Disvel

Como o planeta inteiro já está sabendo, a Walt Disney Company comprou a Marvel Entertainment em uma negociação que gira em torno de 4 bilhões de dólares. É bom lembrar que a Disney já tinha comprado a Pixar há algum tempo. E também é importante recordar que a Disney é dona do canal ABC (de "Lost"), do History Channel, dos estúdios Touchstone e Miramax, além de sócia majoritária da ESPN (isso mesmo)... Esse é, virtualmente, o maior conglomerado de entretenimento do mundo, disputando palmo a pamo o título com o grupo Time Warner (que já é dono da DC Comics, maior rival da Marvel, há bastante tempo).

Mas, à parte todas as questões de mercado que já estão sendo debatidas amplamente em toda mídia impressa, falada, vista e digitada, vou fincar aqui uma opinião: eu não quero ver o Homem-Aranha encontrando com o Superpateta. Nem o Hulk megulhando na piscina de dinheiro do Tio Patinhas. Aprecio muito os dois universos, mas não vamos casar peixe com galinha, ok? Nada de Donald e Wolverine juntos. E ponto final.

Remake de Fellini

Já ouviu falar de "Nine"? Trata-se de um remake musical de "8 1/2", magistral obra do gênio Federico Fellini. Dirigido por Rob Marshall (o mesmo de "Chicago"), o filme contará com um elenco estrelado até demais: Daniel Day-Lewis, no papel de Guido Contini, o diretor de cinema às voltas com uma crise criativa e que acaba fazendo um apanhado de memórias das mulheres importantes de sua vida; Marion Cottilard (a esposa de Guido); Sophia Loren (sua mãe), além de outros nomes como Kate Hudson, Penélope Cruz e Fergie. Sim, Fergie! Ela anda afirmando que agora o mundo vai perceber que ela não é apenas uma bunda gostosa...

A imagem acima foi liberada esta semana e o longa terá sua estreia nos EUA em novembro, período bem propício para filmes que almejam indicações ao Oscar. No Brasil, a estreia está agendada para 15 de janeiro. Só um comentário: refilmar Fellini? Ai, meu Deus...

Trilha Sonora #7

Esta semana, eu estava ouvindo uma ótima coletânea da lendária banda "The Velvet Underground". Uma das faixas da compilação é "I'm Sticking With You", canção que com certeza serviu de inspiração para o som de muita banda indie por aí (o Belle & Sebastian que o diga). Imediatamente me veio à memória que essa música faz parte da trilha de "Juno", um dos filmes independentes mais simpáticos e sensíveis dos últimos tempos. Ah, se todos os filmes votaldos para adolescentes fossem como "Juno"... Ouça abaixo e, se você ainda não conhece o Velvet Underground, não sabe o que está perdendo!

Se Beber, Não Case!

Curtindo a vida adoidado parte 2

Durante os últimos anos, as comédias mais voltadas para o público feminino vinham dominando o mercado cinematográfico. Os rapazes eram obrigados sempre a acompanhar suas esposas/namoradas/amigas às seções de filmes como “A Proposta”, “P.S. Eu Te Amo”, “Como Perder Um Homem Em 10 Dias”, além de outros exemplares do gênero. Nada em especial contra as comédias românticas. Apesar de ser um gênero extremamente previsível, mesmo o maior dos machões tem alguma “CR” que lhe deixou boas lembranças. Mas a verdade é que o cinema estava precisando dar uma respirada, trazer novos ares para as produções voltadas para o riso. E, aparentemente, o cenário parece estar mudando. Aqui mesmo, no Brasil, tivemos o exemplo recente de “A Mulher Invisível” que é uma comédia romântica, sim, mas com um olhar masculino. E a tendência da comédia visando o público marmanjo parece adquirir contornos mundiais com este “Se Beber, Não Case!”, um enorme sucesso nos Estados Unidos (já arrecadou cerca de US$ 270 milhões) e que tem tudo também para arrebentar nas bilheterias por onde passar.

Talvez esta seja uma das comédias americanas mais inconsequentes e politicamente incorretas desde “Quanto Mais Quente Melhor”, clássico absoluto de Billy Wilder, o qual, ao seu tempo, exerceu um papel transgressor similar a este “The Hangover” (ressaca, em inglês), inclusive sendo semelhantes na sua estrutura narrativa onde os eventos se sucedem de forma descontrolada (a famosa comédia de erros). Não que eu esteja querendo comparar Todd Phillips, diretor em geral medíocre, com o genial Billy Wilder. Por sinal, é bom ressaltar, “Se Bebe, Não Case!” apresenta um desfecho conservador que contrasta com o final escrachado e genial que Wilder deu ao seu longa de 1959. Mas é certo também que representa um novo ar de transgressão que estava escasso durante os moralistas anos Bush.

Outras semelhanças são observadas com o clássico oitentista “Curtindo a Vida Adoidado”, só que, aqui, as aventuras adolescentes são substituídas pelas de homens adultos, que estão deixando a liberdade da vida de solteiros para adentrar na estabilidade do casamento. Assim, o matar a aula é substituído pela despedida de solteiro, espécie de rito de passagem existente no mundo masculino (há até uma sub-trama relativa a um carro que vai lembrar muito a Ferrari do filme de John Hughes). E é esse o ponto de partida para uma trama que mostra quatro homens neste tal rito de passagem em Las Vegas, capital americana conhecida como “cidade do pecado” (sin city), local onde tudo é permitido e todos os excessos lá cometidos são perdoados e esquecidos. “O que se faz em Vegas, fica em Vegas”, diz o bordão que é repetido algumas vezes ao longo do filme. Estão lá Doug (o noivo, interpretado por Justin Bartha), os seus melhores amigos Stu (Ed Helms) e Phil (Bradley Cooper), além de Alan, seu cunhado (Zach Galifianakis), prontos para uma noitada que deveria ser inesquecível. Deveria, mas não é o que sucede. No dia seguinte, três deles acordam em uma suíte de hotel devastada, com uma galinha e um tigre lhes fazendo companhia (isso mesmo, um tigre), um bebê no armário e, pra completar, o noivo Doug está sumido. Pior ainda, eles não se lembram de nada que aconteceu. E terão que descobrir logo o paradeiro de Doug, já que o casamento está marcado para o dia seguinte.

Talvez a grande sacada do roteiro seja misturar a comédia com uma trama quase policial de mistério. A estrutura da narrativa deixa o espectador na mesma situação dos protagonistas. Não sabemos de nada do que aconteceu e também vamos descobrindo aos poucos os fatos que conduziram àquela situação quase surreal do início da projeção (a cena do tigre no banheiro me fez lembrar, inclusive, “Max e os Felinos”, obra de Moacyr Scliar onde um viajante se depara com um jaguar dentro de um bote salva-vidas no meio do oceano). Uma bem vinda originalidade nessa pasmaceira que vem se tornando Hollywood. E as peripécias são tantas que envolvem um casamento com uma prostituta, uma confusão com a máfia local a até uma participação de Mike Tyson nas diabruras da trupe (isso mesmo: Myke Tyson...). Vale dar um aviso: o filme tem um humor ácido e bastante politicamente incorreto, direcionado realmente para um público adulto. Mas, diferentemente dos toscos longas de Sacha Baron Cohen (“Borat” e o recente “Brüno”), “Se Beber, Não Case!” dá uma aula de como fazer qualquer público rir mesmo ao mostrar as situações mais descabidas e indiscretas.

E isso, com certeza, também se deve muito às atuações. Todo o elenco está afiado, mas o destaque especial vai para Ed Helms, com seu impagável e manicaca dentista Stu e, principalmente, Zach Galifianakis, que fez do cunhado Alan um tipo completamente insano ao mesmo tempo que bastante carismático. Há ainda diversas referências a outros longas (os três amigos cuidando do bebê me fizeram lembrar imediatamente de “Três Solteirões e um Bebê”), além de uma trilha sonora muito bem adequada, com direito até a uma espécie de “ode ao Doug”.

A maioria das mulheres pode reclamar um pouco de que quase todas as personagens femininas do longa são mostradas como manipuladoras ou autênticas megeras (como a noiva de Stu) e de que a única garota legal é justamente a prostituta (a lindinha Heather Graham, muito embora eu não considere a noiva de Doug exatamente uma chata: ela não tem ataques de possessividade, quer apenas que o noivo compareça à cerimônia). Mas perdoem, garotas. Às vezes, é bom ver os fatos por outras perspectivas, não? E, embora algumas piadas surjam um pouco forçadas em certos momentos, “Se Beber, Não Case!” é um filme de muitos acertos e poucos erros.E mesmo com seu final um tanto “tradicional”, por assim dizer (como já mencionado mais acima), ainda arranja espaço para a anarquia durante os créditos, bastante criativos e que elucidam muito do que aconteceu na tal noite inesquecível-esquecida. A transgressão está definitivamente de volta às telas.

Cotação: * * * * ½ (quatro estrelas e meia)
Nota: 9,5

Avatar - Trailer

Se você acompanha minimamente as notícias do mundo cinematográfico, deve saber que está marcada para dezembro a estreia mundial de "Avatar", o retorno de James Cameron à direção depois de longos 12 anos (desde "Titanic"). Megalomaníaco como sempre, Cameron promete uma revolução nas telas com esse longa resultado de um projeto concebido há 14 anos. Bem, aí está o primeiro trailer da produção. Parece ser, deveras, "diferente".

"We all live in a Yellow Submarine"

O diretor Robert Zemeckis, juntamente com a Disney, está negociando a compra dos direitos para refilmagem da clássica animação "Yellow Submarine", protagonizada pelos Beatles em 1968 e originalmente dirigida por George Dunning. Zemeckis dirigirá o remake com a tecnologia da captura de movimentos em 3D, a mesma técnica que utilizou em "O Expresso Polar"e "A Lenda de Beowulf". A trama da animação se passa em Pepperland, paraíso submerso protegido pela Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band. Quando a banda é capturada pelos Blue Meanies, um soldado é enviado a Liverpool para tentar convencer os Beatles a salvar Pepperland. Na trilha sonora estão clássicos como "Nowhere Man", "All You Need is Love", "Eleanor Rigby", "Lucy in the Sky with Diamonds" e, claro, a faixa-título. Mais uma notícia envolvendo os Fab Four neste ano repleto de novidades para os beatlemaníacos. Resta aguardar até 2012, quando o longa deverá ser lançado.

Cidade de Deus entres os melhores do IMDB

Já está virando rotina. "Cidade de Deus" entra em mais uma lista de melhores da década e, desta vez, não é qualquer lista. Trata-se dos mais votados no site do IMDB, a maior base de dados on-line sobre cinema. Segundo a votação dos leitores, o filme de Fernando Meirelles só perde para "O Cavaleiro das Trevas" e "O Senhor dos Anéis - O Retorno do Rei". Não é pouca coisa, meus amigos. Confira abaixo os 15 primeiros da lista, no geral bem boa (o pessoal tem bom gosto).

1. "O Cavaleiro das trevas" (2008)

2. "O senhor dos anéis: O retorno do rei" (2003)

3. "Cidade de Deus" (2002)

4. "O senhor dos anéis: A sociedade do anel" (2001)

5. "Up - Altas aventuras" (2009)

6. "Amnésia" (2000)

7. "O senhor dos anéis: As duas torres" (2002)

8. "Wall-e" (2008)

9. "O fabuloso destino de Amélie Poulain (2001)

10. "Os infiltrados" (2006)

11. "A vida dos outros" (2006)

12. "O pianista" (2002)

13. "A viagem de Chihiro" (2001)

14. "Brilho eterno de uma mente sem lembranças" (2004)

15. "Réquiem para um sonho" (2000)

Os 50 melhores da Segunda Guerra

Dentro do gênero dos "filmes de guerra" existe um subgênero: os filmes de Segunda Guerra Mundial. Nenhum outro conflito foi tão incensado nas telas quanto a maior carnificina da História. Dizem que esta, a História, é escrita pelos vencedores. É uma verdade. Contudo, o conflito de 1939-1945 talvez seja um dos raros episódios históricos em que temos a certeza de que o "lado certo" venceu. Talvez os "mocinhos" da trama não fossem tão mocinhos assim, mas... Você já imaginou o que aconteceria se os nazistas vencessem a guerra? Talvez por isso, ela desperte tanto fascínio (muitas pessoas têm verdadeira obsessão pelo tema).

E eis que o site britânico "Time Out" (como uma forma de também divulgar a estreia de "Bastardos Inglórios" por lá) realizou uma seleção com os 50 melhores filmes deste subgênero. Uma lista quase irretocável, a começar pelo primeiro colocado, "Vá e Veja", de Elem Klimov. Observem também os comentários de Tarantino para alguns filmes da lista. O site é em inglês (obviamente), mas faça um esforço e confira.

Era uma vez um festival...

Ontem foram entregues os prêmios da 37ª edição do Festival de Cinema de Gramado, um evento inteiramente decadente que chegou ao ápice de sua insignificância neste ano de 2009. Afinal, como levar a sério um festival que premia Xuxa Meneghel por sua "contribuição ao cinema"? Sinceramente, isso é de dar náuseas, para dizer o mínimo. Impressionante como um evento cinematográfico que já foi respeitado pode chegar a esse ponto. Eu nem vou falar mais nada que é para não perder mais tempo digitando. Segue abaixo a lista de vencedores, se é que ela desperta ainda algum interesse. Em mim, pelo menos, não desperta mais.

Júri oficial – Kikito

Longa-metragem brasileiro

Melhor filme: “Corumbiara”, de Vincent Carelli

Prêmio especial do júri: “Em Teu Nome”, de Paulo Nascimento

Melhor diretor: Vicent Carelli, “Corumbiara”, e Paulo Nascimento, “Em Teu Nome”

Melhor ator: Leonardo Machado, “Em Teu Nome”

Melhor atriz: Vivianne Pasmanter, “Quase um Tango...”

Melhor roteiro: Sérgio Silva, “Quase um Tango...”

Melhor fotografia: Kátia Coelho, “Corpos Celestes”

Longa-metragem latino

Melhor filme: “A Teta Assustada”

Prêmio especial do júri: “La Próxima Estación”, de Fernando Solanas

Melhor diretor: Claudia Llosa, “A Teta Assustada”

Melhor ator: Horacio Camandule, “Gigante”, e Matías Maldonado, “Nochebuena”

Melhor atriz: Magaly Solier, “A Teta Assustada”

Melhor roteiro: Adrian Biniez, “Gigante”

Melhor fotografia: Guillermo Nieto, “Lluvia”

Curta-metragem brasileiro

Melhor filme: “Teresa”, de Paula Szutan e Renata Terra

Prêmio especial do júri: “Olhos de Ressaca”, de Petra Costa

Melhor diretor: Paula Szutan e Renata Terra, “Teresa”

Melhor ator: Miguel Ramos, “A Invasão do Alegrete”

Melhor atriz: Juliana Carneiro da Cunha, “O Teu Sorriso”

Melhor roteiro: Davi Pires e Diego Müller, “A Invasão do Alegrete”

Melhor fotografia: André Luiz de Luiz, “Ernesto no País do Futebol”

Prêmio do Júri Popular

Melhor longa-metragem brasileiro: “Corumbiara”, de Vincent Carelli

Melhor longa-metragem latino: “Lluvia”, de Paula Hernández

Melhor curta-metragem: “Josué e o Pé de Macaxeira”, de Diogo Viegas

Prêmio da Crítica

Melhor longa-metragem brasileiro: “Canção de Baal”, de Helena Ignez

Melhor longa-metragem latino: “Gigante”, de Adrian Biniez

Melhor curta-metragem brasileiro: “O Teu Sorriso”, de Pedro Freire

Prêmio Canal Brasil de aquisição: “O Teu Sorriso”, de Pedro Freire

Troféu Cidade de Gramado

Longa-metragem brasileiro

Melhor filme (júri dos estudantes de cinema): “Corumbiara”, de Vincent Carelli

Melhor trilha musical: André Trento e Renato Muller, “Em Teu Nome”

Melhor montagem: Mari Corrêa, “Corumbiara”

Melhor direção de arte: Fábio Delduque, “Canção de Baal”

Longa-metragem estrangeiro (júri dos estudantes de cinema): “A Teta Assustada”

Curta-metragem brasileiro

Melhor filme (júri dos estudantes de cinema): “Olhos de Ressaca”, de Petra Costa

Melhor trilha musical: Leonardo Mendes, “Josué e o Pé de Macaxeira”

Melhor montagem: Gustavo Ribeiro, “Teresa”

Melhor direção de arte: Diogo Viegas, “Josué e o Pé de Macaxeira”

Arraste-me Para O Inferno

O novo Trem-fantasma de Sam Raimi

Já havia bastante tempo que eu não assistia a um dos longas de terror de Sam Raimi, um dos grandes mestres deste gênero que é tido por muitos como “menor”(sem razão, diga-se de passagem). Mesmo a trilogia “Evil Dead” (ou “Uma Noite Alucinante”, como também é conhecida no Brasil) já se encontra um tanto apagada da minha memória (apesar de ter visto várias vezes o seu primeiro epísódio), o que dificulta um pouco observar, com um rigor mais crítico, o retorno de Raimi ao gênero depois de anos a fio dedicados exclusivamente à trilogia de um certo herói aracnídeo (ah, eu não vi “O Dom da Premonição”, de 2000, seu último longa de horror). Entretanto, a ausência de uma memória recente relativa ao tipo de trabalho que gerou a fama de Raimi também abre espaço para uma avaliação mais espontânea e livre de amarras.

A verdade é que Raimi retornou em grande estilo, realizando uma espécie de trem-fantasma vertiginoso com sustos para fazer qualquer um pular da cadeira quase que a cada minuto da projeção. Não faltam gosmas, imagens horrorosas, gente possuída, cenas de horror escatológico e mesmo humor, ou seja, tudo que lembra os clássicos do diretor, mesmo que você não tenha, tal como eu, uma lembrança viva de seus longas de horror. Se você tem coração fraco, problemas gástricos, alergia a gosmas e insetos, ou qualquer outro problema de saúde que lhe deixe suscetível a fortes emoções ou imagens horripilantes, é melhor não pegar a sessão de “Drag Me To Hell” (se for à noite, então...).

Um dado interessante é que Raimi é um péssimo espectador para filmes de horror. Ele mesmo diz que morre de medo e que, apesar de gostar muito do filme, não pretende ver uma segunda vez “Os Outros” nem tão cedo. Talvez seja exatamente por isso que ele consiga levar o público tão facilmente ao susto e que também lembre de fazer o espectador respirar com a inserção de um humor impagável em cenas trash-comédia que ajudam a aliviar a tensão. Tal fórmula, um dos segredos do sucesso de “Evil Dead”, é de novo implementada nesse novo longa.

A trama, como sempre, é básica. Alison Lohman (uma verdadeira rainha do grito) interpreta Chistine Brown, uma funcionária de banco responsável por financiamentos de imóveis que, no momento, objetiva uma promoção na carreira (creio que a atividade profissional dela não é por acaso...). Um belo dia, uma velha horrorosa com cara de bruxa (Lorna Raver) vai lhe pedir uma extensão de prazo para pagamento da hipoteca de sua casa. Dando uma de durona para impressionar o chefe, ela nega o financiamento, o que leva a velha bruxa a lhe rogar uma maldição: após três dias de tormento, a menina ambiciosa será levada ao inferno pelo demônio Lâmia. Ajudada pelo namorado (Justin Long), Chistine busca de todas as formas evitar a sua passagem para o reino do tinhoso, que lhe levará a peripécias várias que culminam em uma sequência no cemitério que já está fadada a se tornar clássica, tendo levado duas semanas de filmagens para ser concluída (Lohman teve reações alérgicas à lama artificial empregada, a qual acabou sendo substituída por um composto orgânico que,segundo ela, até fez bem à sua pele).

Percebe-se, pela síntese, que Raimi vale-se de elementos arquetípicos das histórias de horror. Estão lá a bruxa, a maldição, os demônios, os feitiços para tentar quebrar os feitiços, a mocinha que grita. Está também presente o caráter de punição que se tornou comum nos slasher movies (aqueles filmes de serial killers como “Sexta-feira 13”), substituindo apenas o pecado da luxúria pelo da ganância. Entretanto, mesmo utilizando tais elementos já tão manjados (para não dizer clichês), o horror flui com extrema eficiência. Afinal, o terror brinca com medos inerentes à condição humana: a morte, o desconhecido, o porquê de estarmos aqui, a eterna pergunta de se esta é ou não é a única realidade existente. E é por isso que tais elementos, embora possam, às vezes, soar repetitivos, jamais se tornarão ultrapassados.

Raimi sabe disso. E mostra que ele também não ficou ultrapassado, sendo capaz de provocar grandes sustos mesmo nos cético público do século XXI. Sem fugir de sua origem (por vezes temos a impressão é de estarmos vendo um autêntico filme B), o diretor mostra que ainda é capaz de obter qualidade fora dos blockbusters aracnídeos. Esse “Arraste-me...” foi realmente um ótimo exercício para manter a velha forma, além de cativar novos adeptos. Só lembre de uma coisa: evite pegar aquela última sessão, ok? Ou, então, arrisque-se a perder o sono...Quem avisa amigo é!

Cotação: * * * * (quatro estrelas)
Nota: 9,0

Obs: A trilha sonora dos créditos finais havia sido composta para o “O Exorcista”, mas seu diretor William Friedkin não gostou e descartou.

Musas do Escurinho #8

Aproveitando a onda "G.I. Joe", aí vai uma foto da Sienna Miller, vestida para matar em sessão de fotos promocionais do longa. Delícia!

G.I. Joe - A Origem de Cobra

É só uma brincadeira...

Se você é homem e está por volta dos 30 (ou um pouco mais ou menos), provavelmente tem na sua memória afetiva os bonecos dos “Comandos em Ação” como parte integrante de sua infância. Se não tem estes, talvez tenha o Falcon, versão anterior (e maior, com cerca de 30cm contra 9,5cm dos Comandos), como lembrança cara da aurora da sua vida. Ambos são os nomes atribuídos no Brasil para os “G.I. Joe”, brinquedos criados pela fabricante Hasbro, a mesma dos Transformers. Os “G.I. Joe” formavam uma espécie de tropa militar de elite que combatiam uma organização paramilitar designada “Cobra”, a qual pretendia destruir o mundo tal como o conhecemos. Esses bonecos da Hasbro fizeram surgir o termo “action figure” (traduzindo: figuras de ação) para esse tipo de brinquedo destinado aos garotos, diferenciado-os das bonecas das meninas (“dolls” em inglês é um termo muito mais usado para definir as bonecas, já que na língua anglo-saxã a questão dos gêneros dos substantivos é mais limitada). Além dos bonecos, também havia vários outros “acessórios”, como carros, submarinos, aviões, bases, helicópteros, motos e mais alguns itens que afundavam o bolso dos pais. A coqueluche dos “Comandos” se tornou maior ainda depois da estreia do desenho animado, que no Brasil foi transmitido entre as animações constantes da grade do “Show da Xuxa”.

Pois bem, nessa nova onda de “adaptações” de brinquedos para as telonas (por mais estranho que possa ser a ideia de adaptar um brinquedo para o cinema), eis que Hollywood nos apresenta este “G.I. Joe – A Origem de Cobra”, o qual chega na esteira do super-sucesso “Transformers: A Vingança dos Derrotados”, até agora a maior bilheteria do ano (e dificilmente será batido). A verdade é que a expectativa era das piores, já que, em algumas exibições de teste junto ao público este não demonstrou empolgação. Os trailers, por sua vez, também não prometiam nada de excepcional e a impressão geral só piorou depois que a Paramount cancelou as cabines para a imprensa americana, normalmente um péssimo indicativo que demonstra a dúvida que o estúdio possui com relação à qualidade do seu produto. Entretanto, diante da fraquíssima safra dos blockbusters em 2009, até que esse “G.I. Joe” não se sai de forma tão horripilante. Apesar da trama acéfala, tem boas sequências de ação. Aliás, ação é o que não falta no filme. Explicando melhor ainda: ação é praticamente tudo que o filme tem a mostrar. Mas é bom lembrar: nem por isso o longa deixa de ser tosco. Ele apenas consegue ser divertidamente ruim.

Isso porque existe quase que apensas um fiapo de roteiro pensado para mostrar as cenas de ação, além das curvas das belas Sienna Miller e Rachel Nichols. A precariedade das ideias é tamanha que os roteiristas Stuart Beattie, David Elliot e Paul Lovett conseguiram até misturar elementos do clássico “O Homem da Máscara de Ferro” com outros que lembram “20.000 Léguas Submarinas” (ou seria Aquaman? Ou, ainda, os quadrinhos do Príncipe Namor? Bem, tanto faz...). Entretanto, até soou boa a iniciativa de mostrar o passado de motivações de quase todos os personagens da trama, muito embora isso seja feito de forma absolutamente sofrível. Só para se ter uma noção da falta de noção das tramas elaboradas, o personagem de Snake Eyes (lembram daquele boneco de máscara e corpo inteiramente negros? Pronto, é ele) não fala absolutamente nada no longa inteiro porque no passado seu mestre ninja (ou sei lá o que) foi assassinado por um garoto que rivalizava as suas atenções com o próprio Snake. Clichê mais batido impossível e, pior ainda, desenvolvido de forma horrorosa, com diálogos pífios.

Diálogos tenebrosos, é bom ressaltar, estão impregnados em toda narrativa, com um elenco que não ajuda muito (à exceção de Dennis Quaid e Sienna, todo o restante do elenco é bem classe B). Scarllet (personagem da bela Rachel Nichols, já mencionada acima) é dona das maiores pérolas do filme. Coisas como “meu pai me ensinou a nunca perder” servem pra mostrar o porquê de seu estilo power fêmea, além de outras pérolas como “não devemos nos deixar dominar pelas emoções”. A Ana Baronesa da Sienna Miller sofre menos com as falas, mas isso também não quer dizer que haja muita inteligência em suas palavras. Pelo menos, Sienna tem muita presença de tela e deve ter sido alertada para não ficar com a boca sempre entreaberta, elemento mais marcante das interpretações de Megan Fox em “Transformers”. A tal baronesa funciona também como catalisadora da testosterona de quase todo o elenco masculino da produção. O único que não tem os quatro pneus arriados por ela é o personagem de Ripcord (personagem do pseudo-comediante Marlon Wayans), o qual é afim da Scarlett.

Mas o longa consegue se salvar quando passa das palavras para a ação. O diretor Stephen Sommers já tinha demonstrado esse talento no primeiro episódio de “A Múmia” (sem querer comparar os dois filmes, já que “A Múmia” é bem melhor) e aqui deixa claro mais uma vez que pelo menos do lado aventureiro ele consegue dar conta do recado. Algumas sequências são mesmo empolgantes, principalmente a da perseguição nas ruas de Paris, que culmina com a queda da Torre Eiffel (já que perderam as torres gêmeas, os americanos agora resolveram colocar abaixo as torres dos outros), embora nem todos os efeitos especiais sejam convincentes. O CGI é pesado em algumas cenas. Contudo, isso também não é novidade nos filmes de Sommers (na série “A Múmia” os efeitos também se fazem sentir em certos momentos).

Ou seja, vá assistir se você não estiver com vontade de pensar e quiser curtir uma história que poderia ser elaborada por você mesmo e seus amigos lá nos seus 8 ou 9 anos, quando imaginava as aventuras dos seus bonecos dos Comandos em Ação (ou do Falcon). Por sinal, talvez seja este mesmo os espírito do longa: uma grande brincadeira para garotos de 8 ou 9 anos passarem o tempo. Se conseguir convencer sua namorada a assistir “G.I. Joe” (já que, se você que está lendo essa resenha for mulher, dificilmente vai querer assistir a esta produção de livre espontânea vontade), parabéns e divirta-se depois de desligar o botão da racionalidade no seu cérebro e deixar aceso apenas o do apreço por cenas de ação e curvas femininas. É só.

Classificação: * * 1/2(duas estrelas e meia)
Nota: 5,0.

Obs: O filme estreou em primeiro lugar neste fim de semana nos EUA e no mundo, com mais de 100 milhões de dólares já arrecadados, uma das maiores estreias para o mês de agosto. Ainda vamos ter que aturar a Hasbro por um bom tempo, ao que tudo indica...

Obs 2: Optei por colocar esse pôster com a Rachel Nichols em destaque para, de repente, gerar uma aumento no número de acessos ao blog. Afinal, as fotos da Megan Fox geraram bons frutos...

"Nowhere Boy" já tem pré-estreia definida

"Nowhere Boy", a cinebiografia de John Lennon, terá sua pré-estreia no Festival de Cinema de Londres, que acontece em outubro próximo. Como já noticiado neste blog anteriormente, o intérprete de John será Aaron Johnson e o longa será focado na adolescência do grande ídolo pop, mostrando sua relação com sua mãe Julia e sua tia Mimi, além de seu encontro e amizade com Paul McCartney. A estreia oficial está prevista para o dia de Natal no Reino Unido, mas ainda não tem data confirmada na Terra Brasilis. Mais notícias, postarei aqui!

Save Hughes!

É bastante provável que você já tenha assistido a um filme de John Hughes. Ou será que nunca viu "Clube dos Cinco", "Gatinhas e Gatões" e "A Garota de Rosa Shoking"? Nenhum deles? Então repito a perguta exemplificando com o seu mais emblemático filme: nunca viu "Curtindo a Vida Adoidado"? Ahááá!!!

Pois bem, hoje faleceu o diretor, roteirista e produtor John Hughes, o rei das comédias adolescentes dos anos 80. Ele estava com 59 anos e sofreu um enfarte em Nova York, durante uma caminhada, deixando esposa, dois filhos e quatro netos. Quem viveu os anos 80 com certeza terá sempre um lugarzinho guardado na memória para suas produções. Afinal, quem, pelo menos uma vez na vida, não quis ser o próprio Ferris Bueller?

Save Ferris! Save Hughes!

Dica para uma reflexão

Uma pausa no cinema. Esta semana, ao ver a capa de uma certa revista semanal, me deparei com a imagem do campeão César Ciello e os dizeres: "O herói de verdade". Imediatamente comecei a refletir sobre aquilo, mas Leonardo Sakamoto traduziu tão bem o que me passou pela mente que deixo aqui o link do seu texto sobre o tema. Não que eu esteja querendo desmerecer o feito do nosso grande nadador, mas acredito que há muitos outros heróis de verdade por aí que são esquecidos pela grande mídia e estão longe de se tornarem capas de revista.

Trilha Sonora #6

Ainda no embalo dos 40 anos da chegada do homem à Lua, segue abaixo a arrepiante e inesquecível "Assim Falava Zaratustra", de Richard Strauss. Impressionante que, mesmo depois de ser exaustivamente executada, fazendo parte até de comerciais de TV, ela mantém a sua força. Interressante também como muitas vezes nem lembramos que ela não é um tema original do longa, tal a associação que fazemos com a obra-prima de Stanley Kubrick. Uma música inesquecível para um filme não menos memorável. Absoluto!

Obs. Tiraram o Mp3 Tube (ou Yeahplay!, como queiram) do ar! Que absurdo! Mas já vamos encontrando as alternativas!

A volta do Titanic

James Cameron anunciou, esta semana, que já começou a transposição do seu longa de 1997, "Titanic", para o formato 3D (a grande modinha da indústria cinematográfica no momento). Numa entrevista para a "Empire" ele afirmou:"Já produzimos um clipe de 90 segundos, ficou fenomenal. Será um projeto para 2010. Não terá filmagem nova, é só conversão". Se o projeto for levado a efeito em 2010, talvez possamos ver novamente o afundamento mais famoso de todos os tempos de volta às telonas em 2011 ou ainda 2012, ano em que a produção fará seu aniversário de debutante. Vamos ver no que vai dar. Desde já, vou logo opinando: não sei se seria uma boa. O filme já padeceu da ultraexposição e muita gente se tornou antipática à obra devido a isso (injustamente, diga-se de passagem). Será que ainda precisa ser mais exposto?

Obs. De quebra, esse post acabou se transformando em mais uma edição da série "Eu Quero Esse Pôster". ;=)

Festival de Veneza 2009 - Selecionados

Foi divulgada hoje a lista de filmes selecionados para a 66ª edição do Festival de Cinema de Veneza, o mais antigo do mundo. Entre eles, há dois longas brasileiros, sendo um ficção e outro documentário. O primeiro é "Insolação", longa de Daniela Thomas e Felipe Hirsch, que mostra as dificuldades de se viver em uma grande metrópole, no caso a capital federal, a abstrata Brasília. O elenco conta com Paulo José, Simone Spoladore e Leonardo Medeiros. Já o documentário tem o belo título de "Viajo Porque Preciso, Volto Porque Te Amo", de Marcelo Gomes e Karïm Aïnouz (este último, diretor de "Madame Satã"). Ambos serão exibidos na mostra "Horizontes" e não disputam o Leão de Ouro, prêmio principal do Festival.

(Cena de "Insolação")

Os principais destaques desta edição do evento são a nova provocação de Michael Moore, "Capitalism: A Love Story", documentário sobre a atual crise econômica global, e a mais nova produção dirigida por Werner Herzog: "Bad Lieutenant: Port of Call New Orleans", que tem no elenco Nicolas Cage e Val Kilmer. Louvável a inclusão neste ano do mais novo longa de George A. Romero (o famoso criador do gênero zumbi), "Survival Of The Dead". Aliás, parece que Veneza anda tendo uma queda por longas de terror com toques de filme "B". Basta lembrar que "Encarnação do Demônio", do nosso Zé do Caixão, foi exibido por lá ano passado. O filme que abrirá o festival será "Baaria", de Giuseppe Tornatore, o adorado diretor de "Cinema Paradiso", e o júri este ano será comandado por Ang Lee.

Também haverá um prêmio especial pelo conjunto da obra para John Lasseter, o cerébro responsável pela Pixar Animation Studios, provavelmente o estúdio com o status de qualidade mais significativo do cinema atual. Segundo palavras do diretor do festival, Marco Müeller (um confesso fã de animações), Lasseter é "um dos grandes inovadores e experimentadores de Hollywood.” Concordo plenamente.

Segue abaixo a lista dos filmes selecionados para este ano de 2009 (atenção ainda para os longas de Steven Soderbergh e Oliver Stone, fora de competição). O país com maior número de produções é a Itália (22) e, logo em seguida, os EUA (17). O Festival vai de 02 a 12 de setembro.


Mostra competitiva

"Baaria", de Giuseppe Tornatore (Itália)
"Soul Kitchen", de Fatih Akin (Alemanha)
"La Doppia Ora", de Giuseppe Capotondi (Itália)
"Accident", de Cheang Pou-Soi (China/ Hong Kong)
"Persecution", de Patrice Chereau (França)
"Lo Spazio Bianco", de Françasca Comencini (Itália)
"White Material", de Claire Denis (França)
"Mr. Nobody", de Jaco van Dormael (França)
"A Single Man", de Tom Ford (EUA)
"Lourdes", de Jessica Hausner (Áustria)
"Bad Lieutenant: Port of Call New Orleans", de Werner Herzog (EUA)
"The Road", de John Hillcoat (EUA)
"Between Two Worlds", de Vimukthi Jayasundara (Sri Lanka)
"The Traveller", de Ahmed Maher (Egito)
"Lebanon", de Samuel Maoz (Israel)
"Capitalism: A Love Story", de Michael Moore (EUA)
"Women Without Men", de Shirin Neshat (Alemanha)
"Il Grande Sogno", de Michele Placido (Itália)
"36 vues du Pic Saint Loup", de Jacques Rivette (França)
"Survival of the Dead", de George Romero (EUA)
"Life During Wartime", de Todd Solondz (EUA)
"Tetsuo The Bullet Man", de Shinya Tsukamoto (Japão)
"Prince of Tears", de Yonfan (Hong Kong)


Fora de competição

"REC 2", de Jaume Balaguero, Paco Plaza (Espanha)
"Chengdu, I Love You", de Fruit Chan, Cui Jian (China)
"The Hole", de Joe Dante (EUA)
"The Men Who Stare at Goats", de Grant Heslov (EUA)
"Scheherazade, Tell Me a Story", de Yousry Nasrallah (Egito)
"Yona Yona Penguin", de Rintaro (Japão)
"The Informant!", de Steven Soderbergh (EUA)
"Napoli Napoli Napoli", de Abel Ferrara (Itália)
"Anni Luce", de Françasco Maselli (Itália)
"L'oro di Cuba", de Giuliano Montaldo (Itália)
"Prove per una tragedia siciliana", de John Turturro, Roman Paska (Itália)
"South of the Border", de Oliver Stone (EUA)


Mostra Horizontes

"Françasca", de Bobby Paunescu (Romênia)
"One-Zero", de Kamla Abou Zekri (Egito)
"Buried Secrets", de Raja Amari (Tunísia)
"Tender Parasites", de Christian Becker e Oliver Schwabe (Alemanha)
"Adrift", de Bui Thac Chuyen (Vietnã)
"Crush", de Petr Buslov e outros (Rússia)
"Repo Chick", de Alex Cox (EUA)
"Engkwentro", de Pepe Diokno (Filipinas)
"The Man's Woman and Other Stories", de Amit Dutta (Índia)
"Paraiso", de Hector Galvez (Peru)
"Io sono l'amore", de Luca Guadagnino (Itália)
"Cow", de Guan Hu (China)
"Judge", de Liu Jie (China)
"Pepperminta", de Pipilotti Rist (Suíça)
"Tris di donne e abiti nunziali", de Martina Gedeck (Itália)
"Insolação", de Daniela Thomas e Felipe Hirsch (Brasil)
"1428", de Du Haibin (China)
"Viajo Porque Preciso, Volto Porque Te Amo", de Marcelo Gomes e Karim Ainouz (Brasil)
"Once Upon A Time Proletarian: 12 Tales of a Country", de Guo Xiaolu (China)
"Villalobos", de Romuald Karmakar (Alemanha)
"Il colore delle parole", de Marco Simon Puccioni (Itália)
"The One All Alone", de Frank Scheffer (Holanda)
"Toto", de Peter Schreiner (Áustria)

Musas do Escurinho #7

Sandra Bullock está nas telas com a comédia romântica "A Proposta" e, aos 45 anos, ela continua mexendo com a cabeça de muito marmanjo por aí...

Inimigos Públicos

Michael Mann Pop

Michael Mann é um dos diretores americanos mais reverenciados pela crítica na atualidade. Infelizmente, apenas pela crítica. Responsável por vários filmes excelentes nos últimos anos, como “Colateral” e “Miami Vice”, suas obras, entretanto, não costumam ser sucessos de bilheteria e também não rendem prêmios ou mesmo indicações ao Oscar. Entretanto, talvez este quadro mude com “Inimigos Públicos”, seu mais recente projeto, e não apenas por seu elenco, que reúne os astros Johnny Depp, Christian Bale e a vencedora do Oscar Marion Cotillard, como também pelo fato de Mann, aparentemente, ter encontrado a fórmula para agradar à platéia (e possivelmente à Academia) sem perder as suas características.

Da mesma forma que em alguns de seus outros trabalhos, Mann estabelece o conflito entre dois homens que se assemelham em suas personalidades e necessidades, mas que se encontram em lados opostos. Foi assim em “Fogo Contra Fogo”, produção que reuniu as lendas Robert De Niro e Al Pacino, e também em “Colateral”, com Tom Cruise e Jamie Foxx. Contudo, desta feita inseriu uma carga maior de sentimento aos seus personagens. Ou, talvez, o termo “maior” não seja o mais correto, sendo melhor definir como mais explícito. Isso porque as personas dos tipos comumente mostrados em seus longas costumam ser bastante introspectivas, o que visualmente resulta em rostos fechados e pensativos, que pouco expressam as emoções da forma como o público está mais habituado. O que também não significa que ele tenha abraçado o melodrama, as emoções fáceis.

A trama narra, de forma romanceada, os últimos eventos da vida de John Dillinger (vivido por Johnny Depp), famoso assaltante de bancos dos EUA nos anos 30, época em que também estava sendo criado o famoso Federal Bureau Of Investigation, mais lembrado pela sigla FBI, cujo agente Michael Purvis (Christian Bale) torna-se o cão perdigueiro na cola do fora-da-lei. Dillinger desfrutava de grande empatia com a população, pois que se recusava a roubar o dinheiro daqueles que estavam nos bancos no momento do assalto, levando apenas o numerário dos banqueiros, acusados de serem os responsáveis pela crise econômica então reinante (não é mera coincidência que também o sejam hoje). São novos tempos, nos quais o crime está se tornando cada vez mais organizado e complexo, tornando ultrapassados bandidos como Dillinger (e também seus métodos), o qual está tentando se adequar às novas táticas criminosas. O seu opositor Purvis também procura se adaptar ao perceber que seus velhos métodos são insuficientes para capturar criminosos do porte de Dillinger ou Baby Face. Ademais, ambos vivem o conflito entre suas atitudes e seu lado mais humano, nem sempre condizente com seus objetivos.

A mencionada dialética entre o antigo e o novo também encontra eco na forma como Mann nos apresenta os acontecimentos. É sabido que o diretor foi um dos primeiros a abraçar a técnica digital de filmagem, abandonando a película. Isso tem resultado em experiências visuais peculiares ao assistirmos suas obras. E, desta vez, a experiência se torna ainda mais curiosa por se tratar de um filme de época. Assim, temos o velho filmado com o novo, uma mistura extremamente bem-vinda, com resultados surpreendentes (e sempre belos). A sequência do tiroteio em um bosque, por exemplo, com o fogo das armas iluminando as cenas, é de tirar o chapéu. O equilíbrio antigo-moderno também é demonstrado pelo ritmo acelerado do roteiro (escrito a seis mãos por Ann Biderman, Ronan Bennet e o próprio Mann), em que os fatos se sucedem sem muito intervalo para respirar (como era comum nos outros filmes do diretor), numa ação contínua, quase ininterrupta.

E é justamente esse um dos pontos que fazem desse novo Michael Mann um produto de mais fácil degustação pelas massas. Muitos poderão ver o filme como um ótimo longa de ação (muito embora esteja bem longe de ser apenas isso) e mesmo o público feminino poderá sair recompensado através do romance entre Dillinger e Billie (Marion Cottilard, num momento em que mostra que está longe de ser feiosinha como Edith Piaf), provavelmente a relação amorosa mais interessante e convincente de toda a obra de Mann. A cena final da projeção (que não vou contar aqui para não estragar) é cortante, bela e emocional como poucas filmadas pelo diretor. Realmente memorável e não duvido que mesmo os corações mais durões poderão deixar a sala de cinema dizendo que entrou um cisco no olho. Mas é bom também lembrar que, talvez mais raro do que cenas de apelo emocional, seja a presença do humor em um longa do cineasta. Em “Inimigos Públicos” ele existe e de maneira inesperadamente eficiente (além de perfeitamente adequada ao clima e à temática da obra). E os elementos de caráter pop não param por aí. A trilha sonora é um exemplo disso, mostrando-se envolvente e certeira, com a inclusão até de uma interpretação de Diana Krall (que, inclusive, faz uma ponta como a cantora do restaurante onde Dillinger e Billie se conhecem), além de referências ao próprio cinema (como o filme com o Clark Gable a que Dillinger assiste).

E o sucesso da empreitada se mostra ainda mais completo ao percebermos o comprometimento do elenco nesse trabalho. Ninguém parece estar no piloto automático, mas quem se destaca é mesmo Depp com seu talento e carisma marcantes, além de Cottilard (quando você assistir à tal cena final, vai entender ainda melhor o porquê do meu elogio a ela).

Ao deixar a sala de projeção, percebi que estava surgindo um novo Michael Mann, mais moderno, ágil, popular, mas sem que, com isso, tenha deixado de existir o antigo Mann, aquele que procura perscrutar as entranhas dos personagens e assim entender suas ações, além de suas contradições. Muito embora possa ser acusado de mostrar o crime, mais uma vez, de forma glamurizada (o que é latente no estilo “cool” encarnado por Depp, embora eu acredite que esse tipo de acusação já esteja muito demodé), trata-se de uma obra de peso, belissimamente filmada, com uma edição primorosa e um impacto somente comparável, na carreira do cineasta, ao seu brilhante “Miami Vice”. É sempre ótimo quando vemos um artista que consegue se reinventar sem perder sua essência. E é desta forma que os grandes talentos se fazem notar.

Cotação: * * * * * (cinco estrelas)
Nota: 10,0.