Filmes Para Ver Antes de Morrer

Brinquedo Proibido



Antes da Nouvelle Vague

René Clément é provavelmente o diretor francês mais atacado pela “Cahiers du Cimemá”, o lendário periódico editado por André Bazin que serviu de ninho para alguns críticos se aventurarem em uma nova forma de se fazer cinema. Os criadores da chamada “Nouvelle Vague” (nova onda, em francês), entre eles ninguém mais, ninguém menos que François Truffaut e Jean-Luc Godard, tinham o hábito de ridicularizar Clément, colocando-o como exemplo do cinema comercial então vigente na França, modelo de produto não autoral que não deveria ser seguido. Para os adeptos da Nouvelle Vague, os verdadeiros diretores eram aqueles que deixavam traços autorais, marcas de artista em cada um de seus longas e Clément, segundo eles, era uma espécie de diretor “cosmético”, que fazia filmes destinados apenas a entreter as famílias nos fins de semana. Entretanto, com o passar do tempo, podemos perceber o quanto havia de pura birra da nova geração com a antiga. Vale dizer que Truffaut e Godard eram fãs do cinema americano, seus ídolos eram diretores como Hitchcock (que desde os anos 40 já dirigia nos EUA), John Ford e Howard Hawks e o cinema americano é justamente a mais notável influência na carreira de René Clément. Este, por sua vez, estava longe de se limitar a fazer filmes meramente comerciais e um belo exemplo de seu caráter mais profundo e autoral é “Brinquedo Proibido” (Jeux Interdits), seu longa de 1952.

Vencedor do Leão de Ouro no Festival de Veneza e vencedor do Oscar de melhor filme estrangeiro (além de uma indicação de melhor roteiro, escrito por François Boyer e o próprio Clément, ao prêmio da Academia), talvez este seja um dos filmes que mais conseguiram sucesso em equilibrar temas pesados com uma certa leveza. Principalmente se lembrarmos que Clément consegue extrair bom humor da narrativa ainda há poucos anos do fim da Segunda Guerra Mundial, e sem jamais perder o foco do aspecto central da obra: a necessidade de superar as perdas e seguir em frente.

A trama narra a história de uma garotinha por volta dos 6 anos de idade, Paullete (Brigitte Fossey), que vê os pais morrerem diante dos seus olhos durante um bombardeio a um grupo de refugiados que saíam de Paris para o interior. Com seu cachorrinho, também morto, nos braços a menina acaba encontrando Michell (Georges Poujouly), um garoto por volta de seus 11 anos, integrante de uma família camponesa, os Dollé. Juntos, os dois criam um cemitério para os animais que encontram mortos, colocando cruzes em cada uma de suas “tumbas”. Uma forma de resistência das duas crianças para com a brutalidade do mundo que os rodeia. Brutalidade advinda não apenas do conflito armado, mas também do meio humano. A família de Michell está sempre mais preocupada com sua rivalidade com os vizinhos do que em dar a sensação de segurança e afeto para as crianças. Dentro deste ambiente, não é à toa que Michell enxergue Paullete como sua verdadeira família e, por isso, despende tantos esforços para atender aos desejos e projetos da inocente garota. Esta, por sua vez, simboliza no intento de enterrar seu cão (e os demais animais mortos que vão formando o pequeno cemitério) a vontade de que igual tratamento fosse dado a seus pais. Clément parece enxergar a necessidade de não só a França, mas toda a Europa, enterrar seus mortos e seguir em frente, etapa necessária para a superação dos traumas recentes e a busca por uma nova perspectiva de futuro.

Essa ótica infantil diante de um conflito faria escola no cinema. Percebe-se claramente sua influência em longas como “Império do Sol”, de Steven Spielberg, onde um garoto perde-se dos pais e passa também a enfrentar o desamparo em um mundo inóspito. Ademais, o diretor parece ser um dos precursores em desenvolver uma estética de filmar a guerra, como na mencionada sequência inicial do bombardeio sobre o grupo de refugiados, um domínio da técnica cinematográfica que talvez irritasse os jovens da “Cahiers du Cinemá”, domínio que estes não possuíam (e que os levaria a trazer uma revolução para o cinema no estilo “faça você mesmo” da Nouvelle Vague). O know-how de Clément, ademais, se estendia para além do plano fotográfico, alcançando ainda a utilização da trilha sonora como catalisador dramático e também se mostrando capaz de uma ótima direção de atores. Afinal, o longa se mostraria estéril sem a presença de cena e carisma dos atores mirins. Brigitte Fossey, a garotinha, ironicamente iria se tornar no futuro uma das atrizes de “O Homem Que Amava As Mulheres”, de Truffaut (para depois sumir, tanto quanto Poujouly, o ator mirim, também sumiu, algo bastante comum entre estrelas infantis).

O final em aberto do filme faz notar claramente que agradar às massas não era a preocupação primordial de seu diretor. Há, sim, uma preocupação com um envolvimento da plateia, mas isso está longe de constituir um defeito. Afinal, existe filme mais chato do que aquele que o cineasta realiza apenas pra si mesmo? É esse o tipo de cinema que Godard, por exemplo, acabou por realizar em sua fase mais “madura”, filmes que, em sua maioria, ninguém consegue assistir inteiros. Com todo o respeito aos revolucionários da Nouvelle Vague (que realizaram obras-primas definitivas da sétima arte, é bom recordar), mas eles deviam relembrar algumas lições dos velhos diretores franceses de como realizar uma obra autoral sem levar o público ao tédio, meta plenamente alcançada por este “Brinquedo Proibido”.

Classificação: * * * * * (cinco estrelas)
Nota: 10,0

Goiamum Audiovisual

Esta semana, a partir do dia 14/09 (segunda-feira), terá início a terceira edição do Goiamum Audiovisual, festival potiguar destinado a estimular a produção local independente além de procurar cativar novos adeptos para a sétima arte. Este ano, algumas pedidas são ótimas como o debate com Beto Brant, um dos mais elogiados diretores da retomada do cinema nacional (ocasião em que também será exibido um dos seus filmes, escolhido pelo público em votação no site do projeto), além da mostra em homenagem aos 70 anos de nascimento do lendário diretor Glauber Rocha, com exibição de "Deus e o Diabo na Terra do Sol", "Terra em Transe", "Barravento" e "O Dragão da Maldade Contra o Santo Guerreiro". Outra mostra interessante é a "24 Quadrinhos Por Segundo" que, como próprio nome deixa entrever, é destinada a abordar a estreita relação entre cinema e quadrinhos, valendo destaque o documentário sobre o gênio louco das HQs Alan Moore ("The Mindscape Of Alan Moore").

A programação você pode conferir no site do evento. Entretanto, vai aqui uma crítica. Os dados da programação estão muito incompletos. Sequer sabemos exatamente quando cada filme será exibido. Eu, por exemplo, tenho interesse de ver "Terra em Transe", do Glauber, mas como vou descobrir em qual dos quatro dias dedicados à mostra desse diretor ele será exibido? Fica aqui a sugestão de melhora aos responsáveis pela publicidade e organização do evento.

Veneza 2009 - Vencedores

(Samuel Maoz segura o Leão de Ouro pelo filme "Lebanon")

"Lebanon", filme israelense dirigido por Samuel Maoz, foi o vencedor do Leão de Ouro na 66ª edição do Festival de Veneza. O longa retrata a guerra do Líbano em 1982 a patir da perspectiva de soldados dentro de um tanque. O prêmio ratificou a tendência política desta edição do mais antigo festival de cinema do mundo. “Obrigado pela felicidade que estou sentindo agora. Dedico este prêmio às milhares de pessoas que voltaram da guerra, como eu, sãos e salvos. Milhares de pessoas que aprenderam a viver e até sorrir sentindo dor”, afirmou o diretor israelense. O prêmio especial do júri (que foi presidido esse ano por Ang Lee) foi para o longa alemão "Soul Kitchen", dirigido pelo alemão de origem turca Fatih Akin. Outro destaque foi o urso de prata de direção para a iraniana Shirin Neshat, com o filme "Women Without Men", longa que trata das lutas femininas no país dos Aiatolás desde os anos 50 até os dias atuais, tomando como ponto de partida o golpe de Estado que reconduziu o xá ao poder em 1953, derrubando o primeiro-ministro Mohammad Mossadegh. “Estou quase desmaiando”, disse a diretora. “Obrigada, Marco Müller, por acreditar neste filme quando todas as forças estavam contra nós. Este é um projeto verdadeiramente internacional. A mensagem desse filme é a luta por liberdade e democracia. Ele fala ao mundo e ao meu país como temos lutado por democracia há 100 anos. Faço um apelo ao governo do Irã, para que dê ao povo seus direitos humanos básicos, liberdade e democracia e que faça as pazes com o povo do Irã.”

Abaixo, segue a lista dos vencedores, com destaque ainda para Colin Firth, vencedor do prêmio de melhor ator pelo filme "A Single Man". Confira.

Melhor filme – Leão de Ouro: “Lebanon” (Israel)
Prêmio especial do júri: “Soul Kitchen”, de Fatih Akin
Melhor direção: Shirin Neshat, “Women Without Men”
Melhor ator: Colin Firth, “A Single Man”
Melhor atriz: Ksenia Rappoport, “La Doppia Ora”
Melhor ator ou atriz emergente: Jasmine Trinca, “Il Grande Sogno”
Melhor roteiro: Todd Solondz, por “Life During Wartime”
Melhor contribuição técnica: Sylvie Olivé, por “Mr. Nobody”
Melhor filme de estreia: “Engkwentro”, de Pepe Diokno
Controcampo Italiano: “Negli Occhi”, de Francesco Del Grosso e Daniele Anzelotti
Prêmio da mostra: “Cosmonauta”, de Susanna Nichiarelli
Mostra Horizontes: "Engkwentro", de Pepe Diokno (o Brasil tinha dois longas nessa mostra, mas saiu de mãos abanando)
Prêmio Fipresci (Associação de Críticos Internacionais): "Lourdes", de Jessica Hausner

Filmes brasileiros na corrida pelo Oscar

Essa semana foi divulgada a lista de 10 filmes inscritos para tentar uma vaga entre os indicados de filme estrangeiro ao Oscar 2010. Segue a lista abaixo:

* Besouro, de João Daniel Tikhomiroff
* Budapeste, de Walter Carvalho
* O Contador de Histórias, de Luiz Villaça
* Feliz Natal, de Selton Mello
* A Festa da Menina Morta, de Matheus Nachtergaele
* Jean Charles, de Henrique Goldman
* Síndrome de Pinnochio - Refluxo, de Thiago Moyses
* O Menino da Porteira, de Jeremias Moreira
* Se Nada Mais Der Certo, de José Eduardo Belmonte
* Salve Geral, de Sérgio Rezende

Dentre estes, "Besouro" e "Salve Geral" ainda não tiveram sua estreia em circuito comercial. Assim, os distribuidores terão que antecipar algumas sessões para que eles se encaixem dentro das regras da Academia, as quais exigem que o filme tenha sido exibido comercialmente no Brasil entre 1º de outubro de 2008 e 30 de setembro de 2009.

Vamos esperar que a tal comissão do Ministério dessa vez saiba escolher bem o nosso representante, algo que não ocorreu no ano passado.

Veneza 2009 - George Clooney acuado

Esse Veneza 2009 está um barato. Há muito tempo não havia um festival tão divertido. Depois da presença de Hugo Chávez no tapete vermelho, comparecendo à exibição do documentário de Oliver Stone "South Of The Border" (que é sobre o próprio Chávez, ao que parece um tanto "maquiado" por Stone em sua ânsia de criticar a política externa dos EUA; não sou daqueles que enxergam Chaves como uma espécie de besta do Apocalipse, mas daí a colocá-lo como "herói" já vão outros quinhentos...), ontem a coisa caiu mesmo na palhaçada durante a entrevista coletiva de atores (George Clooney e Ewan McGregor) e diretor (Grant Heslov) do filme "The Men Who Stare The Goats". Tudo começou com uma repórter espanhola dizendo que amava George Clooney e perguntando quando iria se casar.“Fico feliz que você tenha me perguntado isso, porque em 20 anos de carreira nunca me fizeram essa pergunta”, respondeu Clooney. Um outro jornalista apoveitou a deixa e indagou sobre os rumores de que ele seria gay. Pra completar o quadro, terminando a coletiva-circo, um repórter da televisão italiana fez um verdadeiro espetáculo dizendo para o ator “escolhê-lo" enquanto tirava toda a roupa, ficando só de cueca e gravata. “É tão terrível quando alguém tenta uma piada que não tem graça nenhuma, é muito constrangedor. Mas boa tentativa. A gravata está bonita”, tentou brincar o ator que atiça os sonhos da ala feminina do mundo (e, ao que parece, também da ala gay). O repórter-palhaço teve sua credencial apreendida. Pior mesmo é ver um cara feio desses quase pelado. Fosse alguma repórter sinuosa, estaria perdoada a sua indiscrição.

Em tempo: Michael Moore foi ovacionado com seu "Capitalism: A Love Story", em uma sessão completamente lotada. Será que leva O Leão de Ouro dessa vez, assim como levou a Palma de Ouro por "Farenheit 11 de Setembro"? Moore é panfletário, mas quem disse que documentários têm que ser "neutros"? Afinal, o outro lado moeda já vemos todos os dias na TV.

À Deriva

Quase à deriva

O que caracteriza o denominado “cinema da retomada”? Antes de responder cabe informar que essa é a expressão utilizada para identificar o cinema produzido no Brasil a partir de meados do anos 90, quando a produção nacional começou a se recuperar do grande baque que sofreu no fim dos anos 80 e início dos anos 90, período em que quase deixou de existir. Feito este esclarecimento, podemos encontrar duas vertentes marcantes nas produções da Terra Brasilis nestes últimos 15 anos. A primeira é a busca por formar um público consumidor para as películas nacionais. Buscando um parâmetro hollywoodiano, os realizadores brasileiros estão procurando criar um modelo de produção que se amolde ao gosto médio dos espectadores brasileiros. Isso passa, obviamente, pela qualidade técnica. Foi-se o tempo em que os filmes brasileiros apresentavam som inaudível e fotografia capenga. O bê-a-bá já foi absorvido e a plateia encara estes aspectos atualmente como mera obrigação e não mais um atrativo. Por outro lado, o gosto do brasileiro médio é bastante contaminado pelo padrão Globo de dramaturgia. E isso tem implicado em filmes com uma linguagem primordialmente televisiva. O exemplo emblemático de filme talhado para as massas tupiniquins é o recente “E Se Eu Fosse Você 2”, longa de Daniel Filho, maior sucesso brasileiro da retomada.

Uma outra vertente do cinema da retomada é aquela que busca um destaque internacional, à procura de selos de qualidade que chancelem a existência de um cinema de autor em nosso país. São diretores que miram em festivais, prêmios e até mesmo no Oscar como forma de reconhecimento de que no Brasil também se faz cinema pensante. É o caso dos filmes de Walter Salles, por exemplo, que obteve o Urso de Ouro no Festival de Berlim e ainda conseguiu duas indicações ao prêmio da Academia de Hollywood. E há ainda aqueles que conseguiram ambos os intentos, como o caso clássico de “Cidade de Deus”, de Fernando Meirelles, sucesso absoluto de público e crítica (não é à toa que figura entre 15 melhores da década no ranking do IMDB).

E é dentro deste último filão, o dos filmes que procuram agradar crítica e público, que parece querer se encaixar este “Á Deriva”, novo longa metragem de Heitor Dhalia (diretor de “Nina” e do elogiado “O Cheiro do Ralo”). Para começo de conversa, o filme pretende a todo momento fisgar o espectador pela imagem. Até mesmo pela ambientação apresentada, uma cidade de veraneio, cheia de praias, céu azul e ondas espumantes, tudo com fotografia caprichada que realça os dourados dos raios solares e corpos transbordando de sensualidade (principalmente o das adolescentes, o que me fez enxergar um certo viés “lolitiano” do diretor de fotografia Carlos Della Rosa). Perfeita fórmula atraente para se mostrar um dos momentos típicos da doce vida burguesa: as férias de verão.

É nesse ambiente que Felipa (a estreante Laura Neiva, descoberta através do Orkut) vive as situações típicas da adolescência: pegações, namoricos bobos, atitudes igualmente tolas e sem sentido, quando se depara com uma situação que realmente lhe trará uma perspectiva diferente da vida. Ela descobre que seu pai (Vincent Cassel) tem uma amante (Camilla Belle), enquanto sua mãe (Débora Bloch) parece afundar cada vez mais no alcoolismo. Ou seja, trata-se de mais um longa sobre ritos de passagem, temática frequente em filmes com maiores pretensões, mas também bastante utilizada em produtos para o grande público. Entretanto, a primeira metade do filme se mostra tediosa, cansativa, principalmente para uma faixa etária mais madura, sem muita paciência para namoricos adolescentes. Entretanto, no último terço do longa as cores parecem tomar outro contorno, mais complexo, e creio que foi justamente essa pequena reviravolta do roteiro (escrito pelo próprio Dhalia) que fez o longa acabar sendo exibido em Cannes, dentro da mostra “Um Certain Regard”. Nada de muito espetacular (talvez até alguns percebam antes os tais rumos), mas é inegável que o filme ganha muito em seu final. Ainda assim, o tédio seria completo não fossem as boas atuações do elenco. Tanto Vincent Cassel quanto Débora Bloch estão bastante convincentes em seus papéis e Laura Neiva mostra-se uma ótima surpresa ao conferir muita credibilidade às inquietudes e surpresas de Felipa. Sua expressão em algumas cenas é a responsável por dar significado ao título “À Deriva”. Claro que aí entra também a sensibilidade de Heitor Dhalia, o qual mostra competência ao abordar o universo feminino, em contraposição ao seu longa anterior, o masculino “O Cheiro do Ralo”.

Contudo, “Á Deriva” está fadado a não agradar nem muito ao público médio nem à crítica. Não é envolvente o suficiente para conquistar o primeiro (apesar da bela fotografia e do “lolitismo”) e nem tem recursos artísticos que impressionem a segunda. Neste último aspecto, vale dizer que a perda da virgindade como uma espécie de transição para a vida adulta é uma metáfora já bastante clichê (além de obviamente falsa). E, no fim das contas, em um resultado mediano, Heitor Dhalia acaba apenas escapando de não deixar seu filme literalmente à deriva. Tal constatação me permite concluir que os aplausos entusiasmados depois de sua exibição em Cannes vieram mesmo de uma plateia repleta de brasileros...

Cotação: * * * (três estrelas)
Nota: 7,0

Up - Altas Aventuras

Mais um belo voo da Pixar


Existe algum elogio aos estúdios Pixar que já não tenha sido dito? Esta é uma pergunta pertinente, pois que, nos último anos, a fábrica de ideias comandada por John Lasseter parece, a cada novo longa de animação lançado, superar os seus feitos anteriores. E, é importante sublinhar, sem cair na mesmice ou repetir fórmulas de sucesso. E também sendo ousada o suficiente para conceber provocações como a de realizar uma parcela significativa de seus produtos de uma maneira que lembra o cinema mudo (o chapliniano “Wall-E”) ou exigindo referências culturais menos populares (como em “Ratatouille”, que coloca os elementos da sofisticada cozinha francesa para o grande público). Assim, nos acostumamos a aguardar uma obra-prima a cada lançamento do estúdio que desbancou a Disney do primeiro lugar no pódio das animações (e obrigou a Casa do Mickey a comprar a concorrente, no melhor esquema capitalista de vencer o inimigo).

Agora, com este “Up – Altas Aventuras”, percebemos que o céu é literalmente o limite para a Pixar. Afinal, a sua premissa, por si só, já foge dos padrões pré-estabelecidos ao colocar um idoso de 78 anos como protagonista de uma animação mainstream que busca atingir todos os públicos. E ainda mais estabelecendo uma dupla aventureira entre o Sr. Carl Fredricksen (voz de Chico Anysio na versão em português, excelente, é bom dizer) e Russel, um garoto escoteiro de 8 anos, numa inusitada parceria entre a primeira e a terceira idades. O paralelo entre essas duas fases da vida é estabelecido desde o início, quando o longa inicia-se mostrando a infância de Carl e o início de sua amizade com Ellie, que mais tarde viria a se transformar em sua esposa. Uma “introdução” belíssima, como poucas vezes é vista no cinema atual, sendo equiparada apenas pela introdução cinema mudo de “Wall-E”.

Por sinal, aula de cinema é o que a Pixar vem realizando já faz um bom tempo. Em todos os seus longas há sempre a preocupação com a empatia e envolvimento emocional entre os espectadores e os personagens. E isso é realizado sempre através de uma ótima caracterização dos mesmos, fazendo com que entendamos as suas motivações. Seus personagens sempre são tridimensionais, cheios de sonhos e até defeitos. Afinal, a Pixar faz filmes para toda a família, não apenas para os pequenos (como fazia a Disney até há algum tempo). Carl é o típico caso de um velhinho que se tornou ranzinza e isolado após a morte de sua esposa. E isso inclui tomar atitudes pouco louváveis, como agredir um funcionário de uma construtora que quer comprar a casa onde ele passou toda sua vida com Ellie.

Entretanto, é justamente na realização dos sonhos que “Up” se foca. O grande sonho de Ellie, ao longo de toda sua existência, era o de conhecer o famoso “Paraíso das Cachoeiras”, região perdida da América do Sul desbravada pelo ídolo de infância de ambos: Charles Muntz. Contudo, devido àquelas várias circunstâncias da vida, eles não conseguem concretizar o desejo enquanto Ellie está viva. E Carl parte para realizá-lo depois de sua morte, usando para isso uma infinidade de balões amarrados à sua casa (não, o filme não é baseado na história do padre brasileiro que voou amarrado a balões e acabou morrendo nessa empreitada). Talvez “Up” seja a animação que mais aborde, de forma clara e direta, a temática do luto. Tudo bem que o “O Rei Leão” e “Bambi” já haviam mostrado o tema da perda com cores fortes, mas o luto aqui é bem mais desenvolvido e humanizado que nos dois clássicos da Disney. Toda a ação neste “Altas Aventuras” é decorrente do luto de Fredericksen e de seu sentimento de que a vida só faz sentido com a presença de Ellie. Se não fisicamente, mas através da concretização dos sonhos compartilhados.

Todos esses elementos são mostrados com a competência de sempre pela Pixar. Falar de seus aspectos técnicos e elogiá-los é redundância, ainda mais agora com o crescimento da tecnologia 3D. A direção de Pete Docter e Bob Peterson (que também são os roteiristas) é segura como sempre e, mesmo que o roteiro peque um pouco em alguns aspectos (como a abordagem apressada dos fatos que levam ao embate entre o vilão e nossos heróis), isso é facilmente superado se compreendermos que as animações do estúdio são voltadas também para as crianças (é importante lembrar disso :=)). Não faltam ainda as tradicionais referências cinematográficas, levadas a cabo de forma bem mais sofisticada que nas animações da Dreamworks, estas muitas vezes bobas e até cansativas no seu intuito tolo de querer ser “pop” e “descolado”. Aqui, temos referências até a “Cidadão Kane”, passando ainda pelas fisionomias dos personagens (a de Carl me lembrou Spencer Tracy e a de Muntz a de Kirk Douglas). E é interessante observar com o cinema americano parece estar voltando seus olhos para a terceira idade (alguns momentos do filme me lembraram o recente “Gran Torino”, do genial Clint Eastwood).

Havendo espaço para muitas risadas (Russel é mesmo um garotinho impagável) e abordagem ecológica (algo que já havia acontecido em “Wall-E”), o que mais marca em “Up” são mesmo as lágrimas. Não que o filme seja triste, longe disso, mas sua veia emocional é tão desenvolvida e cativante que poderá fazer muitos, até mesmo os mais durões, deixarem aquela pequena lágrima escorregar ainda no início da projeção. Vou confessar aqui que isso aconteceu comigo. E é importante recordar, como já mencionei em outras oportunidades, que raramente deixo lágrimas caírem em filmes (a última vez, pelo menos que eu lembre, havia sido em “Cinema Paradiso”, ao qual assisti por volta dos 14 anos). A Pixar Animation Studios dá mais uma grande contribuição à arte cinematográfica. Não é à toa que John Lasseter será homenageado este ano no corrente “Festival de Veneza” exatamente por isso: as constantes aulas de cinema ministradas pelo estúdio que comanda.

Obs. Não deixe de chegar cedo à sessão para assistir ao divertido curta “Parcialmente Nublado”.

Cotação: * * * * * (cinco estrelas)
Nota: 10,0

Veneza - Abertura e Decote

Começou hoje a 66ª edição do Festival de Veneza. Mais do que "Baaría", novo longa de Giuseppe Tornatore que abriu o evento (e que teve fraca recepção), o que mais chamou a atenção no dia foi o decote de Maria Grazia Cucinotta, atriz italiana escolhida como madrinha desta edição. De fazer qualquer fotógrafo tropeçar...

Longa metragem que realmente chamou a atenção foi "A Estrada", de John Hillcoat, estrelado por um Viggo Mortensen envelhecido num planeta Terra pós-apocalíptico, onde não sobrou qualquer animal e as pessoas vagam em busca de comida (e isso inclui carne humana). O roteiro é uma adaptção de um romance de Comarc McCarthy (o mesmo de "Onde Os Fracos Não Têm Vez"). O filme, segundo está circulando por aí, é bem forte e exige bastante estômago. A premissa, ao menos, é interessante.

Disvel

Como o planeta inteiro já está sabendo, a Walt Disney Company comprou a Marvel Entertainment em uma negociação que gira em torno de 4 bilhões de dólares. É bom lembrar que a Disney já tinha comprado a Pixar há algum tempo. E também é importante recordar que a Disney é dona do canal ABC (de "Lost"), do History Channel, dos estúdios Touchstone e Miramax, além de sócia majoritária da ESPN (isso mesmo)... Esse é, virtualmente, o maior conglomerado de entretenimento do mundo, disputando palmo a pamo o título com o grupo Time Warner (que já é dono da DC Comics, maior rival da Marvel, há bastante tempo).

Mas, à parte todas as questões de mercado que já estão sendo debatidas amplamente em toda mídia impressa, falada, vista e digitada, vou fincar aqui uma opinião: eu não quero ver o Homem-Aranha encontrando com o Superpateta. Nem o Hulk megulhando na piscina de dinheiro do Tio Patinhas. Aprecio muito os dois universos, mas não vamos casar peixe com galinha, ok? Nada de Donald e Wolverine juntos. E ponto final.

Remake de Fellini

Já ouviu falar de "Nine"? Trata-se de um remake musical de "8 1/2", magistral obra do gênio Federico Fellini. Dirigido por Rob Marshall (o mesmo de "Chicago"), o filme contará com um elenco estrelado até demais: Daniel Day-Lewis, no papel de Guido Contini, o diretor de cinema às voltas com uma crise criativa e que acaba fazendo um apanhado de memórias das mulheres importantes de sua vida; Marion Cottilard (a esposa de Guido); Sophia Loren (sua mãe), além de outros nomes como Kate Hudson, Penélope Cruz e Fergie. Sim, Fergie! Ela anda afirmando que agora o mundo vai perceber que ela não é apenas uma bunda gostosa...

A imagem acima foi liberada esta semana e o longa terá sua estreia nos EUA em novembro, período bem propício para filmes que almejam indicações ao Oscar. No Brasil, a estreia está agendada para 15 de janeiro. Só um comentário: refilmar Fellini? Ai, meu Deus...

Trilha Sonora #7

Esta semana, eu estava ouvindo uma ótima coletânea da lendária banda "The Velvet Underground". Uma das faixas da compilação é "I'm Sticking With You", canção que com certeza serviu de inspiração para o som de muita banda indie por aí (o Belle & Sebastian que o diga). Imediatamente me veio à memória que essa música faz parte da trilha de "Juno", um dos filmes independentes mais simpáticos e sensíveis dos últimos tempos. Ah, se todos os filmes votaldos para adolescentes fossem como "Juno"... Ouça abaixo e, se você ainda não conhece o Velvet Underground, não sabe o que está perdendo!

Se Beber, Não Case!

Curtindo a vida adoidado parte 2

Durante os últimos anos, as comédias mais voltadas para o público feminino vinham dominando o mercado cinematográfico. Os rapazes eram obrigados sempre a acompanhar suas esposas/namoradas/amigas às seções de filmes como “A Proposta”, “P.S. Eu Te Amo”, “Como Perder Um Homem Em 10 Dias”, além de outros exemplares do gênero. Nada em especial contra as comédias românticas. Apesar de ser um gênero extremamente previsível, mesmo o maior dos machões tem alguma “CR” que lhe deixou boas lembranças. Mas a verdade é que o cinema estava precisando dar uma respirada, trazer novos ares para as produções voltadas para o riso. E, aparentemente, o cenário parece estar mudando. Aqui mesmo, no Brasil, tivemos o exemplo recente de “A Mulher Invisível” que é uma comédia romântica, sim, mas com um olhar masculino. E a tendência da comédia visando o público marmanjo parece adquirir contornos mundiais com este “Se Beber, Não Case!”, um enorme sucesso nos Estados Unidos (já arrecadou cerca de US$ 270 milhões) e que tem tudo também para arrebentar nas bilheterias por onde passar.

Talvez esta seja uma das comédias americanas mais inconsequentes e politicamente incorretas desde “Quanto Mais Quente Melhor”, clássico absoluto de Billy Wilder, o qual, ao seu tempo, exerceu um papel transgressor similar a este “The Hangover” (ressaca, em inglês), inclusive sendo semelhantes na sua estrutura narrativa onde os eventos se sucedem de forma descontrolada (a famosa comédia de erros). Não que eu esteja querendo comparar Todd Phillips, diretor em geral medíocre, com o genial Billy Wilder. Por sinal, é bom ressaltar, “Se Bebe, Não Case!” apresenta um desfecho conservador que contrasta com o final escrachado e genial que Wilder deu ao seu longa de 1959. Mas é certo também que representa um novo ar de transgressão que estava escasso durante os moralistas anos Bush.

Outras semelhanças são observadas com o clássico oitentista “Curtindo a Vida Adoidado”, só que, aqui, as aventuras adolescentes são substituídas pelas de homens adultos, que estão deixando a liberdade da vida de solteiros para adentrar na estabilidade do casamento. Assim, o matar a aula é substituído pela despedida de solteiro, espécie de rito de passagem existente no mundo masculino (há até uma sub-trama relativa a um carro que vai lembrar muito a Ferrari do filme de John Hughes). E é esse o ponto de partida para uma trama que mostra quatro homens neste tal rito de passagem em Las Vegas, capital americana conhecida como “cidade do pecado” (sin city), local onde tudo é permitido e todos os excessos lá cometidos são perdoados e esquecidos. “O que se faz em Vegas, fica em Vegas”, diz o bordão que é repetido algumas vezes ao longo do filme. Estão lá Doug (o noivo, interpretado por Justin Bartha), os seus melhores amigos Stu (Ed Helms) e Phil (Bradley Cooper), além de Alan, seu cunhado (Zach Galifianakis), prontos para uma noitada que deveria ser inesquecível. Deveria, mas não é o que sucede. No dia seguinte, três deles acordam em uma suíte de hotel devastada, com uma galinha e um tigre lhes fazendo companhia (isso mesmo, um tigre), um bebê no armário e, pra completar, o noivo Doug está sumido. Pior ainda, eles não se lembram de nada que aconteceu. E terão que descobrir logo o paradeiro de Doug, já que o casamento está marcado para o dia seguinte.

Talvez a grande sacada do roteiro seja misturar a comédia com uma trama quase policial de mistério. A estrutura da narrativa deixa o espectador na mesma situação dos protagonistas. Não sabemos de nada do que aconteceu e também vamos descobrindo aos poucos os fatos que conduziram àquela situação quase surreal do início da projeção (a cena do tigre no banheiro me fez lembrar, inclusive, “Max e os Felinos”, obra de Moacyr Scliar onde um viajante se depara com um jaguar dentro de um bote salva-vidas no meio do oceano). Uma bem vinda originalidade nessa pasmaceira que vem se tornando Hollywood. E as peripécias são tantas que envolvem um casamento com uma prostituta, uma confusão com a máfia local a até uma participação de Mike Tyson nas diabruras da trupe (isso mesmo: Myke Tyson...). Vale dar um aviso: o filme tem um humor ácido e bastante politicamente incorreto, direcionado realmente para um público adulto. Mas, diferentemente dos toscos longas de Sacha Baron Cohen (“Borat” e o recente “Brüno”), “Se Beber, Não Case!” dá uma aula de como fazer qualquer público rir mesmo ao mostrar as situações mais descabidas e indiscretas.

E isso, com certeza, também se deve muito às atuações. Todo o elenco está afiado, mas o destaque especial vai para Ed Helms, com seu impagável e manicaca dentista Stu e, principalmente, Zach Galifianakis, que fez do cunhado Alan um tipo completamente insano ao mesmo tempo que bastante carismático. Há ainda diversas referências a outros longas (os três amigos cuidando do bebê me fizeram lembrar imediatamente de “Três Solteirões e um Bebê”), além de uma trilha sonora muito bem adequada, com direito até a uma espécie de “ode ao Doug”.

A maioria das mulheres pode reclamar um pouco de que quase todas as personagens femininas do longa são mostradas como manipuladoras ou autênticas megeras (como a noiva de Stu) e de que a única garota legal é justamente a prostituta (a lindinha Heather Graham, muito embora eu não considere a noiva de Doug exatamente uma chata: ela não tem ataques de possessividade, quer apenas que o noivo compareça à cerimônia). Mas perdoem, garotas. Às vezes, é bom ver os fatos por outras perspectivas, não? E, embora algumas piadas surjam um pouco forçadas em certos momentos, “Se Beber, Não Case!” é um filme de muitos acertos e poucos erros.E mesmo com seu final um tanto “tradicional”, por assim dizer (como já mencionado mais acima), ainda arranja espaço para a anarquia durante os créditos, bastante criativos e que elucidam muito do que aconteceu na tal noite inesquecível-esquecida. A transgressão está definitivamente de volta às telas.

Cotação: * * * * ½ (quatro estrelas e meia)
Nota: 9,5

Avatar - Trailer

Se você acompanha minimamente as notícias do mundo cinematográfico, deve saber que está marcada para dezembro a estreia mundial de "Avatar", o retorno de James Cameron à direção depois de longos 12 anos (desde "Titanic"). Megalomaníaco como sempre, Cameron promete uma revolução nas telas com esse longa resultado de um projeto concebido há 14 anos. Bem, aí está o primeiro trailer da produção. Parece ser, deveras, "diferente".

"We all live in a Yellow Submarine"

O diretor Robert Zemeckis, juntamente com a Disney, está negociando a compra dos direitos para refilmagem da clássica animação "Yellow Submarine", protagonizada pelos Beatles em 1968 e originalmente dirigida por George Dunning. Zemeckis dirigirá o remake com a tecnologia da captura de movimentos em 3D, a mesma técnica que utilizou em "O Expresso Polar"e "A Lenda de Beowulf". A trama da animação se passa em Pepperland, paraíso submerso protegido pela Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band. Quando a banda é capturada pelos Blue Meanies, um soldado é enviado a Liverpool para tentar convencer os Beatles a salvar Pepperland. Na trilha sonora estão clássicos como "Nowhere Man", "All You Need is Love", "Eleanor Rigby", "Lucy in the Sky with Diamonds" e, claro, a faixa-título. Mais uma notícia envolvendo os Fab Four neste ano repleto de novidades para os beatlemaníacos. Resta aguardar até 2012, quando o longa deverá ser lançado.

Cidade de Deus entres os melhores do IMDB

Já está virando rotina. "Cidade de Deus" entra em mais uma lista de melhores da década e, desta vez, não é qualquer lista. Trata-se dos mais votados no site do IMDB, a maior base de dados on-line sobre cinema. Segundo a votação dos leitores, o filme de Fernando Meirelles só perde para "O Cavaleiro das Trevas" e "O Senhor dos Anéis - O Retorno do Rei". Não é pouca coisa, meus amigos. Confira abaixo os 15 primeiros da lista, no geral bem boa (o pessoal tem bom gosto).

1. "O Cavaleiro das trevas" (2008)

2. "O senhor dos anéis: O retorno do rei" (2003)

3. "Cidade de Deus" (2002)

4. "O senhor dos anéis: A sociedade do anel" (2001)

5. "Up - Altas aventuras" (2009)

6. "Amnésia" (2000)

7. "O senhor dos anéis: As duas torres" (2002)

8. "Wall-e" (2008)

9. "O fabuloso destino de Amélie Poulain (2001)

10. "Os infiltrados" (2006)

11. "A vida dos outros" (2006)

12. "O pianista" (2002)

13. "A viagem de Chihiro" (2001)

14. "Brilho eterno de uma mente sem lembranças" (2004)

15. "Réquiem para um sonho" (2000)

Os 50 melhores da Segunda Guerra

Dentro do gênero dos "filmes de guerra" existe um subgênero: os filmes de Segunda Guerra Mundial. Nenhum outro conflito foi tão incensado nas telas quanto a maior carnificina da História. Dizem que esta, a História, é escrita pelos vencedores. É uma verdade. Contudo, o conflito de 1939-1945 talvez seja um dos raros episódios históricos em que temos a certeza de que o "lado certo" venceu. Talvez os "mocinhos" da trama não fossem tão mocinhos assim, mas... Você já imaginou o que aconteceria se os nazistas vencessem a guerra? Talvez por isso, ela desperte tanto fascínio (muitas pessoas têm verdadeira obsessão pelo tema).

E eis que o site britânico "Time Out" (como uma forma de também divulgar a estreia de "Bastardos Inglórios" por lá) realizou uma seleção com os 50 melhores filmes deste subgênero. Uma lista quase irretocável, a começar pelo primeiro colocado, "Vá e Veja", de Elem Klimov. Observem também os comentários de Tarantino para alguns filmes da lista. O site é em inglês (obviamente), mas faça um esforço e confira.

Era uma vez um festival...

Ontem foram entregues os prêmios da 37ª edição do Festival de Cinema de Gramado, um evento inteiramente decadente que chegou ao ápice de sua insignificância neste ano de 2009. Afinal, como levar a sério um festival que premia Xuxa Meneghel por sua "contribuição ao cinema"? Sinceramente, isso é de dar náuseas, para dizer o mínimo. Impressionante como um evento cinematográfico que já foi respeitado pode chegar a esse ponto. Eu nem vou falar mais nada que é para não perder mais tempo digitando. Segue abaixo a lista de vencedores, se é que ela desperta ainda algum interesse. Em mim, pelo menos, não desperta mais.

Júri oficial – Kikito

Longa-metragem brasileiro

Melhor filme: “Corumbiara”, de Vincent Carelli

Prêmio especial do júri: “Em Teu Nome”, de Paulo Nascimento

Melhor diretor: Vicent Carelli, “Corumbiara”, e Paulo Nascimento, “Em Teu Nome”

Melhor ator: Leonardo Machado, “Em Teu Nome”

Melhor atriz: Vivianne Pasmanter, “Quase um Tango...”

Melhor roteiro: Sérgio Silva, “Quase um Tango...”

Melhor fotografia: Kátia Coelho, “Corpos Celestes”

Longa-metragem latino

Melhor filme: “A Teta Assustada”

Prêmio especial do júri: “La Próxima Estación”, de Fernando Solanas

Melhor diretor: Claudia Llosa, “A Teta Assustada”

Melhor ator: Horacio Camandule, “Gigante”, e Matías Maldonado, “Nochebuena”

Melhor atriz: Magaly Solier, “A Teta Assustada”

Melhor roteiro: Adrian Biniez, “Gigante”

Melhor fotografia: Guillermo Nieto, “Lluvia”

Curta-metragem brasileiro

Melhor filme: “Teresa”, de Paula Szutan e Renata Terra

Prêmio especial do júri: “Olhos de Ressaca”, de Petra Costa

Melhor diretor: Paula Szutan e Renata Terra, “Teresa”

Melhor ator: Miguel Ramos, “A Invasão do Alegrete”

Melhor atriz: Juliana Carneiro da Cunha, “O Teu Sorriso”

Melhor roteiro: Davi Pires e Diego Müller, “A Invasão do Alegrete”

Melhor fotografia: André Luiz de Luiz, “Ernesto no País do Futebol”

Prêmio do Júri Popular

Melhor longa-metragem brasileiro: “Corumbiara”, de Vincent Carelli

Melhor longa-metragem latino: “Lluvia”, de Paula Hernández

Melhor curta-metragem: “Josué e o Pé de Macaxeira”, de Diogo Viegas

Prêmio da Crítica

Melhor longa-metragem brasileiro: “Canção de Baal”, de Helena Ignez

Melhor longa-metragem latino: “Gigante”, de Adrian Biniez

Melhor curta-metragem brasileiro: “O Teu Sorriso”, de Pedro Freire

Prêmio Canal Brasil de aquisição: “O Teu Sorriso”, de Pedro Freire

Troféu Cidade de Gramado

Longa-metragem brasileiro

Melhor filme (júri dos estudantes de cinema): “Corumbiara”, de Vincent Carelli

Melhor trilha musical: André Trento e Renato Muller, “Em Teu Nome”

Melhor montagem: Mari Corrêa, “Corumbiara”

Melhor direção de arte: Fábio Delduque, “Canção de Baal”

Longa-metragem estrangeiro (júri dos estudantes de cinema): “A Teta Assustada”

Curta-metragem brasileiro

Melhor filme (júri dos estudantes de cinema): “Olhos de Ressaca”, de Petra Costa

Melhor trilha musical: Leonardo Mendes, “Josué e o Pé de Macaxeira”

Melhor montagem: Gustavo Ribeiro, “Teresa”

Melhor direção de arte: Diogo Viegas, “Josué e o Pé de Macaxeira”

Arraste-me Para O Inferno

O novo Trem-fantasma de Sam Raimi

Já havia bastante tempo que eu não assistia a um dos longas de terror de Sam Raimi, um dos grandes mestres deste gênero que é tido por muitos como “menor”(sem razão, diga-se de passagem). Mesmo a trilogia “Evil Dead” (ou “Uma Noite Alucinante”, como também é conhecida no Brasil) já se encontra um tanto apagada da minha memória (apesar de ter visto várias vezes o seu primeiro epísódio), o que dificulta um pouco observar, com um rigor mais crítico, o retorno de Raimi ao gênero depois de anos a fio dedicados exclusivamente à trilogia de um certo herói aracnídeo (ah, eu não vi “O Dom da Premonição”, de 2000, seu último longa de horror). Entretanto, a ausência de uma memória recente relativa ao tipo de trabalho que gerou a fama de Raimi também abre espaço para uma avaliação mais espontânea e livre de amarras.

A verdade é que Raimi retornou em grande estilo, realizando uma espécie de trem-fantasma vertiginoso com sustos para fazer qualquer um pular da cadeira quase que a cada minuto da projeção. Não faltam gosmas, imagens horrorosas, gente possuída, cenas de horror escatológico e mesmo humor, ou seja, tudo que lembra os clássicos do diretor, mesmo que você não tenha, tal como eu, uma lembrança viva de seus longas de horror. Se você tem coração fraco, problemas gástricos, alergia a gosmas e insetos, ou qualquer outro problema de saúde que lhe deixe suscetível a fortes emoções ou imagens horripilantes, é melhor não pegar a sessão de “Drag Me To Hell” (se for à noite, então...).

Um dado interessante é que Raimi é um péssimo espectador para filmes de horror. Ele mesmo diz que morre de medo e que, apesar de gostar muito do filme, não pretende ver uma segunda vez “Os Outros” nem tão cedo. Talvez seja exatamente por isso que ele consiga levar o público tão facilmente ao susto e que também lembre de fazer o espectador respirar com a inserção de um humor impagável em cenas trash-comédia que ajudam a aliviar a tensão. Tal fórmula, um dos segredos do sucesso de “Evil Dead”, é de novo implementada nesse novo longa.

A trama, como sempre, é básica. Alison Lohman (uma verdadeira rainha do grito) interpreta Chistine Brown, uma funcionária de banco responsável por financiamentos de imóveis que, no momento, objetiva uma promoção na carreira (creio que a atividade profissional dela não é por acaso...). Um belo dia, uma velha horrorosa com cara de bruxa (Lorna Raver) vai lhe pedir uma extensão de prazo para pagamento da hipoteca de sua casa. Dando uma de durona para impressionar o chefe, ela nega o financiamento, o que leva a velha bruxa a lhe rogar uma maldição: após três dias de tormento, a menina ambiciosa será levada ao inferno pelo demônio Lâmia. Ajudada pelo namorado (Justin Long), Chistine busca de todas as formas evitar a sua passagem para o reino do tinhoso, que lhe levará a peripécias várias que culminam em uma sequência no cemitério que já está fadada a se tornar clássica, tendo levado duas semanas de filmagens para ser concluída (Lohman teve reações alérgicas à lama artificial empregada, a qual acabou sendo substituída por um composto orgânico que,segundo ela, até fez bem à sua pele).

Percebe-se, pela síntese, que Raimi vale-se de elementos arquetípicos das histórias de horror. Estão lá a bruxa, a maldição, os demônios, os feitiços para tentar quebrar os feitiços, a mocinha que grita. Está também presente o caráter de punição que se tornou comum nos slasher movies (aqueles filmes de serial killers como “Sexta-feira 13”), substituindo apenas o pecado da luxúria pelo da ganância. Entretanto, mesmo utilizando tais elementos já tão manjados (para não dizer clichês), o horror flui com extrema eficiência. Afinal, o terror brinca com medos inerentes à condição humana: a morte, o desconhecido, o porquê de estarmos aqui, a eterna pergunta de se esta é ou não é a única realidade existente. E é por isso que tais elementos, embora possam, às vezes, soar repetitivos, jamais se tornarão ultrapassados.

Raimi sabe disso. E mostra que ele também não ficou ultrapassado, sendo capaz de provocar grandes sustos mesmo nos cético público do século XXI. Sem fugir de sua origem (por vezes temos a impressão é de estarmos vendo um autêntico filme B), o diretor mostra que ainda é capaz de obter qualidade fora dos blockbusters aracnídeos. Esse “Arraste-me...” foi realmente um ótimo exercício para manter a velha forma, além de cativar novos adeptos. Só lembre de uma coisa: evite pegar aquela última sessão, ok? Ou, então, arrisque-se a perder o sono...Quem avisa amigo é!

Cotação: * * * * (quatro estrelas)
Nota: 9,0

Obs: A trilha sonora dos créditos finais havia sido composta para o “O Exorcista”, mas seu diretor William Friedkin não gostou e descartou.

Musas do Escurinho #8

Aproveitando a onda "G.I. Joe", aí vai uma foto da Sienna Miller, vestida para matar em sessão de fotos promocionais do longa. Delícia!

G.I. Joe - A Origem de Cobra

É só uma brincadeira...

Se você é homem e está por volta dos 30 (ou um pouco mais ou menos), provavelmente tem na sua memória afetiva os bonecos dos “Comandos em Ação” como parte integrante de sua infância. Se não tem estes, talvez tenha o Falcon, versão anterior (e maior, com cerca de 30cm contra 9,5cm dos Comandos), como lembrança cara da aurora da sua vida. Ambos são os nomes atribuídos no Brasil para os “G.I. Joe”, brinquedos criados pela fabricante Hasbro, a mesma dos Transformers. Os “G.I. Joe” formavam uma espécie de tropa militar de elite que combatiam uma organização paramilitar designada “Cobra”, a qual pretendia destruir o mundo tal como o conhecemos. Esses bonecos da Hasbro fizeram surgir o termo “action figure” (traduzindo: figuras de ação) para esse tipo de brinquedo destinado aos garotos, diferenciado-os das bonecas das meninas (“dolls” em inglês é um termo muito mais usado para definir as bonecas, já que na língua anglo-saxã a questão dos gêneros dos substantivos é mais limitada). Além dos bonecos, também havia vários outros “acessórios”, como carros, submarinos, aviões, bases, helicópteros, motos e mais alguns itens que afundavam o bolso dos pais. A coqueluche dos “Comandos” se tornou maior ainda depois da estreia do desenho animado, que no Brasil foi transmitido entre as animações constantes da grade do “Show da Xuxa”.

Pois bem, nessa nova onda de “adaptações” de brinquedos para as telonas (por mais estranho que possa ser a ideia de adaptar um brinquedo para o cinema), eis que Hollywood nos apresenta este “G.I. Joe – A Origem de Cobra”, o qual chega na esteira do super-sucesso “Transformers: A Vingança dos Derrotados”, até agora a maior bilheteria do ano (e dificilmente será batido). A verdade é que a expectativa era das piores, já que, em algumas exibições de teste junto ao público este não demonstrou empolgação. Os trailers, por sua vez, também não prometiam nada de excepcional e a impressão geral só piorou depois que a Paramount cancelou as cabines para a imprensa americana, normalmente um péssimo indicativo que demonstra a dúvida que o estúdio possui com relação à qualidade do seu produto. Entretanto, diante da fraquíssima safra dos blockbusters em 2009, até que esse “G.I. Joe” não se sai de forma tão horripilante. Apesar da trama acéfala, tem boas sequências de ação. Aliás, ação é o que não falta no filme. Explicando melhor ainda: ação é praticamente tudo que o filme tem a mostrar. Mas é bom lembrar: nem por isso o longa deixa de ser tosco. Ele apenas consegue ser divertidamente ruim.

Isso porque existe quase que apensas um fiapo de roteiro pensado para mostrar as cenas de ação, além das curvas das belas Sienna Miller e Rachel Nichols. A precariedade das ideias é tamanha que os roteiristas Stuart Beattie, David Elliot e Paul Lovett conseguiram até misturar elementos do clássico “O Homem da Máscara de Ferro” com outros que lembram “20.000 Léguas Submarinas” (ou seria Aquaman? Ou, ainda, os quadrinhos do Príncipe Namor? Bem, tanto faz...). Entretanto, até soou boa a iniciativa de mostrar o passado de motivações de quase todos os personagens da trama, muito embora isso seja feito de forma absolutamente sofrível. Só para se ter uma noção da falta de noção das tramas elaboradas, o personagem de Snake Eyes (lembram daquele boneco de máscara e corpo inteiramente negros? Pronto, é ele) não fala absolutamente nada no longa inteiro porque no passado seu mestre ninja (ou sei lá o que) foi assassinado por um garoto que rivalizava as suas atenções com o próprio Snake. Clichê mais batido impossível e, pior ainda, desenvolvido de forma horrorosa, com diálogos pífios.

Diálogos tenebrosos, é bom ressaltar, estão impregnados em toda narrativa, com um elenco que não ajuda muito (à exceção de Dennis Quaid e Sienna, todo o restante do elenco é bem classe B). Scarllet (personagem da bela Rachel Nichols, já mencionada acima) é dona das maiores pérolas do filme. Coisas como “meu pai me ensinou a nunca perder” servem pra mostrar o porquê de seu estilo power fêmea, além de outras pérolas como “não devemos nos deixar dominar pelas emoções”. A Ana Baronesa da Sienna Miller sofre menos com as falas, mas isso também não quer dizer que haja muita inteligência em suas palavras. Pelo menos, Sienna tem muita presença de tela e deve ter sido alertada para não ficar com a boca sempre entreaberta, elemento mais marcante das interpretações de Megan Fox em “Transformers”. A tal baronesa funciona também como catalisadora da testosterona de quase todo o elenco masculino da produção. O único que não tem os quatro pneus arriados por ela é o personagem de Ripcord (personagem do pseudo-comediante Marlon Wayans), o qual é afim da Scarlett.

Mas o longa consegue se salvar quando passa das palavras para a ação. O diretor Stephen Sommers já tinha demonstrado esse talento no primeiro episódio de “A Múmia” (sem querer comparar os dois filmes, já que “A Múmia” é bem melhor) e aqui deixa claro mais uma vez que pelo menos do lado aventureiro ele consegue dar conta do recado. Algumas sequências são mesmo empolgantes, principalmente a da perseguição nas ruas de Paris, que culmina com a queda da Torre Eiffel (já que perderam as torres gêmeas, os americanos agora resolveram colocar abaixo as torres dos outros), embora nem todos os efeitos especiais sejam convincentes. O CGI é pesado em algumas cenas. Contudo, isso também não é novidade nos filmes de Sommers (na série “A Múmia” os efeitos também se fazem sentir em certos momentos).

Ou seja, vá assistir se você não estiver com vontade de pensar e quiser curtir uma história que poderia ser elaborada por você mesmo e seus amigos lá nos seus 8 ou 9 anos, quando imaginava as aventuras dos seus bonecos dos Comandos em Ação (ou do Falcon). Por sinal, talvez seja este mesmo os espírito do longa: uma grande brincadeira para garotos de 8 ou 9 anos passarem o tempo. Se conseguir convencer sua namorada a assistir “G.I. Joe” (já que, se você que está lendo essa resenha for mulher, dificilmente vai querer assistir a esta produção de livre espontânea vontade), parabéns e divirta-se depois de desligar o botão da racionalidade no seu cérebro e deixar aceso apenas o do apreço por cenas de ação e curvas femininas. É só.

Classificação: * * 1/2(duas estrelas e meia)
Nota: 5,0.

Obs: O filme estreou em primeiro lugar neste fim de semana nos EUA e no mundo, com mais de 100 milhões de dólares já arrecadados, uma das maiores estreias para o mês de agosto. Ainda vamos ter que aturar a Hasbro por um bom tempo, ao que tudo indica...

Obs 2: Optei por colocar esse pôster com a Rachel Nichols em destaque para, de repente, gerar uma aumento no número de acessos ao blog. Afinal, as fotos da Megan Fox geraram bons frutos...