No último domingo, 11 de julho, o Cinema Com Pimenta completou 2 anos e, por motivos de ordem pessoal (não foi apenas a Copa do Mundo, hehhehehe!), acabei deixando a data passar em branco. Minha pretensão era escrever um texto sobre "... E o Vento Levou", um dos meus filmes favoritos (está entre os 5 mais na minha lista). Entretanto, além do tempo que foi escasso, tenho grande dificuldade em escrever sobre estes filmes "maiores do que a vida". Talvez porque muito já tenha sido dito sobre os mesmos e fica aquele receio de cair no lugar-comum. Contudo, estava vasculhando a net e acabei encontrando esta matéria exibida na Bandnews quando do aniversário de 70 anos do longa. Creio que ela resume muito bem a importância e a razão de, depois de tanto tempo, "... E O Vento Levou" continuar fascinando multidões. Abaixo, como uma forma de lembrar e agradecer a todos pelos dois anos do blog, segue a matéria. Espero que todos aqueles que gostam do Cinema Com Pimenta, e também aqueles que não gostam tanto assim, continuem visitando este espaço, que foi criado devido à minha paixão pela sétima arte, desafiando os contratempos do dia a dia para continuar de pé. Um grande abraço e muito obrigado!
sábado, 17 de julho de 2010
quinta-feira, 15 de julho de 2010
"O Beijo da Mulher Aranha": obra de arte à venda
A versão restaurada de "O Beijo da Mulher Aranha" foi exibida agora há pouco na abertura do 3º Festival Paulínia de Cinema. Considero "O Beijo..." como o grande filme de Hector Babenco (quem diria que, anos depois, ele faria bobagens como "Carandiru"). Estrelado por William Hurt, Raul Julia e Sonia Braga (que trabalharam em troca de percentuais na arrecadação), o longa já completou 25 anos e venceu diversas premiações internacionais – incluindo os prêmios Oscar, BAFTA e Cannes de Melhor Ator para William Hurt (que está realmente soberbo). O "Beijo da Mulher Aranha" foi o único representante da América Latina na mostra Cannes Classics, realizada durante o Festival de Cannes 2010.
Interessante que este será o primeiro filme a ser vendido como obra/objeto de arte. Ideia inédita no mundo até hoje, contando com a anuência de todos os produtores e envolvidos, os direitos do filme serão vendidos, inclusive de refilmagem, para aqueles que apresentarem a melhor oferta, seja um estúdio, uma pessoa, um museu, ou qualquer outro que se comprometa a proteger, divulgar e preservar o longa e seu material. Embora a iniciativa seja inovadora, não deixa de ser um risco. Vamos torcer para que não caia em mãos erradas...
Interessante que este será o primeiro filme a ser vendido como obra/objeto de arte. Ideia inédita no mundo até hoje, contando com a anuência de todos os produtores e envolvidos, os direitos do filme serão vendidos, inclusive de refilmagem, para aqueles que apresentarem a melhor oferta, seja um estúdio, uma pessoa, um museu, ou qualquer outro que se comprometa a proteger, divulgar e preservar o longa e seu material. Embora a iniciativa seja inovadora, não deixa de ser um risco. Vamos torcer para que não caia em mãos erradas...
terça-feira, 13 de julho de 2010
Shrek Para Sempre
Síndrome de Toy Story
Em 2001, a Dreamworks criava uma nova fórmula para as animações. Dirigido por Andrew Adamson e Vicky Jenson, “Shrek” era uma divertidíssima e inteligente paródia do gênero do conto de fadas, criando um universo todo especial com aqueles personagens conhecidos de todos, como a princesa presa na torre, Pinóquio, o burro falante, além de outras figuras presentes em tais estórias. Tudo se tornava ainda mais interessante e divertido com a sacada do protagonista: um ogro mau-humorado que fazia as vezes do príncipe encantado, salvando a princesa da torre onde estava confinada. O longa foi um sucesso gigantesco de público e crítica e, inevitavelmente, gerou mais duas continuações - com um ótimo segundo episódio e uma fraca terceira parte. E eis que surge agora um quarto episódio da franquia (que prometem ser o último). Eu mesmo fui ao cinema não acreditando muito no que veria, esperando o mais do mesmo em que já tinha se transformado a série. Contudo, tive uma boa surpresa.
Não que “Shrek Para Sempre” (dirigido por Mike Mitchell, que saiu dos filmes live action para as animações) tenha aquela centelha de brilhantismo do início da série, mas com certeza conseguiu recuperar uma boa parte do seu humor afiado. Várias foram as seqüências que me arrancaram risadas e, de fato, a premissa é interessante. O roteiro, de Josh Klausner e Darren Lemke, mostra o nosso conhecido ogro na sua feliz vida em família no reino de Tão Tão Distante, com sua amada Fiona e os rebentos ogrinhos. O problema é que Shrek está tendo dificuldades de se adaptar à rotina de pai de família, sentindo uma enorme falta de seu tempo de ogro mau-comportado. No dia do primeiro aniversário de seus filhos, Shrek se descontrola e fala besteira para Fiona. O maior problema, contudo, é que o duende trapaceiro Rumpelstiltskin vê o ocorrido e traça um plano ardiloso: ele faz uma proposta “vantajosa”, pela qual Shrek voltará a ser o ogro de outros tempos durante 24 horas. Em troca, Rumpelstiltskin terá o direito de apagar um dia da vida do Shrek. E esse dia acaba sendo justamente o do nascimento do ogro. Ou seja, depois das 24h, Shrek se vê em um mundo em que ele nunca existiu.
Acredito que qualquer semelhança com o clássico “A Felicidade Não Se Compra” não é mera coincidência. Há muitos pontos de identidade com o filme de Frank Capra, restando clara a fonte de onde beberam os roteiristas. Afinal, Shrek vê as consequências do simples fato de nunca ter existido e, tal como na citada obra-prima, elas não são nada positivas. A diferença é que, em vez de um anjo temos Rumpelstiltskin como responsável por essa viagem a um mundo alternativo, além de, obviamente, termos um texto recheado de humor, desta vez muitíssimo eficiente. Diz o ditado que piada velha não tem graça, mas é interessante como algumas tiradas da série, principalmente envolvendo o Burro e o Gato de Botas, ainda se mostram muito eficientes. Ademais, a trama aventureira se resolve muito bem. Alguns críticos têm apontado a ideia dos mundos alternativos como confusa demais para crianças, o que não é verdade. Eu mesmo, quando garoto, lia as HQs da DC Comics, com toda a sua profusão de dimensões paralelas, sem muita dificuldade. Não vejo porque agora, quando as crianças estão ainda mais espertas que em outros tempos, isso seria um problema.
Talvez o grande problema deste “Shrek Para Sempre” seja o fato de ser lançado nos cinemas logo após “Toy Story 3”, uma espécie de obra-prima definitiva da Pixar. Quando comparamos as duas animações, vemos que “Shrek”, por maior que seja sua eficiência no quesito diversão, fica pálido e comum diante de mais este triunfo dos estúdios Pixar (pra mim, até o momento, o melhor filme do ano). Entretanto, acho que a comparação é válida entre todos os filmes de ambos os estúdios. Parece que todos os filmes da Dreamworks se conformam em apenas trazer algumas horas de entretenimento para o grande público. Os longas da Pixar, por seu turno, sempre trazem um lado artístico mais trabalhado e capaz de emocionar a plateia, fugindo de apenas ministrar algumas doses de humor no dia do espectador, tornando-se, desta forma, memoráveis.
De qualquer forma, mesmo que vítima desta síndrome de Toy Story, “Shrek Para Sempre” vale a ida ao cinema, nem que seja para sair da sala falando “é divertido, mas Toy Story 3 é melhor”.
Obs. Não vi o filme em 3D, portanto não posso opinar sobre este aspecto técnico.
Cotação:
Nota: 8,0
Não que “Shrek Para Sempre” (dirigido por Mike Mitchell, que saiu dos filmes live action para as animações) tenha aquela centelha de brilhantismo do início da série, mas com certeza conseguiu recuperar uma boa parte do seu humor afiado. Várias foram as seqüências que me arrancaram risadas e, de fato, a premissa é interessante. O roteiro, de Josh Klausner e Darren Lemke, mostra o nosso conhecido ogro na sua feliz vida em família no reino de Tão Tão Distante, com sua amada Fiona e os rebentos ogrinhos. O problema é que Shrek está tendo dificuldades de se adaptar à rotina de pai de família, sentindo uma enorme falta de seu tempo de ogro mau-comportado. No dia do primeiro aniversário de seus filhos, Shrek se descontrola e fala besteira para Fiona. O maior problema, contudo, é que o duende trapaceiro Rumpelstiltskin vê o ocorrido e traça um plano ardiloso: ele faz uma proposta “vantajosa”, pela qual Shrek voltará a ser o ogro de outros tempos durante 24 horas. Em troca, Rumpelstiltskin terá o direito de apagar um dia da vida do Shrek. E esse dia acaba sendo justamente o do nascimento do ogro. Ou seja, depois das 24h, Shrek se vê em um mundo em que ele nunca existiu.
Acredito que qualquer semelhança com o clássico “A Felicidade Não Se Compra” não é mera coincidência. Há muitos pontos de identidade com o filme de Frank Capra, restando clara a fonte de onde beberam os roteiristas. Afinal, Shrek vê as consequências do simples fato de nunca ter existido e, tal como na citada obra-prima, elas não são nada positivas. A diferença é que, em vez de um anjo temos Rumpelstiltskin como responsável por essa viagem a um mundo alternativo, além de, obviamente, termos um texto recheado de humor, desta vez muitíssimo eficiente. Diz o ditado que piada velha não tem graça, mas é interessante como algumas tiradas da série, principalmente envolvendo o Burro e o Gato de Botas, ainda se mostram muito eficientes. Ademais, a trama aventureira se resolve muito bem. Alguns críticos têm apontado a ideia dos mundos alternativos como confusa demais para crianças, o que não é verdade. Eu mesmo, quando garoto, lia as HQs da DC Comics, com toda a sua profusão de dimensões paralelas, sem muita dificuldade. Não vejo porque agora, quando as crianças estão ainda mais espertas que em outros tempos, isso seria um problema.
Talvez o grande problema deste “Shrek Para Sempre” seja o fato de ser lançado nos cinemas logo após “Toy Story 3”, uma espécie de obra-prima definitiva da Pixar. Quando comparamos as duas animações, vemos que “Shrek”, por maior que seja sua eficiência no quesito diversão, fica pálido e comum diante de mais este triunfo dos estúdios Pixar (pra mim, até o momento, o melhor filme do ano). Entretanto, acho que a comparação é válida entre todos os filmes de ambos os estúdios. Parece que todos os filmes da Dreamworks se conformam em apenas trazer algumas horas de entretenimento para o grande público. Os longas da Pixar, por seu turno, sempre trazem um lado artístico mais trabalhado e capaz de emocionar a plateia, fugindo de apenas ministrar algumas doses de humor no dia do espectador, tornando-se, desta forma, memoráveis.
De qualquer forma, mesmo que vítima desta síndrome de Toy Story, “Shrek Para Sempre” vale a ida ao cinema, nem que seja para sair da sala falando “é divertido, mas Toy Story 3 é melhor”.
Obs. Não vi o filme em 3D, portanto não posso opinar sobre este aspecto técnico.
Cotação:
Nota: 8,0
segunda-feira, 12 de julho de 2010
A Copa acabou
Com a vitória da Espanha (e do Polvo Paul!), terminou a Copa do Mundo. Prometo a mim mesmo procurar atualizar este blog com mais frequência agora. Abraços!
quarta-feira, 7 de julho de 2010
Dica de livro
Eis um livro que deve pegar de jeito todos os cinéfilos. "O Clube do Filme" narra os dias em que o crítico de cinema David Gilmour (xará do guitarrista do Pink Floyd) se viu desempregado e com o seu problemático filho Jesse sem qualquer vontade de estudar. Como ambos estavam com muito tempo à disposição, o pai concorda que o filho deixe a escola, desde que ambos assitam a 3 filmes por semana (com escolhas feitas por David). Essa é a única educação que Jesse receberá.
Antes de tudo, o livro trata da difícil relação entre pais e filhos e de como muitas vezes eles habitam mundos completamente distintos. Entretanto, à parte esta relevante abordagem, é saborosa a apreciação da sequência de filmes assistidos pela dupla. Sempre ficamos curiosos para saber quais serão os próximos, além dos comentários sempre inteligentes de Gilmour sobre os mesmos. Ademais, é emocionante constatar como, de fato, assistir a um bom filme pode ajudar a estabelecer uma ponte entre pais e filhos, tornando possível a comunicação e as descobertas sobre o outro. Sensível e sempre interessante (a leitura flui embalada), acredito que todos aqueles que amam a 7ª arte irão apreciar a obra. Recomendadíssimo!
Antes de tudo, o livro trata da difícil relação entre pais e filhos e de como muitas vezes eles habitam mundos completamente distintos. Entretanto, à parte esta relevante abordagem, é saborosa a apreciação da sequência de filmes assistidos pela dupla. Sempre ficamos curiosos para saber quais serão os próximos, além dos comentários sempre inteligentes de Gilmour sobre os mesmos. Ademais, é emocionante constatar como, de fato, assistir a um bom filme pode ajudar a estabelecer uma ponte entre pais e filhos, tornando possível a comunicação e as descobertas sobre o outro. Sensível e sempre interessante (a leitura flui embalada), acredito que todos aqueles que amam a 7ª arte irão apreciar a obra. Recomendadíssimo!
segunda-feira, 5 de julho de 2010
Coco Antes de Chanel
Novela das 8
Um dos gêneros mais complicados para a arte cinematográfica, sem dúvida, é a biografia. Em verdade, o gênero já apresenta muitas complexidades na literatura devido ao fato notório de que é muito difícil sintetizar a vida de um ser humano em algumas páginas (mesmo que este “algumas” se transforme em centenas). E mais: procurar abordar todas as nuances da personalidade do biografado é algo praticamente impossível. Até porque somente cada indivíduo conhece realmente todos os meandros que habitam sua consciência, o que torna automaticamente toda tentativa de elucidá-la apenas uma cópia borrada da mesma. E, se na literatura a tarefa já não é das mais simples, quem dirá no cinema, onde a limitação de tempo gera ainda maiores obstáculos para que se atinja esse objetivo.
Para tornar a tarefa menos árdua, é comum que diretores e roteiristas optem por abordar apenas alguns ou mesmo apenas um dos vários aspetos que compõem a vida de um biografado. E a diretora Anne Fontaine, responsável por este “Coco Antes de Chanel”, não foge a este padrão. Afinal, ao longo dos 110 minutos de duração da película, praticamente só vemos a vida amorosa de Gabrielle Chanel, mais conhecida como “Coco”, a referência máxima de todos (as) os (as) estilistas que povoam o mundo da moda. Aliás, o próprio nome “Chanel” tornou-se sinônimo de moda e estilo. E talvez seja exatamente por isso que esta cinebiografia se torne tão frustrante. Quando imaginamos uma biografia de Coco Chanel logo nos vem à mente a figura de uma mulher forte, desafiando seu tempo e respectivas convenções. Claro que ela teve vida amorosa, mas não é por seus amores que nos interessamos. E este é o grande erro de Fontaine.
O roteiro (escrito pela própria diretora juntamente com Camille Fontaine) se arrasta contando as venturas e desventuras românticas de Coco (Audrey Tautou). Desde seu caso com Étienne Balsan (Benoît Poelvoorde), o qual serviu de pontapé para sua inserção na alta sociedade francesa, até seu outro romance com Boy Capel (Alessandro Nivola), que o filme dá entender ser uma espécie de “grande amor de sua vida”, um inglês sedutor de quem foi a “outra” durante muito tempo. E vamos assistindo a essa novela das 8 insossa, sendo que seu desenvolvimento profissional, suas inovações estilísticas, suas atitudes estranhas à sua época, são mostrados apenas circunstancialmente, meio que servindo tão somente, e estranhamente, de “pano de fundo” para os relacionamentos da protagonista. Ademais, alguns aspectos mais polêmicos da persona de Chanel são suavizados ou mesmo ignorados pelo longa, como sua ligação com o nazismo (que lhe rendeu o exílio e o ódio dos franceses). A Chanel que fica externada parece até mesmo uma marionete do destino ao afirmar que sempre soube que jamais casaria, meio que retirando essa circunstância do âmbito de sua vontade para atribuí-la àquela entidade abstrata (o que deve deixar muitas feministas de cabelos em pé).
Mesmo Audrey Tautou não parece especialmente interessante em sua interpretação. Falta alguma coisa, um brilho mais intenso, que torne o seu desempenho memorável. O que me faz lembrar imediatamente de Marion Cotillard e sua “Piaf”. Nesta não faltou intensidade, garra, vibração. Alguns podem afirmar que a personagem de Edith Piaf naturalmente dava margem a uma atuação mais intensa, pelo próprio fato de Piaf ser uma mulher bastante passional. Pode haver verdade nisso, mas também é verdade que se Chanel era uma pessoa tal como Tautou a representou, pode-se dizer que a mesma era uma mulher bem menos interessante do que se imagina.
Enfim, “Coco Antes de Chanel” resta bastante insatisfatório. Claro que tem uma perfeita reconstituição de época; figurinos (indicados ao Oscar) impecáveis (e tinha que ser mesmo, né?). Mas a excelência destes aspectos técnicos, dentro do cinema contemporâneo, nada mais é do que obrigatória. Ninguém mais vai ao cinema apenas para ver uma reconstituição caprichada ou uma boa trilha sonora (no caso, de Alexander Desplat). Ainda utilizando como comparação “Piaf – Um Hino ao Amor”, filme sobre outra grande mulher francesa, é interessante como o longa sobre a diva da música consegue emocionar e capturar a essência da personagem (mesmo que também seja omisso com relação a alguns aspectos mais polêmicos de sua vida), resultando em uma película diferenciada. Já este “Coco” consegue apenas igualar aquele tipo de dramaturgia que costumamos ver nas telenovelas. E telenovelas atuais, pois as velhas e ótimas telenovelas (parece que a rede dos Marinho esqueceu como fazê-las) estavam pelo menos um degrau acima desta pálida biografia.
Cotação:
Nota: 5,5
Para tornar a tarefa menos árdua, é comum que diretores e roteiristas optem por abordar apenas alguns ou mesmo apenas um dos vários aspetos que compõem a vida de um biografado. E a diretora Anne Fontaine, responsável por este “Coco Antes de Chanel”, não foge a este padrão. Afinal, ao longo dos 110 minutos de duração da película, praticamente só vemos a vida amorosa de Gabrielle Chanel, mais conhecida como “Coco”, a referência máxima de todos (as) os (as) estilistas que povoam o mundo da moda. Aliás, o próprio nome “Chanel” tornou-se sinônimo de moda e estilo. E talvez seja exatamente por isso que esta cinebiografia se torne tão frustrante. Quando imaginamos uma biografia de Coco Chanel logo nos vem à mente a figura de uma mulher forte, desafiando seu tempo e respectivas convenções. Claro que ela teve vida amorosa, mas não é por seus amores que nos interessamos. E este é o grande erro de Fontaine.
O roteiro (escrito pela própria diretora juntamente com Camille Fontaine) se arrasta contando as venturas e desventuras românticas de Coco (Audrey Tautou). Desde seu caso com Étienne Balsan (Benoît Poelvoorde), o qual serviu de pontapé para sua inserção na alta sociedade francesa, até seu outro romance com Boy Capel (Alessandro Nivola), que o filme dá entender ser uma espécie de “grande amor de sua vida”, um inglês sedutor de quem foi a “outra” durante muito tempo. E vamos assistindo a essa novela das 8 insossa, sendo que seu desenvolvimento profissional, suas inovações estilísticas, suas atitudes estranhas à sua época, são mostrados apenas circunstancialmente, meio que servindo tão somente, e estranhamente, de “pano de fundo” para os relacionamentos da protagonista. Ademais, alguns aspectos mais polêmicos da persona de Chanel são suavizados ou mesmo ignorados pelo longa, como sua ligação com o nazismo (que lhe rendeu o exílio e o ódio dos franceses). A Chanel que fica externada parece até mesmo uma marionete do destino ao afirmar que sempre soube que jamais casaria, meio que retirando essa circunstância do âmbito de sua vontade para atribuí-la àquela entidade abstrata (o que deve deixar muitas feministas de cabelos em pé).
Mesmo Audrey Tautou não parece especialmente interessante em sua interpretação. Falta alguma coisa, um brilho mais intenso, que torne o seu desempenho memorável. O que me faz lembrar imediatamente de Marion Cotillard e sua “Piaf”. Nesta não faltou intensidade, garra, vibração. Alguns podem afirmar que a personagem de Edith Piaf naturalmente dava margem a uma atuação mais intensa, pelo próprio fato de Piaf ser uma mulher bastante passional. Pode haver verdade nisso, mas também é verdade que se Chanel era uma pessoa tal como Tautou a representou, pode-se dizer que a mesma era uma mulher bem menos interessante do que se imagina.
Enfim, “Coco Antes de Chanel” resta bastante insatisfatório. Claro que tem uma perfeita reconstituição de época; figurinos (indicados ao Oscar) impecáveis (e tinha que ser mesmo, né?). Mas a excelência destes aspectos técnicos, dentro do cinema contemporâneo, nada mais é do que obrigatória. Ninguém mais vai ao cinema apenas para ver uma reconstituição caprichada ou uma boa trilha sonora (no caso, de Alexander Desplat). Ainda utilizando como comparação “Piaf – Um Hino ao Amor”, filme sobre outra grande mulher francesa, é interessante como o longa sobre a diva da música consegue emocionar e capturar a essência da personagem (mesmo que também seja omisso com relação a alguns aspectos mais polêmicos de sua vida), resultando em uma película diferenciada. Já este “Coco” consegue apenas igualar aquele tipo de dramaturgia que costumamos ver nas telenovelas. E telenovelas atuais, pois as velhas e ótimas telenovelas (parece que a rede dos Marinho esqueceu como fazê-las) estavam pelo menos um degrau acima desta pálida biografia.
Cotação:
Nota: 5,5
sexta-feira, 2 de julho de 2010
terça-feira, 29 de junho de 2010
Lembrando Katharine Hepburn
Hoje, 29 de junho, se completam 7 anos do falecimento de uma das maiores estrelas da história do cinema: Katharine Hepburn. Recordista de oscars, vencendo 4 ao todo, Hepburn foi eleita pela pela revista Entertainment Weekly como a "a" grande estrela da 7ª arte, deixando Audrey Hepburn em segundo (elas não eram parentes). Abaixo, em homenagem a esta grande atriz, você pode ver uma sequência de "Adivinhe Quem Vem Para o Jantar" (Guess Who's Coming To Dinner, 1967), divertida e inteligente comédia de costumes, onde dois professores universitários, interpretados por Hepburn e Spencer Tracy (o qual foi seu amante durante muitos anos e com quem fez parceria ao longo de 12 filmes), que se dizem liberais e anti-racistas, se surpreendem com a descoberta do namorado da filha, um rapaz negro (Sidney Poitier, ótimo). A atuação rendeu a Hepburn o segundo dos mecionados quatro prêmios da Academia. Se não viu, procure ver. Vale muito à pena!
domingo, 27 de junho de 2010
Até o Andy!
Matéria interessante exibida ontem no Jornal Hoje, da famigerada Rede Globo. Confira abaixo e veja que até Andy, o garoto dono dos bonecos da série "Toy Story", torce pela seleção brasileira! Em uma cena de "Toy Story 3" lá está ele com a camisa da seleção canarinho! Está na hora dos selecionados de Dunga mostrarem realmente a que vieram nesta competição! Pra frente, Brasil!
quinta-feira, 24 de junho de 2010
Oscar 2011 pode mudar de data
Previsto para ser realizada no dia 27/02/2011, a próxima cerimônia do Oscar pode ter esta data alterada. Está em discussão, nos bastidores da Academia, a possibilidade de mudança da cerimônia para o fim de janeiro, segundo informações do site "Deadline Hollywood".
Se a informação se confirmar, a premiação poderá acontecer apenas uma ou duas semanas após o Globo de Ouro. Ademais, a alteração pode forçar os estúdios a anteciparem seus lançamentos para serem elegíveis na competição. A notícia chegou poucas horas depois do anúncio de que os produtores Bruce Cohen e Don Mischer serão os responsáveisa pela organização das próximas cerimônias da Academia, substituindo Adam Shankman e Bill Mechanic.
Não sei se a cerimônia já ocorreu em janeiro em alguma outra oportunidade, mas, ao menos desde quando este blogueiro acompanha o Oscar, será a primeira oportunidade em que acontecerá no primeiro mês do ano. A conferir.
Se a informação se confirmar, a premiação poderá acontecer apenas uma ou duas semanas após o Globo de Ouro. Ademais, a alteração pode forçar os estúdios a anteciparem seus lançamentos para serem elegíveis na competição. A notícia chegou poucas horas depois do anúncio de que os produtores Bruce Cohen e Don Mischer serão os responsáveisa pela organização das próximas cerimônias da Academia, substituindo Adam Shankman e Bill Mechanic.
Não sei se a cerimônia já ocorreu em janeiro em alguma outra oportunidade, mas, ao menos desde quando este blogueiro acompanha o Oscar, será a primeira oportunidade em que acontecerá no primeiro mês do ano. A conferir.
segunda-feira, 21 de junho de 2010
Toy Story 3
Filmar como criançaO gênio Pablo Picasso é autor de uma frase célebre, afirmando que o grande objetivo de sua vida era o de “pintar como uma criança”. Ao assistir ao terceiro episódio da série “Toy Story” chego à conclusão que este deve ser o lema da Pixar Animation Studios, substituindo apenas o “pintar” por “filmar”. É impressionante como a equipe comandada por John Lasseter parece ter uma criatividade infinita, somente comparável à dos pequenos. E também é de cair o queixo a capacidade da Pixar em gerar emoções em uma película somente comparáveis àquelas que sentimos na “aurora da vida”.
Toda a estrutura de “Toy Story 3” lembra a de uma grande brincadeira. É como se a trama, de fato, tivesse sido elaborada por uma criança ao brincar com seus bonecos. A sequência inicial, a qual mostra uma fantasia do menino Andy com seus antigos brinquedos (os nossos velhos conhecidos Woody, o cowboy, e Buzz Lightyear, o astronauta) entre outros, é uma perfeita síntese do que será todo o filme. Ao mesmo tempo, o longa toca num tema muito caro para todos nós: o fim da infância, a chegada da idade adulta e a necessidade de crescer, por mais dolorido que seja esse processo. No roteiro, escrito por Michael Arndt (o mesmo de “Pequena Miss Sunshine”, outro filme ótimo), vemos que Andy já é uma rapaz de 17 anos, prestes a entrar na faculdade e que, por intimação de sua mãe, precisa dar um destino aos antigos brinquedos que enfeitam seu quarto. Há 3 opções: o lixo, o sótão ou doá-los para uma creche. Devido a alguns equívocos, a velha turma acaba na creche Sunnyside, ficando na ala das crianças menores, na faixa de 2 a 4 anos, que possuem aquela peculiar forma de brincar: despedaçando e babando os brinquedos. Quem pode salvá-los é Woody, o único que escapou desse trágico destino, mas que jamais abandonará seus amigos à própria sorte.
A verdade é que a narrativa se desenvolve da mesma maneira redonda a que a Pixar nos acostumou. E, na minha apreciação, talvez este seja o episódio em que o humor está mais afiado e bem encaixado. Nenhuma tirada soa gratuita ou deslocada e as referências ao próprio cinema, tão comuns nos longas do estúdio, além de menos óbvias, jamais se apresentam forçadas. É bom ressaltar que todos os longas da Pixar possuem diversos clichês. Mas também é importante dizer que sempre esses clichês aparecem reformulados. Afinal, todas as estórias já foram contadas. O que vai torná-las especiais é a forma de contá-las. E, neste aspecto, a Pixar parece se superar a cada novo longa de animação que estreia nos cinemas.
Este, inclusive, é o primeiro episódio da série em 3D. Mas vou logo alertando: vi em 2D, pois creio que a tecnologia 3D nada tem a acrescentar aos filmes, a não ser distração. E devo, assim, dizer que este novo “Toy Story” me tocou e impressionou muito mais do que outros longas a que assisti usando aqueles óculos desconfortáveis (inclua-se nessa lista o tão badalado “Avatar”). O que importa, primordialmente, é a trama que lhe envolve, as técnicas de direção usadas para potencializar a narrativa, a identificação que o filme pode alcançar com o espectador. E, pelo menos no cinema contemporâneo, não há qualquer outra equipe que atinja tanto sucesso nestes aspectos, de forma tão reiterada, quanto aquela comandada por Lasseter. Não importa se você assistirá ao longa em 2D ou 3D. Pode ter certeza que você se emocionará da mesma forma.
Falando em direção, Lee Unkrich não brinca em serviço. Ele mostra uma enorme competência, comandando uma trupe que constroi a trilha adequada, as tomadas engenhosas , a inserção de subtramas que tornam ainda mais dinâmica a narrativa.
Bem, diante de tantas trilogias por aí, devo dizer que esta possui em seu terceiro episódio o melhor de todos. E talvez isto seja inédito na história do cinema. Basta lembramos que mesmo a trilogia “O Poderoso Chefão” possui na terceira e última parte o seu elo mais fraco. Pois bem, a Pixar quebra este paradigma (quebrar paradigmas parece ser sua especialidade) e nos presenteia com um belíssimo filme capaz de fazer escorrer a lágrima no mais duro dos corações. E o mais interessante de tudo é que tais lágrimas provavelmente rolarão com maior abundância no rosto dos crescidos e não dos pequenos.
Ao final, deixando a sala de projeção, saímos com o forte desejo de que as mentes que fazem a Pixar continuem assim: sempre buscando filmar como crianças...
Cotação:
Nota: 10,0
Obs. Chegue cedo para conferir o curta “Dia e Noite”. Vale à pena!
Obs. 2. Mesmo que você não tenha conferido os outros dois episódios, poderá assistir a este terceiro sem o menor problema.
Toda a estrutura de “Toy Story 3” lembra a de uma grande brincadeira. É como se a trama, de fato, tivesse sido elaborada por uma criança ao brincar com seus bonecos. A sequência inicial, a qual mostra uma fantasia do menino Andy com seus antigos brinquedos (os nossos velhos conhecidos Woody, o cowboy, e Buzz Lightyear, o astronauta) entre outros, é uma perfeita síntese do que será todo o filme. Ao mesmo tempo, o longa toca num tema muito caro para todos nós: o fim da infância, a chegada da idade adulta e a necessidade de crescer, por mais dolorido que seja esse processo. No roteiro, escrito por Michael Arndt (o mesmo de “Pequena Miss Sunshine”, outro filme ótimo), vemos que Andy já é uma rapaz de 17 anos, prestes a entrar na faculdade e que, por intimação de sua mãe, precisa dar um destino aos antigos brinquedos que enfeitam seu quarto. Há 3 opções: o lixo, o sótão ou doá-los para uma creche. Devido a alguns equívocos, a velha turma acaba na creche Sunnyside, ficando na ala das crianças menores, na faixa de 2 a 4 anos, que possuem aquela peculiar forma de brincar: despedaçando e babando os brinquedos. Quem pode salvá-los é Woody, o único que escapou desse trágico destino, mas que jamais abandonará seus amigos à própria sorte.
A verdade é que a narrativa se desenvolve da mesma maneira redonda a que a Pixar nos acostumou. E, na minha apreciação, talvez este seja o episódio em que o humor está mais afiado e bem encaixado. Nenhuma tirada soa gratuita ou deslocada e as referências ao próprio cinema, tão comuns nos longas do estúdio, além de menos óbvias, jamais se apresentam forçadas. É bom ressaltar que todos os longas da Pixar possuem diversos clichês. Mas também é importante dizer que sempre esses clichês aparecem reformulados. Afinal, todas as estórias já foram contadas. O que vai torná-las especiais é a forma de contá-las. E, neste aspecto, a Pixar parece se superar a cada novo longa de animação que estreia nos cinemas.
Este, inclusive, é o primeiro episódio da série em 3D. Mas vou logo alertando: vi em 2D, pois creio que a tecnologia 3D nada tem a acrescentar aos filmes, a não ser distração. E devo, assim, dizer que este novo “Toy Story” me tocou e impressionou muito mais do que outros longas a que assisti usando aqueles óculos desconfortáveis (inclua-se nessa lista o tão badalado “Avatar”). O que importa, primordialmente, é a trama que lhe envolve, as técnicas de direção usadas para potencializar a narrativa, a identificação que o filme pode alcançar com o espectador. E, pelo menos no cinema contemporâneo, não há qualquer outra equipe que atinja tanto sucesso nestes aspectos, de forma tão reiterada, quanto aquela comandada por Lasseter. Não importa se você assistirá ao longa em 2D ou 3D. Pode ter certeza que você se emocionará da mesma forma.
Falando em direção, Lee Unkrich não brinca em serviço. Ele mostra uma enorme competência, comandando uma trupe que constroi a trilha adequada, as tomadas engenhosas , a inserção de subtramas que tornam ainda mais dinâmica a narrativa.
Bem, diante de tantas trilogias por aí, devo dizer que esta possui em seu terceiro episódio o melhor de todos. E talvez isto seja inédito na história do cinema. Basta lembramos que mesmo a trilogia “O Poderoso Chefão” possui na terceira e última parte o seu elo mais fraco. Pois bem, a Pixar quebra este paradigma (quebrar paradigmas parece ser sua especialidade) e nos presenteia com um belíssimo filme capaz de fazer escorrer a lágrima no mais duro dos corações. E o mais interessante de tudo é que tais lágrimas provavelmente rolarão com maior abundância no rosto dos crescidos e não dos pequenos.
Ao final, deixando a sala de projeção, saímos com o forte desejo de que as mentes que fazem a Pixar continuem assim: sempre buscando filmar como crianças...
Cotação:
Nota: 10,0
Obs. Chegue cedo para conferir o curta “Dia e Noite”. Vale à pena!
Obs. 2. Mesmo que você não tenha conferido os outros dois episódios, poderá assistir a este terceiro sem o menor problema.
sexta-feira, 18 de junho de 2010
"Uma coisa sem nome, essa coisa é o que somos"
Poucos obras literárias me impressionaram tanto quanto "Ensaio Sobre a Cegueira". Um livro de força ímpar, impactante e, ao mesmo tempo, de uma reflexão poderosa sobre a condição humana poucas vezes igualada. E hoje tivemos a notícia que seu genial autor, José Saramago, faleceu na ilha de Lanzarote. Em sua homenagem, segue abaixo um video com a reação de Saramago ao fim da sessão da adaptação da obra, realizada para o cinema pelo diretor Fernando Meirelles. Aliás, Meirelles foi muito feliz ao afirmar que, sem Saramago, "o mundo ficou mais burro e mais cego". Clique aqui para ler a resenha do Cinema Com Pimenta para "Ensaio Sobre a Cegueira" (o filme).
quarta-feira, 16 de junho de 2010
Copa do Mundo
Em plantão extraordinário, o Cinema Com Pimenta informa que o blog está padecendo de atualizações devido à realização da Copa do Mundo FIFA 2010. Afinal, este blogueiro, um grande admirador do esporte bretão, não pode deixar de lado um evento que só acontece a cada 4 anos. Na medida do possível, o espaço voltará a ser atualizado. Obrigado!
sábado, 12 de junho de 2010
Quero Ver Novamente # 4
"Diário de Uma Paixão" (The Notebok) é, provavelmente, um dos filmes mais subestimados de todos os tempos. Ele é desavergonhadamente meloso, mas extremamente eficiente nesse romantismo assumido. Prova disso é a cena abaixo, perfeitamente adequada para o dia dos namorados. Para curtir a dois! ;)
domingo, 6 de junho de 2010
Príncipe da Pérsia - As Areias do Tempo
Sessão da tarde
Dentro da atual crise de criatividade do cinema americano, uma das saídas encontradas pelos produtores tem sido a de adaptar games para o cinema. Até porque a indústria dos jogos eletrônicos já se tornou uma das mais importantes do mundo, com alguns de seus principais fabricantes alcançando dimensões ainda maiores que os grandes estúdios de cinema. Talvez não maiores que a Disney, que é um dos principais conglomerados do globo (até a ESPN pertence à Disney, caso você não saiba). Entretanto, não é por isso que ela vai ignorar a força deste novo ramo bilionário do entretenimento e do potencial de bilheteria que uma adaptação de um destes jogos possui, uma vez que muitos adeptos vão acabar deixando seu dinheiro nas salas de projeção para assistir a um filme baseado em seus games preferidos.
E é dentro desta perspectiva de negócios que é lançado mais este novo produto da Disney e do produtor Jerry Bruckheimer, os responsáveis pelo mega-sucesso da trilogia “Piratas do Caribe”, a qual, por sinal, foi baseada em um brinquedo do parque de diversões da Casa do Mickey. E “Príncipe da Pérsia – As Areias do Tempo” tem a nítida intenção de repetir o mesmo sucesso, possuindo, inclusive, uma premissa mais rica em mãos. “Príncipe da Pérsia” é um jogo inteligente, um dos primeiros games a ter uma trama mais desenvolvida e a exigir mais dos jogadores do que uma mera habilidade nos comandos do joystick (eu mesmo joguei algumas vezes, muito embora não fosse um fã do jogo). O resultado, contudo, não deve entusiasmar o público como o fez a série dos piratas.
Não que seja um filme ruim. É, inclusive, superior à média dos longas realizados até agora com base em games, normalmente fraquíssimos (vide os dois “Tomb Raiders”, que nem a presença de Angelina Jolie consegue salvar), a começar pela direção segura de Mike Newell, um diretor tarimbado, responsável por “Harry Potter e o Cálice de Fogol” e “O Amor Nos Tempos do Cólera”. Ele concebe ótimas cenas de ação, muito bem coreografadas, e que remetem de forma clara ao modo de ação do game, o que deve satisfazer os fãs. Também a fotografia se destaca, com belas tomadas do deserto (filmagens no Marrocos) e enquadramentos bem realizados. Entretanto, o roteiro (de Boaz Yakin, Doug Miro e Carlo Bernard) acaba comprometendo muito do longa. A trama começa até bem. Dastan (Jake Gyllenhaal) é o tal príncipe do título, que não possui sangue real, mas foi adotado pelo rei Sharman, da Pérsia, ainda criança. Ele e seus irmãos comandam a invasão persa ao vizinho reino de Alamut, o qual sofre a acusação de desenvolver armas perigosas em suas forjas e de estar planejando um ataque. Qualquer semelhança com a realidade do Oriente Médio atual não é mera coincidência. Trata-se de uma nítida crítica à política externa ianque, que já está inventando outra guerra contra o Irã. Afinal, a Disney não é boba e sabe que ganhar a simpatia do mercado internacional hoje é primordial, já que muito dos lucros agora vêm de fora do mercado USA. Na realidade, o que existe é uma adaga mística capaz de fazer aquele que a empunha voltar no tempo. Adaga esta que está sob a guarda da princesa de Alamut, Tamina (Gemma Arterton), e tal adaga é que é o verdadeiro McGuffin* do filme. Por outro lado, se a trama começa bem, ela acaba se perdendo em uma série de idas e vindas que muitas vezes confundem o espectador. Há a impressão que ficou um excesso de cenas ação em detrimento de algumas explicações necessárias, as quais são mostradas às carreiras.
Outro fator que contribui contra o sucesso do longa-metragem é o carisma. Afinal, “Piratas do Caribe” contava com a estrela Johnny Depp em sua inesquecível caracterização do capitão Jack Sparrow, um personagem que já faz parte da história do cinema. Não se pode negar que muito do sucesso da trilogia se deveu a Depp e o que percebemos neste “Príncipe da Pérsia” é justamente a ausência de um personagem que conquiste o espectador. Gyllenhaal até vai bem, mas não possui a mesma força e carisma. Gemma Arterton é muito bonita, mas não convence muito como atriz. E os coadjuvantes nem de longe têm a mesma competência do sucesso anterior da franquia Bruckheimer (Ben Kingsley está completamente apático como o tio Nizan).
Contudo, como dito acima, o filme não é ruim. Diverte, tem boas cenas de ação e belas tomadas, além de um romance bem encaixado entre Dastan e a princesa Tamina, mas a ausência de um roteiro redondo e de personagens mais carismáticos compromete o todo. Nos EUA, teve uma estreia abaixo das expectativas, mas é verdade que teve concorrência pesada. Vamos ver como vai se sair no mercado internacional. De qualquer forma, serve de alerta para os estúdios de que essa ideia de adaptar jogos para as telas talvez não tenha mesmo muito futuro. São duas linguagens diferentes que possivelmente não se conciliem. No mais, indico para quem estiver querendo ver uma boa “sessão da tarde”.
Cotação:
Nota: 7,0
* termo usado por Alfred Hitchcock que serve para designar um elemento responsável por movimentar e direcionar as ações dos personagens, mas que, na realidade, não tem grande relevância.
Obs. As cópias em português estão com legendas mal trabalhadas, muito rápidas e que terminam antes mesmo do personagem acabar de falar a frase.
E é dentro desta perspectiva de negócios que é lançado mais este novo produto da Disney e do produtor Jerry Bruckheimer, os responsáveis pelo mega-sucesso da trilogia “Piratas do Caribe”, a qual, por sinal, foi baseada em um brinquedo do parque de diversões da Casa do Mickey. E “Príncipe da Pérsia – As Areias do Tempo” tem a nítida intenção de repetir o mesmo sucesso, possuindo, inclusive, uma premissa mais rica em mãos. “Príncipe da Pérsia” é um jogo inteligente, um dos primeiros games a ter uma trama mais desenvolvida e a exigir mais dos jogadores do que uma mera habilidade nos comandos do joystick (eu mesmo joguei algumas vezes, muito embora não fosse um fã do jogo). O resultado, contudo, não deve entusiasmar o público como o fez a série dos piratas.
Não que seja um filme ruim. É, inclusive, superior à média dos longas realizados até agora com base em games, normalmente fraquíssimos (vide os dois “Tomb Raiders”, que nem a presença de Angelina Jolie consegue salvar), a começar pela direção segura de Mike Newell, um diretor tarimbado, responsável por “Harry Potter e o Cálice de Fogol” e “O Amor Nos Tempos do Cólera”. Ele concebe ótimas cenas de ação, muito bem coreografadas, e que remetem de forma clara ao modo de ação do game, o que deve satisfazer os fãs. Também a fotografia se destaca, com belas tomadas do deserto (filmagens no Marrocos) e enquadramentos bem realizados. Entretanto, o roteiro (de Boaz Yakin, Doug Miro e Carlo Bernard) acaba comprometendo muito do longa. A trama começa até bem. Dastan (Jake Gyllenhaal) é o tal príncipe do título, que não possui sangue real, mas foi adotado pelo rei Sharman, da Pérsia, ainda criança. Ele e seus irmãos comandam a invasão persa ao vizinho reino de Alamut, o qual sofre a acusação de desenvolver armas perigosas em suas forjas e de estar planejando um ataque. Qualquer semelhança com a realidade do Oriente Médio atual não é mera coincidência. Trata-se de uma nítida crítica à política externa ianque, que já está inventando outra guerra contra o Irã. Afinal, a Disney não é boba e sabe que ganhar a simpatia do mercado internacional hoje é primordial, já que muito dos lucros agora vêm de fora do mercado USA. Na realidade, o que existe é uma adaga mística capaz de fazer aquele que a empunha voltar no tempo. Adaga esta que está sob a guarda da princesa de Alamut, Tamina (Gemma Arterton), e tal adaga é que é o verdadeiro McGuffin* do filme. Por outro lado, se a trama começa bem, ela acaba se perdendo em uma série de idas e vindas que muitas vezes confundem o espectador. Há a impressão que ficou um excesso de cenas ação em detrimento de algumas explicações necessárias, as quais são mostradas às carreiras.
Outro fator que contribui contra o sucesso do longa-metragem é o carisma. Afinal, “Piratas do Caribe” contava com a estrela Johnny Depp em sua inesquecível caracterização do capitão Jack Sparrow, um personagem que já faz parte da história do cinema. Não se pode negar que muito do sucesso da trilogia se deveu a Depp e o que percebemos neste “Príncipe da Pérsia” é justamente a ausência de um personagem que conquiste o espectador. Gyllenhaal até vai bem, mas não possui a mesma força e carisma. Gemma Arterton é muito bonita, mas não convence muito como atriz. E os coadjuvantes nem de longe têm a mesma competência do sucesso anterior da franquia Bruckheimer (Ben Kingsley está completamente apático como o tio Nizan).
Contudo, como dito acima, o filme não é ruim. Diverte, tem boas cenas de ação e belas tomadas, além de um romance bem encaixado entre Dastan e a princesa Tamina, mas a ausência de um roteiro redondo e de personagens mais carismáticos compromete o todo. Nos EUA, teve uma estreia abaixo das expectativas, mas é verdade que teve concorrência pesada. Vamos ver como vai se sair no mercado internacional. De qualquer forma, serve de alerta para os estúdios de que essa ideia de adaptar jogos para as telas talvez não tenha mesmo muito futuro. São duas linguagens diferentes que possivelmente não se conciliem. No mais, indico para quem estiver querendo ver uma boa “sessão da tarde”.
Cotação:
Nota: 7,0
* termo usado por Alfred Hitchcock que serve para designar um elemento responsável por movimentar e direcionar as ações dos personagens, mas que, na realidade, não tem grande relevância.
Obs. As cópias em português estão com legendas mal trabalhadas, muito rápidas e que terminam antes mesmo do personagem acabar de falar a frase.
sexta-feira, 4 de junho de 2010
Filmes Para Ver Antes de Morrer
Aconteceu Naquela Noite
(It Happened One Night)
O Cravo e a Rosa
Frank Capra foi um dos primeiros diretores a conseguir o feito de colocar seu nome em destaque junto ao título do filme nos cartazes promocionais (ao lado de Alfred Hitchcock, o qual, por sua vez, teria o nome muitas vezes colocado com destaque ainda maior do que o título do longa-metragem). Capra foi um dos diretores mais queridos da Hollywood da década de 30, quando seus filmes, cheios de bom-humor e otimismo ofereciam alento para uma população que sofria duramente com uma enorme crise econômica. Dentro desta perspectiva cinematográfica, Capra se tornou um dos artífices do gênero comédia romântica, hoje já muito maltratado e exaurido por diretores e produtores medíocres. E, possivelmente, seu melhor trabalho dentro de tal gênero foi “Aconteceu Naquela Noite” (It Happened One Night), longa de 1934 que se tornou o primeiro a abocanhar os 5 prêmios principais da Academia de Hollywood: filme, diretor, roteiro, ator e atriz.
É importante frisar que, mesmo em gêneros distintos, como no drama e obra-prima “A Felicidade Não Se Compra” e nesta comédia, existe um ponto muito caro à obra de Frank Capra: a crença no caráter do homem-médio americano, a qual em “A Felicidade...” é representada à perfeição por James Stewart e seu George Bailey. Já neste “Aconteceu...”, o homem médio ianque é representado por Peter Warne, personagem do lendário Clark Gable, um jornalista que acaba de perder o emprego (como muitos da plateia dos cinemas naquela década), mas que, debaixo da couraça de durão, possui um coração solidário e romântico. Capra foi um diretor sempre preocupado com a caracterização dos personagens. Eles deviam parecer reais. As atitudes de seus protagonistas não raras vezes eram até reprováveis, mas sua essência era boa, sabendo reconhecer seus erros e procurando corrigi-los ao longo da trama. O mencionado personagem de Peter Warne não fugirá a essa regra.
Suas peripécias começam quando ele encontra, em uma viagem de ônibus, Ellie Andrews, filha de um milionário que está fugindo de casa por este ser contrário ao seu casamento com o playboy King Westley. Ellie quer chegar ao Nova York para alcançar seu objetivo, na realidade muito mais um capricho para contrariar o pai do que um ato de paixão. Óbvio que, deste encontro entre o jornalista proletário e a menina rica e mimada irá surgir uma relação entre tapas e beijos, com cada um procurando esconder os reais sentimentos que estão nutrindo pelo outro. A ideia é surrada, afinal já em Shakespeare, com “A Megera Domada”, temos uma trama em que homem e mulher que se odeiam acabam se amando depois. Mas, como se sabe, o que importa na arte não é se uma trama é reprisada, mas a forma como ela é contada. Afinal, não existe uma estória que já não tenha sido contada antes. O importante é narrá-la de forma competente. E não se pode duvidar que “Aconteceu Naquela Noite” atinge este objetivo.
O roteiro, escrito por Robert Riskin e Samule Hopkins Adams, é, por exigência do diretor, sempre atento aos pormenores, extremamente feliz no desenvolvimento dos personagens, bem como nos diálogos, espirituosos e dotados daquela guerra entre os gêneros que foi reduzida, no cinema atual, a bobagens de mau gosto que soam muito mais como sexismo (quando há, já que boa parte das comédias atualmente em cartaz nos cinemas resumem suas situações cômicas a imagens grosseiras de gosto extremamente duvidoso). E assim surgem diversas sequências que seriam muito imitadas na dramaturgia ao longo das décadas posteriores, como aquela em que Ellie exibe suas pernas para conseguir uma carona. Interessante que, mesmo tão repisadas, ditas cenas não perdem sua força no filme, que sempre se mostra orgânico e inteligente.
Claro que, para a fluidez do texto, seriam necessárias ótimas interpretações e é exatamente isso que vemos ao longo dos 105 minutos de duração do longa. Não só Gable está ótimo, como Claudette Colbert, uma atriz hoje pouco lembrada, mas muitíssimo talentosa, encontra-se excelente. A química entre os dois é perfeita, além da boa presença dos coadjuvantes. Walter Connolly, como o velho Andrews, e Roscoe Karns, como o vigarista Shapeley, dão um tempero especial à trajetória do casal rumo a Nova York.
E é assim, com a direção talentosa de Capra, um roteiro primoroso e atuações memoráveis que se fez este clássico que jamais perdeu o frescor. Um filme que consegue traduzir com bom-humor e através da imagem de um lençol que separa a dupla quando vai dormir (para que não se vejam trocando de roupa) a tênue linha que separa e atrai homens e mulheres. A guerra e o amor entre os sexos poucas vezes foram tão bem representados nas telas.
Cotação:
Nota: 10,0
É importante frisar que, mesmo em gêneros distintos, como no drama e obra-prima “A Felicidade Não Se Compra” e nesta comédia, existe um ponto muito caro à obra de Frank Capra: a crença no caráter do homem-médio americano, a qual em “A Felicidade...” é representada à perfeição por James Stewart e seu George Bailey. Já neste “Aconteceu...”, o homem médio ianque é representado por Peter Warne, personagem do lendário Clark Gable, um jornalista que acaba de perder o emprego (como muitos da plateia dos cinemas naquela década), mas que, debaixo da couraça de durão, possui um coração solidário e romântico. Capra foi um diretor sempre preocupado com a caracterização dos personagens. Eles deviam parecer reais. As atitudes de seus protagonistas não raras vezes eram até reprováveis, mas sua essência era boa, sabendo reconhecer seus erros e procurando corrigi-los ao longo da trama. O mencionado personagem de Peter Warne não fugirá a essa regra.
Suas peripécias começam quando ele encontra, em uma viagem de ônibus, Ellie Andrews, filha de um milionário que está fugindo de casa por este ser contrário ao seu casamento com o playboy King Westley. Ellie quer chegar ao Nova York para alcançar seu objetivo, na realidade muito mais um capricho para contrariar o pai do que um ato de paixão. Óbvio que, deste encontro entre o jornalista proletário e a menina rica e mimada irá surgir uma relação entre tapas e beijos, com cada um procurando esconder os reais sentimentos que estão nutrindo pelo outro. A ideia é surrada, afinal já em Shakespeare, com “A Megera Domada”, temos uma trama em que homem e mulher que se odeiam acabam se amando depois. Mas, como se sabe, o que importa na arte não é se uma trama é reprisada, mas a forma como ela é contada. Afinal, não existe uma estória que já não tenha sido contada antes. O importante é narrá-la de forma competente. E não se pode duvidar que “Aconteceu Naquela Noite” atinge este objetivo.
O roteiro, escrito por Robert Riskin e Samule Hopkins Adams, é, por exigência do diretor, sempre atento aos pormenores, extremamente feliz no desenvolvimento dos personagens, bem como nos diálogos, espirituosos e dotados daquela guerra entre os gêneros que foi reduzida, no cinema atual, a bobagens de mau gosto que soam muito mais como sexismo (quando há, já que boa parte das comédias atualmente em cartaz nos cinemas resumem suas situações cômicas a imagens grosseiras de gosto extremamente duvidoso). E assim surgem diversas sequências que seriam muito imitadas na dramaturgia ao longo das décadas posteriores, como aquela em que Ellie exibe suas pernas para conseguir uma carona. Interessante que, mesmo tão repisadas, ditas cenas não perdem sua força no filme, que sempre se mostra orgânico e inteligente.
Claro que, para a fluidez do texto, seriam necessárias ótimas interpretações e é exatamente isso que vemos ao longo dos 105 minutos de duração do longa. Não só Gable está ótimo, como Claudette Colbert, uma atriz hoje pouco lembrada, mas muitíssimo talentosa, encontra-se excelente. A química entre os dois é perfeita, além da boa presença dos coadjuvantes. Walter Connolly, como o velho Andrews, e Roscoe Karns, como o vigarista Shapeley, dão um tempero especial à trajetória do casal rumo a Nova York.
E é assim, com a direção talentosa de Capra, um roteiro primoroso e atuações memoráveis que se fez este clássico que jamais perdeu o frescor. Um filme que consegue traduzir com bom-humor e através da imagem de um lençol que separa a dupla quando vai dormir (para que não se vejam trocando de roupa) a tênue linha que separa e atrai homens e mulheres. A guerra e o amor entre os sexos poucas vezes foram tão bem representados nas telas.
Cotação:
Nota: 10,0
segunda-feira, 31 de maio de 2010
Quero Ver Novamente # 3
Em homenagem a Clint Eastwood, um dois maiores ícones da 7ª arte (e um dos meus diretores preferidos), que hoje completa 80 anos, segue abaixo a sequência do duelo final em "Três Homens em Conflito" (ou "O Bom, O Mau e O Feio"). De arrepiar! Sergio Leone junto com o Clint só poderia render algo fantástico mesmo! Sem mais comentários... Simplesmente veja! E que trilha é essa de Ennio Morricone? Caramba...
domingo, 30 de maio de 2010
Eu quero esse pôster # 7
Este é o mais fraco dos seis episódios da série "Guerra nas Estrelas". Contudo, esse poster é de uma eficácia impressionante. Cosengue resumir, em uma única imagem, toda a trama que vai se desenrolar dali em diante. Perfeito!
Dennis Hopper: 1936 - 2010
O ator americano Dennis Hopper, que se tornou ícone ao dirigir e estrelar o clássico de 1969 "Sem destino" ("Easy Rider"), morreu às 12h15m (horário de Brasília) deste sábado, em decorrência de um câncer de próstata. Hopper tinha 74 anos e faleceu em casa, em Los Angeles, cercado por familiares e amigos.
Em uma carreira de mais de 50 anos, Hopper apareceu ao lado de seu amigo e mentor James Dean em "Juventude transviada", ainda na década de 50, e parecia ter predileção por interpretar desequilibrados como em "Apocalipse now", "Veludo azul" e "Velocidade máxima". O ator foi indicado duas vezes ao Oscar: pelo roteiro de "Sem destino" (junto com Peter Fonda e Terry Southern) e pela interpretação de um professor de basquete de uma escola de ensino médio no drama "Momentos decisivos", de 1986.
"Sem destino", filme que, confesso, nunca assisti, fez parte do movimento "Nova Hollywood", o qual revelou jovens e grandes talentos como Francis Ford Coppola, Martin Scorsese, Brian De Palma e Steven Spielberg, entre outros. De baixo orçamento, "Sem destino" levou às telas dos cinemas o consumo de maconha, cocaína e popularizou os motoqueiros cabeludos com suas motos Harley-Davidson. "Nós tínhamos atravessado a década de 60 e ninguém tinha feito um filme sobre fumar maconha sem matar um monte de enfermeiras", disse Hopper è revista "Entertainment Weekly" em 2005. "Eu queria que 'Sem destino' fosse como uma cápsula do tempo sobre aquele período", completou. Na realidade, ele próprio foi um consumidor voraz de drogas, o que resultou em várias internações para reabilitação.
Dennis Hopper e Peter Fonda se juntaram na tela com um até então desconhecido Jack Nicholson como um advogado alcoólatra, mas o ambiente de filmagens não foi nada harmonioso. Hopper tratou a todos com brutalidade e Fonda o descreveu mais tarde como um "pequeno fascista louco". A amizade dos dois acabaria ali.
Em uma carreira de mais de 50 anos, Hopper apareceu ao lado de seu amigo e mentor James Dean em "Juventude transviada", ainda na década de 50, e parecia ter predileção por interpretar desequilibrados como em "Apocalipse now", "Veludo azul" e "Velocidade máxima". O ator foi indicado duas vezes ao Oscar: pelo roteiro de "Sem destino" (junto com Peter Fonda e Terry Southern) e pela interpretação de um professor de basquete de uma escola de ensino médio no drama "Momentos decisivos", de 1986.
"Sem destino", filme que, confesso, nunca assisti, fez parte do movimento "Nova Hollywood", o qual revelou jovens e grandes talentos como Francis Ford Coppola, Martin Scorsese, Brian De Palma e Steven Spielberg, entre outros. De baixo orçamento, "Sem destino" levou às telas dos cinemas o consumo de maconha, cocaína e popularizou os motoqueiros cabeludos com suas motos Harley-Davidson. "Nós tínhamos atravessado a década de 60 e ninguém tinha feito um filme sobre fumar maconha sem matar um monte de enfermeiras", disse Hopper è revista "Entertainment Weekly" em 2005. "Eu queria que 'Sem destino' fosse como uma cápsula do tempo sobre aquele período", completou. Na realidade, ele próprio foi um consumidor voraz de drogas, o que resultou em várias internações para reabilitação.
Dennis Hopper e Peter Fonda se juntaram na tela com um até então desconhecido Jack Nicholson como um advogado alcoólatra, mas o ambiente de filmagens não foi nada harmonioso. Hopper tratou a todos com brutalidade e Fonda o descreveu mais tarde como um "pequeno fascista louco". A amizade dos dois acabaria ali.
(Hopper ao receber, recentemente, a sua estrela na Calçada da Fama)Hopper descobriu a doença em setembro do ano passado, mas continuou trabalhando até o fim. Interpretava o personagem Ben Cendars na série de TV "Crash" e estava se dedicando a um livro de suas fotografias. Os últimos meses do ator foram consumidos por um tumultuado divórcio com sua quinta mulher, Victoria Duffy (os muitos divórcios são mais um indício de seu temperamento difícil). Seus vários casamentos incluem uma união de apenas oito dias com Michelle Phillips, do grupo The Mamas and The Papas, na década de 70. Dennis Hopper deixou quatro filhos.
Como promessa que faço a mim mesmo, vou procurar assistir a "Sem Destino" em breve.
Como promessa que faço a mim mesmo, vou procurar assistir a "Sem Destino" em breve.
quinta-feira, 27 de maio de 2010
A chatice do 3D!
Nestes últimos tempos cinematográficos, temos visto a ascensão de um novo* formato de captação e projeção de imagens: a tecnologia 3D. Principalmente depois do estrondo bilionário de “Avatar”, a exibição de filmes em 3D tornou-se a epidemia que parece ter mais força que a gripe H1N1. Mesmo longas que não foram concebidos neste formato, como “Alice no País das Maravilhas”, de Tim Burton, acabam passando por processos de “conversão”, ansioso por abocanhar bilheterias maiores, afinal, mesmo que o público pagante não supere aquele que seria alcançado caso o filme fosse exibido no formato convencional, a renda obtida acaba sendo mais expressiva, pois que os ingressos das salas 3D são significativamente mais caros (para não dizer extorsivos).
Neste último fim de semana, tivemos a estreia no Brasil de “Fúria de Titãs”. Ainda não conferi esta nova versão para o clássico da Sessão da Tarde (que vi repetidas vezes, claro), mas, pelo que se percebe das críticas que já tive a oportunidade de ler, o seu 3D é tosco, de péssima qualidade, o que me leva a pensar até onde irá essa nova onda.
Eu, por duas vezes, paguei o estapafúrdio preço de uma sala 3D. O citados “Avatar” e “Alice” foram os filmes assistidos. E, sendo bem sincero, a experiência “tridimensional” resultou bem menos impactante do que o esperado. Em nenhum dos dois casos o filme pareceu melhor por ser em 3D. No que diz respeito ao longa de James Cameron, afirmo com toda convicção que o formato se presta muito mais a disfarçar a fraqueza de seu roteiro, uma espécie de “Dança Com Lobos Alien”, do que a qualquer outra coisa. Afinal, quanto mais distrações na tela, menor a atenção ao texto. Isso me faz lembrar de “Titanic”, o filme anterior de Cameron, o qual, sem precisar desta muleta tecnológica, me causou muito mais impacto e emoção na sala escura (talvez porque tivesse atores talentosíssimos como protagonistas e não pixels azuis atuando).
E deixo aqui a pergunta: será mesmo que o 3D trará de volta aos cinemas o público perdido para os DVDs e Blu-Rays em TVs de alta resolução, além dos downloads e canais por assinatura? Ou será que, quando a novidade passar, a moda vai esfriar? Pelo menos pra mim, já esfriou. Provavelmente, nem tão cedo voltarei a pagar um ingresso caríssimo apenas para conferir um longa no tal formato “revolucionário”.
Bem, nesses tempos de Copa do Mundo já estão anunciando a transmissão dos jogos em 3D. Fico imaginando como deve ser chato ver um jogo de futebol com aqueles óculos no rosto... Ou será que o chato sou eu?
* Não é tão novo assim. Para se ter ideia, Alfred Hitchcock utilizou o recurso em “Disque M Para Matar”, nos já distantes anos 50...
Neste último fim de semana, tivemos a estreia no Brasil de “Fúria de Titãs”. Ainda não conferi esta nova versão para o clássico da Sessão da Tarde (que vi repetidas vezes, claro), mas, pelo que se percebe das críticas que já tive a oportunidade de ler, o seu 3D é tosco, de péssima qualidade, o que me leva a pensar até onde irá essa nova onda.
Eu, por duas vezes, paguei o estapafúrdio preço de uma sala 3D. O citados “Avatar” e “Alice” foram os filmes assistidos. E, sendo bem sincero, a experiência “tridimensional” resultou bem menos impactante do que o esperado. Em nenhum dos dois casos o filme pareceu melhor por ser em 3D. No que diz respeito ao longa de James Cameron, afirmo com toda convicção que o formato se presta muito mais a disfarçar a fraqueza de seu roteiro, uma espécie de “Dança Com Lobos Alien”, do que a qualquer outra coisa. Afinal, quanto mais distrações na tela, menor a atenção ao texto. Isso me faz lembrar de “Titanic”, o filme anterior de Cameron, o qual, sem precisar desta muleta tecnológica, me causou muito mais impacto e emoção na sala escura (talvez porque tivesse atores talentosíssimos como protagonistas e não pixels azuis atuando).
E deixo aqui a pergunta: será mesmo que o 3D trará de volta aos cinemas o público perdido para os DVDs e Blu-Rays em TVs de alta resolução, além dos downloads e canais por assinatura? Ou será que, quando a novidade passar, a moda vai esfriar? Pelo menos pra mim, já esfriou. Provavelmente, nem tão cedo voltarei a pagar um ingresso caríssimo apenas para conferir um longa no tal formato “revolucionário”.
Bem, nesses tempos de Copa do Mundo já estão anunciando a transmissão dos jogos em 3D. Fico imaginando como deve ser chato ver um jogo de futebol com aqueles óculos no rosto... Ou será que o chato sou eu?
* Não é tão novo assim. Para se ter ideia, Alfred Hitchcock utilizou o recurso em “Disque M Para Matar”, nos já distantes anos 50...
Assinar:
Postagens (Atom)