema que se apresenta para um filme como esse é o do envolvimento do espectador. É inevitável que uma trama que mostra como seria “o outro lado da vida” acabe despertando reações diversas na plateia, dependendo da crença de cada um dos assistentes. Óbvio que aqueles que acreditam na doutrina espírita terão uma facilidade bem maior para se envolver com a narrativa, enquanto outros, céticos, poderão se mostrar indiferentes ou considerar tudo até uma grande bobagem.

O roteiro, escrito pelo próprio diretor Wagner de Assis de acordo com os conceitos espíritas, mostra a vida de André Luiz após ter desencarnado, sua passagem pelo Umbral (um tipo de purgatório) e sua chegada ao ambiente conhecido como Nosso Lar, uma espécie de cidade espiritual, que também possui a sua burocracia, seus hospitais, suas formas de locomoção etc. E onde também é necessário trabalhar para conseguir certos objetivos, mesmo que esses objetivos não sejam os mundanos “dinheiro-fama-poder”. Entretanto, na narrativa tudo se desenvolve de forma bastante expositiva, didática mesmo. Muitos afirmam que o livro realmente é desta forma, assemelhando-se a uma aula de como as coisas se passam no além-túmulo. O problema é que cinema possui uma outra linguagem, exigindo força narrativa maior para atingir em cheio o espectador. E, nesse propósito, o filme acaba falhando, pelo menos para aqueles que não são seguidores da doutrina. Uma solução interessante teria sido mostrar mais da vida de André antes de seu falecimento, para que assim pudéssemos conhecer melhor o personagem e estabelecer links emocionais a serem explorados com maior eficácia na segunda metade do longa. Da maneira como filmado, aquele que deveria ser o clímax não chega a funcionar a contento, apesar de constituir uma sequência bem realizada em termos dramáticos.

Outro aspecto que deixa a desejar é justamente este, o dramático. A produção optou pela escalação de um ator pouco conhecido, Renato Prieto, para o papel do protagonista André, o que acaba se tornando um equívoco. Renato se esforça, mas não tem o carisma suficiente para levar o filme nas costas, alternando bons (como a citada sequência do “clímax”) e maus momentos. Nem mesmo o elenco de apoio se sai bem, apesar de nomes como Othon Bastos, Paulo Goulart e Ana Rosa, pois seus personagens são praticamente destituídos de conflitos, servindo apenas para orientar André em suas novas vivências espirituais.

Entretanto, não se pode negar que o filme possui elementos que se constituem em uma evolução dentro do cinema nacional. Os R$ 20 milhões investidos na produção (o que a transforma na mais cara produção brasileira em todos os tempos) são vistos principalmente nos efeitos especiais (da empresa canadense Intelligent Creatures), responsáveis pela materialização da cidade espiritual, repleta de elementos futuristas. Os planos aéreos da comunidade são mesmo ótimos e convincentes, mas também é verdade que outros efeitos deixam a desejar, como a materialização dos espíritos na região do Nosso Lar quando vindos da área do Umbral. Contudo, há de se elogiar o esforço dos produtores em sair do comodismo e apatia reinantes no nosso cinema, reconhecidamente pouco ousado nesta seara técnica (a despeito dos figurinos me soarem equivocados, parecendo roupas de Krypton ou similares). Por sinal, outro aspecto técnico que desperta atenção é a trilha sonora, composta pelo badalado Phillip Glass. Com freqüência, as trilhas de Glass são invasivas, mas aqui até que ele se contém e não se pode negar a beleza de suas composições. Outro ponto que me agradou foi a caracterização do Umbral. Utilizando-se de poucos recursos especiais, ele se mostra bem realista em várias tomadas, mesmo que também muitas vezes lembre mais o inferno (“A Divina Comédia”, de Dante, vem logo à mente).

Todavia, todo este esmero técnico vai esbarrar na disposição do espectador em embarcar na crença na doutrina abordada. Se você é kardecista ou já leu ou livro, provavelmente não terá dificuldades de se envolver na proposta. Por outro lado, se é cético ou simplesmente não comunga da mesma crença, poderá considerar tudo uma grande perda de tempo. Desta forma, é um filme voltado para um público específico e vale dizer que, como peça a despertar interesse pela doutrina de Allan Kardec, o filme de Chico Xavier funciona bem melhor. Já “Nosso Lar” é muito mais uma obra para iniciados.


Cotação:

Nota: 7,0


* Se André Luiz fosse botafoguense não teria passado tanto tempo no Umbral!

sexta-feira, 3 de setembro de 2010

7 frases marcantes do cinema!

Na recente edição da série “Quero Ver Novamente”, relembrei a famosa frase de Darth Vader para Luke Skywalker: “Eu sou seu pai”. Na verdade, o cinema está repleto de frases marcantes, as quais ecoam na mente dos apreciadores por muito tempo, muitas vezes durante a vida inteira. A seguir, uma seleção de 7 frases marcantes para os cinéfilos, sem ordem de preferência:


- “Francamente, minha cara, eu não dou a mínima” – De Rhett Buttler (Clark Gable) para Scarlett O’Hara (Vivien Leigh), em sua despedida no clássico “...E o Vento Levou”;



- “Sempre teremos Paris” – De Rick Blane (Humphrey Bogart) para Ilsa Lund (Ingrid Bergman), na antológica despedida do casal em “Casablanca”;


- “Hoje eu sou um vadio, Charlie, vamos admitir” – De Terry Malloy (Marlon Brando) para seu irmão Charley (Rod Steiger), em “Sindicato de Ladrões”;


- “Você me faz querer ser um homem melhor” – De Melvin (Jack Nicholson) para Carol (Hellen Hunt) em “Melhor É Impossível”, uma das mais belas declarações de amor do cinema em todos os tempos;



- “Que a força esteja com você” – De Obi-Wan Kenobi (Sir Alec Guiness), em “Guerra nas Estrelas”, com certeza uma das frases mais “pop” já vistas;


- “Mantenha os amigos por perto e os inimigos mais perto ainda” – de Don Vito Corleone (Marlon Brando) em “O Poderoso Chefão”;


- “My precious” (“meu precioso”) – De Gollum (Andy Serkis), na trilogia “O Senhor dos Anéis”.


Sintam-se à vontade para citar outras frases memoráveis!