Julie & Julia

Nem feminista, nem “de mulherzinha”: um filme feminino.

É muito provável que você já tenha assistido a um dos filmes da diretora Nora Ephron, uma das expoentes das comédias românticas que dominaram o fim dos anos 80 e os anos 90. Afinal, quem nunca viu “Harry & Sally” (que não foi dirigido por ela, mas teve o roteiro de sua autoria indicado ao Oscar), longa-metragem já clássico que catapultou Meg Ryan ao estrelato, ou ainda “Sintonia de Amor” e “Mensagem Para Você”, também estrelados por Meg ao lado do super-astro Tom Hanks? São familiares, não? Pois bem, com este “Julie & Julia”, Ephron provavelmente realiza seu melhor filme desde “Sintonia de Amor”, alcançando uma maturidade e equilíbrio talvez ainda inéditos em sua carreira.

Aqui, Ephron tira o foco das relações amorosas para estabelecer o paralelo entre as vidas de duas mulheres com muito em comum, embora vivam em épocas distintas. Uma delas é Julia Child (Meryl Streep), famosa cozinheira norte-americana que, por meio de um livro e um popular programa de TV, fez a classe média americana passar a ter interesses gastronômicos além de um mero hambúrguer, sorvete, enlatados ou tortas de maçã. Já Julie Powell (Amy Adams) era uma funcionária pública que tentou uma frustrada carreira como escritora, mas que tem a ideia de escrever um blog onde relata a missão que estabeleceu para si mesma de, em um prazo de 365 dias, levar a cabo 524 receitas da mestra Julia Child.

O mais interessante, como sempre, não está nas metas que ambas alcançaram, mas no caminho que levou a este sucesso. Tanto Julia quanto Julie são mulheres que encontram na gastronomia uma nova dimensão para suas vidas. Mesmo sendo bem casadas, com ótimos maridos, elas sentem falta de algo que constitua uma plena realização individual. Julia não teve filhos (já havia casado com quase 40 anos e isso provavelmente dificultou tal intento) e viu na culinária algo para tirá-la da trivialidade de uma vida confortável como esposa de um diplomata em Paris. Não que considerasse sua vida ruim, longe disso. Julia era uma mulher alegre e otimista, que via nas relações humanas também uma maneira de se realizar. Mas, como ela mesma afirmava, não sabia e nem queria ser uma inútil. Por seu turno, Julie exerce uma função pública desgastante, onde tem de ouvir as reclamações e mesmo desabafos dos cidadãos que ligam para um serviço de tele-atendimento. Ademais, vê-se fracassada por nunca conseguir terminar os seus projetos, especialmente o maior deles: escrever um livro. São duas mulheres que sabem a importância e o valor da vida familiar (no caso de Julie, ainda descobrindo e aprendendo a valorizar), mas que também carecem de realizações individuais mais plenas. São mulheres femininas que buscam maneiras de afirmação, mas sem hastearem bandeiras (talvez até mesmo sem se darem conta disso) e com seus exemplos trazendo muito mais benefícios do que discursos feministas-sexistas inflamados. Ademais, se o longa não tem ares feministas, ao mesmo tempo também não descamba para o “filme de mulherzinha”. Não há conto de fadas, apenas mulheres tentando dar um novo norte às suas vidas.

Ephron desenvolve muito bem esse paralelo através de recursos de edição e mesmo trilha sonora, estrutura que lembra muito “As Horas”, de Stephen Daldry (também com Meryl Streep no elenco). Sempre quando passamos de uma época para outra, temos uma mudança na trilha, fazendo com que o espectador perceba a transição não só através das imagens. O roteiro (escrito pela própria Nora Ephron, baseado nos livros “My Life In France” e “Julie e Julia”, ambos de Julia Child e Julie Powell, respectivamente) desenvolve-se com uma leveza perfeitamente adequada e eu me senti especialmente identificado com os momentos em que se mostra o nascimento do blog de Julie. É verdade que um comentário no blog já traz uma alegria para seu autor, principalmente quando esse comentário vem de alguém fora de seu círculo de amizades, pois dá logo a sensação de que o veículo está atingindo um certo “sucesso”...:=). Entretanto, a narrativa sofre pequenos deslizes ao tentar encaixar algumas tiradas de tons picantes que seriam mais adequadas a uma comédia romântica, talvez tiques de uma diretora extremamente acostumada a esse gênero.

Além disso, em uma obra com tais características, a participação dos atores se faz essencial e, possivelmente, talvez seja esta a maior razão do sucesso de “Julie & Julia”. Amy Adams está muito bem no papel da blogueira, sem excessos, sabendo em que momentos conferir uma maior carga de emoção à personagem. Enquanto isso, Meryl Streep consegue atingir um nível de entrega talvez ainda maior do que o habitual. Sua Julia está perfeita, com todas as nuances da “original”, ao mesmo tempo em que nunca aparenta artificialidade. Consegue, inclusive, interpretar o andar de uma pessoa bastante alta (como no caso de Julia), parecendo ter realmente 1,88m (ao contrário dos seus 1,68m verdadeiros) e não apenas por efeitos de câmera e saltos altos. Não é à toa que ela já vem amealhando prêmios por este trabalho e deve receber mais uma indicação ao Oscar (que será a décima...quanto? Já perdi as contas...). E se vier a ser oscarizada será com muito mérito.

Streep é uma daquelas atrizes que realmente devem inspirar milhões de jovens a seguirem esta carreira, da mesma forma que Julia inspirou Julie a desbravar novos caminhos na sua vida. Essa conexão que pode se estabelecer entre pessoas que nunca chegaram a se conhecer é outra vertente interessante do filme. Mesmo distantes e vivendo em épocas distintas, seres humanos podem ter os mesmo anseios e dificuldades, ou seja, nunca estamos sozinhos em nossas vicissitudes, havendo sempre alguém que já passou ou passa pelas mesmas dores. É provável que, ao término do longa, você tenha se identificado com algumas das situações mostradas. E isso, com certeza, já lhe fará sair satisfeito com o dinheiro empregado na sessão.


Cotação: * * * * (quatro estrelas)
Nota: 9,0

Mais um beijo empolgado

A cerimônia do Critics’ Choice Awards, prêmio conferido pela Broadcast Film Critics Association (entidade que reúne críticos de cinema de 200 meios de comunicação da América do Norte, abrangendo TV, rádio e internet) aos melhores do ano, consagrou “Guerra ao Terror” como o melhor filme de 2009, assim como sua diretora (e ex-esposa de James Rei do Mundo Cameron), Kathryn Bigelow, como a grande diretora do ano. Entretanto, o momento de maior destaque da entrega de prêmios parece ter sido a efusiva comemoração de Meryl Streep e Sandra Bullock ao receberem as láureas pelo desempenho na categoria de melhor atriz (ambas venceram, em empate), como vocês podem ver na imagem acima. Os demais vencedores podem ser conferidos na lista abaixo, que tem ainda como destaque a premiação de Quentin Tarantino na categoria de melhor roteiro original por “Bastardos Inglórios”, filme que também venceu em ator coadjuvante (Christof Waltz, claro) e melhor elenco (categoria que não existe no Oscar). E neste domingo tem Globo de Ouro (23h, horário de Brasília).


Melhor filme: “Guerra ao Terror”
Melhor diretor: Kathryn Bigelow, por “Guerra ao Terror”
Melhor roteiro original: “Bastardos Inglórios”
Melhor roteiro adaptado: “Amor Sem Escalas"
Melhor ator: Jeff Bridges, por “Crazy Heart”
Melhor atriz: Meryl Streep, “Julie & Julia”, e Sandra Bullock, “The Blind Side”
Melhor ator coadjuvante: Christoph Waltz, por “Bastardos Inglórios”
Melhor atriz coadjuvante: Mo’Nique, por “Precious”
Melhor elenco: “Bastardos Inglórios”
Ator/atriz revelação: Saoirse Ronan, por “Um Olhar do Paraíso”
Melhor animação: “Up – Altas Aventuras”
Melhor filme de ação: “Avatar”
Melhor comédia: “Se Beber, Não Case”
Melhor documentário: “The Cove”, de Louie Psihoyos
Melhor direção de arte: “Avatar”
Melhor figurino: “A Jovem Victoria”
Efeitos especiais: “Avatar”
Melhor som: “Avatar”
Melhor trilha sonora: “Up - Altas Aventuras”

Musas do Escurinho #12

Nas telas em "Sherlock Holmes", sempre considerei Rachel McAdams uma gatinha, de beleza clássica e romântica. Não é à toa que sempre pode ser encontrada protagonizando filmes como "Diário de Uma Paixão" e "Te Amarei Para Sempre"...

Eric Rohmer: 1920-2010

Demorei para postar, mas não poderia deixar passar em branco. Faleceu nesta segunda-feira, dia 11, aos 89 anos, Eric Rohmer, um dos grandes da Nouvelle Vague, um daqueles oriundos do lendário periódico "Cahiers du Cinemá" (tal como Truffaut e Godard). Entre suas mais famosas obras estão "Minha Noite com Ela" e "O Raio Verde", além da famosa série dos contos das estações (primavera, verão, outono e inverno), filmada ao longo dos anos 90. E o cinema já começou 2010 ficando um pouco mais pobre...

Sherlock Holmes

Um novo super-herói

Desde já, advirto que nunca li qualquer obra de Arthur Conan Doyle, o que já faz perceber que não sou especialista no seu mais famoso personagem, o detetive Sherlock Holmes. A imagem que tenho do mesmo é aquela tradicional, do homem cerebral que fuma cachimbo, toca um violino Stradivarius e conta sempre com a ajuda do seu assistente Watson para resolver os mais enigmáticos mistérios, parceiro este para quem sempre profere a frase “elementar, meu caro Watson”. Portanto, dá para concluir que a ideia que sempre faço do famoso investigador é aquela perpetuada com a grife de Steven Spielberg (ele foi o produtor) em “O Enigma da Pirâmide”, divertida fantasia oitentista que tem o personagem ainda jovem como protagonista. Contudo, sei que Holmes possui outras características não muito mostradas ou exploradas comumente, características estas que lhe foram atribuídas pelo próprio Conan Doyle.

Alguns desses elementos foram utilizados pelo diretor Guy Ritchie nessa nova adaptação cinematográfica. Um exemplo é o fato de Holmes lutar (em uma forma primitiva de boxe). Todavia, alguns outros aspectos parecem jogados para lhe imprimir um caráter modernoso, apto a agradar o público atual. Holmes é, desta forma, quase transformado em uma espécie de super-herói, cujo poder especial seria o extremo raciocínio lógico. Tanto isso é verdade, que em determinada sequência ele utiliza este “poder” para vencer uma das tais lutas de que participa, ocorrendo tudo da forma como deduzira em poucos segundos. Adicione-se a isso o ritmo sempre acelerado de Ritchie e temos um Holmes que muitas vezes mais lembra um Jason Bourne misturado com “Homem de Ferro”. Ainda mais com a presença de Robert Downey Jr. no papel principal. Por sinal, o tal ritmo acelerado, característico desse diretor, mostra-se um tanto inadequado para uma trama cheia de minúcias e detalhes (como é peculiar nas tramas do detetive). A narrativa, por sinal, mostra Holmes buscando evitar que Sir Blackwood, um nobre integrante da Câmara dos Lordes, leve a efeito um plano para dominar a Inglaterra e, por conseguinte, boa parte do mundo através de expedientes de magia negra. Contudo, nem nos momentos “Scooby-Doo”, quando toda a trama vai sendo revelada em detalhes, conseguimos compreender bem o desenrolar dos acontecimentos. Não consegui, por exemplo, até o fim da trama, entender exatamente quais os objetivos da personagem de Rachel McAdams (lindinha como sempre), Irene Adler. Fica óbvio que ela é mais um dos elementos engendrados para agradar ao grande público, uma vez que funciona não só como uma antagonista cerebral de Sherlock, mas como o seu ponto fraco emocional (e o público feminino também precisa ser cativado).

Entretanto, algumas nuances contemporâneas foram muito bem-vindas. A relação entre Holmes e o Dr. Watson (Jude Law) está interessantíssima, sendo que este último está longe de ser apenas um “assistente” do detetive. As tiradas cômicas entre os dois estão ótimas e mostra-se que, antes de tudo, a amizade é o elemento que une fortemente aqueles homens, tudo isso tendo como alicerce (e como era de se esperar) as ótimas atuações de Downey Jr. e Law, os maiores sustentáculos do longa-metragem. Em outra vertente, as cenas de ação são muito bem realizadas, trazendo criatividade e momentos lúdicos que agradam em cheio ao grande público. A sequência no cais do porto, em que um navio é “atirado” em direção a Sherlock já está entre as melhores cenas de ação concebidas nos últimos anos. Ademais, outra virtude do longa é a sua reconstituição da era vitoriana, precisa, com uma direção de arte impecável.

O balanço final é de que temos um longa-metragem perfeitamente palatável para divertir o grande público, contando com um diretor de marcas próprias (mesmo que, como mencionado, talvez inadequado para este tipo de narrativa detetivesca) e atores de primeiro escalão que conferem uma veracidade inédita no cinema a estes personagens. Entretanto, aqueles mais afeitos à versão clássica de Sherlock irão torcer um pouco o nariz (como eu). Não sei se seriam necessárias tantas modificações para que o personagem pareça atualizado. Talvez o Holmes ideal seja uma mistura dessa nova versão com aquele citado acima de “O Enigma da Pirâmide”. Vá ao cinema e tire suas próprias conclusões.


Cotação: * * * (três estrelas)
Nota: 7,5

"Avatar" já é a segunda maior bilheteria da história

E James Cameron é o "rei do mundo" duas vezes. Esta semana, com a bilheteria mundial atingindo a cifra de 1,21 bilhões de dólares, "Avatar" assumiu a segunda posição no ranking de maiores bilheterias de todos os tempos, ficando atrás, agora, apenas de "Titanic", também de Cameron, com seus quase insuperáveis US$ 1,84 bilhão. Nos EUA, o filme somou neste fim de semana mais US$ 48,5 milhões, chegando à quantia acumulada de US$ 429 milhões, o que já lhe valeu o posto de maior sucesso de 2009. Menos mal, pois título de maior de 2009 estava nas mãos do horrendo "Transformers 2". Ainda bem que, no fim, o mal sempre sucumbe...

Filmes Para Ver Antes de Morrer

Sonhos (Akira Kurosawa's Dreams)


As pinturas de Kurosawa

Eu costumo dizer que o tempo é o melhor crítico de arte que existe. Espero estar certo e ver algumas injustiças serem corrigidas e ter a satisfação de ver alguns filmes não muito lembrados serem devidamente valorizados. É o caso de “Sonhos”, obra do gênio Akira Kurosawa, que não costuma freqüentar listas de melhores de todos os tempos (foi esquecido até no popular livro “1001 Filmes Para Ver Antes de Morrer"). Um fato bastante estranho, deveras. Um daqueles esquecimentos por parte dos críticos que incomodam e servem apenas para o público soltar frases como “críticos são muito chatos”, para não lembrar de adjetivos como “cretinos” ou “idiotas”.

Se você não conhece, Akira Kurosawa é o cineasta japonês que mais influência exerceu sobre o cinema ocidental. Autor de obras-primas como “Os Sete Samurais”, sua sombra é principalmente sentida nos diretores integrantes do movimento denominado “Nova Hollywood”, a geração sexo-drogas-rock’n roll que mudou a face do cinema americano a partir do fim da década de 60. Entre os declaradamente fãs do diretor japonês estão Steven Spielberg, Francis Ford Copolla, Martin Scorsese e George Lucas. Este último, inclusive, teve nos filmes de Kurosawa muito de sua inspiração para compor o universo da saga “Star Wars”. O genial cineasta, contudo, não é, até hoje, visto com muitos bons olhos em sua terra natal, onde é acusado de ser “ocidentalizado”, afirmação esta um tanto injusta. É verdade que Kurosawa trouxe para o cinema oriental elementos caros à produção ocidental, marcadamente a norte-americana. E isso se deve ao fato de que o mesmo era um grande admirador de diretores como John Ford (e quem não é?), com suas belíssimas e minuciosas composições imagéticas, com planos arrebatadores, onde aquilo que se mostrava na tela também traduzia o interior dos personagens. Entretanto, afirmar que isto é “ocidentalizar-se” é uma atitude um tanto obtusa. O amor de Kurosawa pelas imagens fortes e minuciosamente planejadas decorre, muito provavelmente, de seu enorme apreço pela pintura. É sabido que antes de decidir-se pela carreira do cinema, Kurosawa foi pintor, chegando a cogitar fortemente em seguir essa carreira. Ou seja, nada mais natural que procurasse colocar nas telas um pouco (ou muito) deste seu outro lado artístico. Além disso, a arte sempre será construída a partir de influências mútuas. Se Kurosawa soube aproveitar muito do cinema americano, este último, como dito acima, também soube aproveitar, posteriormente, muitas das lições do mestre japonês. Vaticinar que isso é “ocidentalizar-se” ou “orientalizar-se” soa provinciano e tacanho.

Uma das maiores provas de que Kurosawa soube utilizar muito bem os elementos do cinema ocidental, mas mostrando uma essência e conteúdo extremamente japoneses, é precisamente “Sonhos”. É bom, neste passo, lembrar que esse é um longa de 1990, um dos últimos na carreira do diretor, realizado a partir da ajuda dos citados cineastas estadunidenses. Durante um bom tempo, Kurosawa ficou relegado ao ostracismo, chegando a tentar o suicídio por não conseguir mais financiar os seus projetos. Mas, se, nesta fase, as imagens ganharam muito do cinema de Hollywood, com sua qualidade técnica impecável, a obra do velho diretor talvez tenha adquirido contornos ainda mais orientais. Os oito “sonhos” (supostamente baseados em sonhos do próprio cineasta) que compõem o longa-metragem, além de trazerem questões próprias ao diretor, abordam aspectos culturais profundamente japoneses, além de temores e valores típicos do povo da terra do sol nascente.

O próprio número de “sonhos” – na realidade verdadeiros contos independentes entre si – qual seja, oito, já traz um forte significado. Na cultura nipônica o oito (“hachi”) é o número da perfeição, representação da ligação entre as esferas espiritual e terrena. E vários são os aspectos caros aos japoneses representados ao longo de toda a projeção. O seu folclore é abordado, por exemplo, no primeiro sonho, onde um garoto é obrigado a deixar um punhal no fim do arco-íris para procurar acalmar a ira da raposa, animal que possui significados místicos na cultura local, sendo portadora de dotes ilusionistas e cujo acasalamento se dá, segundo a tradição nipônica, em dias em que chuva e sol se encontram. O horror nuclear, por sua vez, ganha representatividade no 6º e 7º sonhos, onde as conseqüências da radioatividade ganham cores vivas e fortes, com imagens possivelmente inspiradas em Dante e sua “Divina Comédia”. Da mesma forma, a comunhão e harmonia com a natureza ganham defesa no 2º e último contos, sendo este último, sobre a aldeia dos moinhos de água, onde um simpático velhinho de 103 anos ministra verdadeiras aulas de sabedoria, possivelmente a mais apaixonante das oito narrativas. Todavia, alguns irão se recordar com mais vivacidade ainda do sonho em que o protagonista conversa com o gênio Vincent Van Gogh (aqui interpretado por Martin Scorsese) para em seguida passear por entre várias de suas telas. É neste ponto de Kurosawa deixa falar mais alto o seu lado pintor, muito embora não se reduza apenas a ele. Uma das características mais marcantes do longa é sua paleta de cores fortes e vivas, de uma beleza memorável. Verdadeiras pinturas se sucedem a cada fotograma, gerando imagens que realmente impressionam (a fotografia, por sinal, acabou recebendo uma indicação ao Oscar).

Por outro lado, Kurosawa não se limita a estabelecer uma ligação entre o cinema e a pintura. O teatro é outra forma de arte que, com certa frequência, encontra eco em sua carreira (como em “Ran”, sua magistral obra-prima de 1985) e ela também se faz presente aqui. Trata-se do Nô, arte teatral característica do Japão, onde se misturam música, dança e poesia, rica em simbolismos. Para o público leigo, o Nô surge em tintas claras no segundo sonho, em que os espíritos da natureza realizam uma ritual para tentar fazer renascer um pomar de pessegueiros. Falando em música, a trilha sonora é baseada na música folclórica japonesa, o Min’yõ, com o uso de alaúdes, flautas, percussões e instrumentos de cordas típicos do Japão, soando de forma belíssima.

O resultado é um espetáculo impressionista ou mesmo surrealista, lembrando as origens artísticas de Kurosawa (pintura) e mostrando, de maneira vitoriosa, que a arte não tem pátria. Não existe arte “ocidental” ou “oriental”; o que existe são grandes artistas e artistas medíocres, provavelmente estes os criadores da falácia de o gênio fazia cinema para americanos assistirem, talvez com inveja do respeito que o mesmo adquiriu além dos limites do Japão. É interessante até mesmo observar que os cineastas ianques não têm qualquer vergonha em assumir e assimilar influências, enquanto os de outras nacionalidades parecem, muitas vezes, permeados de um provincianismo pouco produtivo. De qualquer forma, para você, fã de cinema, o que mais interessa não é essa discussão estéril, mas saber que “Sonhos” é um filme inesquecível, de beleza ímpar, o qual provavelmente permanecerá na sua mente durante um bom tempo. E também concordará que os críticos realmente se mostram muito azedos ao esquecê-lo entre os melhores filmes de Akira Kurosawa. Uma obra de arte para ser vista e revista.

Classificação e nota: Obra-prima.

Sindicato dos Produtores - Indicados

Um dos grandes termômetros do Oscar (dos seus 4.200 membros, boa parte também vota na premiação da Academia), o Producers Guild of America, prêmio do sindicado de produtores de Hollywood, divulgou a lista de seus indicados à premiação em 2010.

Vale dizer que, neste caso, a afirmação de que esse prêmio é um "termômetro" tem cabimento. Em 13 dos seus 20 anos de existência, o melhor filme eleito pelo Sindicato dos Produtores foi o mesmo que levou o Oscar - inclusive no ano passado, quando "Quem Quer ser um Milionário?" foi eleito o melhor filme por ambos.

Os ganhadores serão anunciados em 24 de janeiro. Veja abaixo os indicados:

Melhor filme

Avatar
Distrito 9
Educação
Guerra ao Terror
Bastardos Inglórios
Invictus
Preciosa
Star Trek
Up - Altas Aventuras
Amor sem Escalas

Melhor animação

9 - A Salvação
Coraline e o Mundo Secreto
O Fantástico Sr. Raposo
A Princesa e o Sapo
Up - Altas Aventuras

Melhor documentário

Burma VJ
The Cove
Sergio
Soundtrack for a Revolution

"Avatar" atinge a marca do bilhão de dólares

"Avatar", cuja resenha você pode conferir mais abaixo, já rendeu mais de 1 bilhão de dólares nas bilheterias ao redor do mundo em apenas três finais de semana de exibição, um recorde para a indústria, tornando-se o quarto maior sucesso comercial do cinema em todos os tempos (já ultrapassou "O Cavaleiro das Trevas", que foi rebaixado ao quinto). Com uma arrecadação de 1,02 bilhão, ele agora só é superado por "Titanic", também de James Cameron (1,8 bilhão de dólares), "O Senhor dos Anéis - O Retorno do Rei" (1,12 bilhão) e "Piratas do Caribe 2 - O Baú da Morte" (1,07 bilhão). Nos EUA, tendo em vista a ausência de estreias, o filme emplacou mais 68 milhões de dólares neste fim de semana da virada, permanecendo na primeira posição. Já é quase certo que ele deverá ficar atrás apenas de "Titanic", fazendo com que Cameron, mais do que nunca, saia gritando que é o "rei do mundo". Ou melhor, agora, de dois mundos...

Lula - O Filho do Brasil

Dona Lindu, uma brasileira

Ao observarmos o pôster promocional de “Lula – O Filho do Brasil” é possível perceber que a figura de Glória Pires, a qual interpreta Dona Lindu, mãe do atual presidente da República, domina a imagem, estando em maior destaque que o ator Ruy Ricardo, que interpreta, na fase adulta, o ex-retirante que alcançou o posto de mandatário máximo da Nação. Talvez inadvertidamente, o referido pôster acaba representando o resultado do longa-metragem dirigido por Fábio Barreto (atualmente hospitalizado após um grave acidente de carro). Parece que estamos a observar na tela não a história de Lula, mas a de sua genitora e de como esta, através de sua “teimosia”, conseguiu manter uma família mesmo diante das situações mais adversas e de como sua personalidade moldou a face do Lula que conhecemos hoje.

Talvez esta seja uma opção dos realizadores para afastar a acusação de que o longa, estreando em ano eleitoral, possua um caráter “eleitoreiro”. Como vocês que leem este texto devem saber, há meses a polêmica sobre este projeto foi instaurada pela oposição, tendo como alto-falante uma mídia ligada aos seus interesses, mas predominantemente destituída de bom-senso (chegando até ser capa de famosos periódicos semanais, numa espécie de publicidade involuntária). Realizado com financiamento inteiramente privado (alardeado logo no início da projeção, para evitar que o público venha a pensar de forma diferente), o roteiro não adentra na vida política de Lula, sequer mencionando a fundação do PT e apenas colocando em legendas a sua chegada à presidência. Esta atitude, por outro lado, levou muitos dos petistas e simpatizantes de esquerda a criticar o filme. Afinal, como poderia um longa-metragem sobre Lula não mencionar nada a respeito do partido que o próprio criou? Como dito acima, talvez isso seja o resultado da ideia dos realizadores de, no fundo, não contarem a história do presidente, mas de sua genitora. E a verdade é que a imagem e o carisma do presidente (com cerca de 80% de popularidade, segundo as últimas pesquisas) estão já há algum tempo desatreladas do partido que fundou. Aliás, ligar a imagem de Lula ao PT, neste momento, poderia até trazer um efeito anti-eleitoreiro, tendo em vista a imagem queimada do Partido dos Trabalhadores pós-escândalo do mensalão.

Assim, se você está na expectativa de assistir a um panorama completo da saga de um retirante nordestino até sua vitória máxima, devo dizer quê sairá frustrado(a) da sala de cinema. Mas, todavia, o maior demérito do longa de Fábio Barreto não se constitui nas referidas omissões, mas na forma um tanto canhestra com que desenvolve a narrativa. Com um roteiro baseado no livro homônimo, escrito por Denise Paraná (a partir de sua tese de doutorado), os altos e baixos da narrativa são tamanhos que provocam um distanciamento do espectador, algo que se torna um tanto estranho se pensarmos no conteúdo com potencial altamente emocional que é inerente a uma história como essa. Se compararmos a outro exemplo cinematográfico bastante próximo, está muito aquém da ligação estabelecida com o público por “2 Filhos de Francisco”, o qual se tornou um dos filmes de maior bilheteria no país desde a retomada e que também alcançou sucesso entre os críticos.

Tal distanciamento se deve bastante ao caráter episódico que domina o desenvolvimento do roteiro (adaptado pela própria Denise ao lado do diretor, além de Daniel Tendler e Fernando Bonassi). Passa-se rapidamente pela vida na família Silva no interior de Pernambuco, na seca que flagela, mas que o longa está longe de mostrar sua real dimensão, limitando-se ao lugar-comum de imagens de gado morto e vegetação ressecada. Com a mudança para Santos, o caráter ameno das vicissitudes dos protagonistas continua, aqui se resumindo a mostrar a estupidez e alcoolismo de Aristides, pai de Lula, mas maquiando a situação de miséria em que viviam. Até mesmo a sequência da inundação que leva a família a perder tudo e que foi uma das mais caras deste projeto que custou ao todo R$ 16 milhões (o mais caro filme brasileiro até hoje produzido), é mostrada de forma repentina e sem muito impacto, possuindo, ademais, uma curta duração. Além disso, há uma descuido da produção com relação à ambientação e mesmo trilhas utilizadas em certos momentos da projeção. Ouvir um certo sucesso de Tim Maia em um baile ainda nos anos 60 é imperdoável, um anacronismo que vai chamar a atenção de muitos dos presentes. Além disso, alguns vão lembrar de alguns fatos omitidos, como a primeira filha, nascida de seu relacionamento com Miriam Cordeiro, tendo deixado esta com 6 meses de gravidez, fatos estes que os realizadores procuraram evitar para diminuir o “peso” do longa.

Contudo, nem tudo é fracasso no longa. O relacionamento de Lula com suas duas esposas é sempre bem desenvolvido (afinal, é necessário agradar o público acostumado com novelas). Um dos melhores momentos, inclusive (e este é um dos poucos que realmente surgem comoventes), mostra o falecimento de sua primeira mulher, Jennifer (Cleo Pires), durante o parto, quando o bebê também morreu. Outro momento muito bem dirigido e recriado é o famoso discurso de Lula no estádio da Vila Euclides, onde cerca de 100.000 metalúrgicos presentes repassavam uns aos outros suas palavras, para que todos ouvissem, devido à ausência de sistema de som. Aliás, algumas das cenas de discurso só não são melhores devido à limitação do ator Ruy Ricardo, fraco na caracterização do líder, chegando a mudar a voz do personagem no decorrer da projeção. A princípio com uma interpretação mais natural, de repente ele começa a imitar a voz de Lula, com sua língua presa peculiar, trazendo um resultado muito mais cômico do que realista. Porém, Glória Pires, como de costume, realiza mais uma interpretação competente, o que reforça ainda mais a afirmação de que este acaba sendo um filme sobre Dona Lindu. Não é à toa que o filme termina com sua morte e a afirmação de que Lula, no seu discurso de posse, prestou os maiores agradecimentos à sua mãe. Ou será que Fábio Barreto pretendeu realizar um estudo sobre o complexo de Édipo ao narrar a história desta família Silva? Ou, ainda, mostrar a história de uma família brasileira, como afirmou em algumas entrevistas? Pode ser qualquer uma das hipóteses. A menos provável é a de que ele quis realizar uma obra sobre Lula.

Obs. Afirmar que um filme vai influenciar em uma eleição no Brasil é um tanto ingênuo. Esse filme deve ser visto, numa boa perspectiva, por cerca de 5 milhões de pessoas, boa parte delas já simpatizantes do presidente e, mesmo que outras tantas não o sejam, trata-se de uma parcela do eleitorado menos sujeito a influências (muito embora uma boa parcela se deixe influenciar por publicações duvidosas). É bom lembrar que o Brasil conta com cerca de 130 milhões de eleitores. Como diz uma certa canção da Legião Urbana, há pessoas que “falam demais por não ter nada a dizer”.

Cotação: * * ½ (duas estrelas e meia)
Nota: 6,5

Os 30 melhores da década - A lista do Cinema com Pimenta

Bem, a luta foi grande. Minha intenção era conceber uma lista com 10 títulos. Depois aumentei pra vinte. No fim da contas, para não me sentir cometendo injustiças, acabei aumentando para 30 filmes. Essa é a minha lista com os melhores da década que termina (passou rápido, não?). Agora, podem atirar as pedras. Afinal, listas servem para isso mesmo. Abraços e um feliz 2010 para todos, cheio de realizações!


1) Cidade de Deus, de Fernando Meirelles (Brasil, 2002);

2) O Senhor dos Anéis – Trilogia, de Peter Jackson (EUA, 2001, 2002 e 2003);

3) O Pianista, de Romam Polanski (França/Alemanha/Reino Unido/Polônia, 2002);

4) Kill Bill Vols. 1 e 2, de Quentin Tarantino (EUA, 2003 e 2004);

5) Encontros e Desencontros, de Sofia Copolla (EUA, 2003);

6) Menina de Ouro, de Clint Eastwood (EUA, 2004);

7) O Labirinto do Fauno, de Guillermo Del Toro (Espanha/México, 2006);

8) A Viagem de Chihiro, de Hayo Miyazaki (Japão, 2001)

9) A Vida dos Outros, de Florian Henckel von Donnersmarck (Alemanha, 2006);

10) Amor à Flor da Pele, de Wong Kar-Wai (Hong-Kong, 2000);

11) Adeus, Lênin!, de Wolfgang Becker (Alemanha, 2003);

12) Ônibus 174, de José Padilha (Brasil, 2002);

13) O Escafandro e a Borboleta, de Julian Schnabel (França/EUA, 2007);

14) Os Infiltrados, de Martin Scorsese (EUA, 2006);

15) Wall-E, de Andrew Stanton (EUA, 2008);

16) Brilho Eterno de Uma Mente Sem Lembranças, de Michel Gondry (EUA, 2004);

17) O Fabuloso Destino de Amélie Poulain, de Jean-Pierre Jeunet (França, 2001);

18) Cassino Royale, de Martin Campbell (EUA/Reino Unido/Alemanha/Rep. Checa, 2006);

19) Apenas Uma Vez, de John Carney (Irlanda, 2006);

20) Pequena Miss Sunshine, de Jonathan Dayton e Valerie Faris (EUA, 2006).

21) Vicky Cristina Barcelona, de Woody Allen (Espanha/EUA, 2008);

22) Na Natureza Selvagem, de Sean Penn (EUA, 2007);

23) A Queda – As Últimas Horas de Hitler, de Oliver Hirschbiegel (Alemanha/Itália/Áustria, 2004);

24) Piaf – Um Hino Ao Amor, de Olivier Dahan (França/Inglaterra/República Checa, 2007);

25) Batman – O Cavaleiro das Trevas, de Christopher Nolan (EUA, 2008);

26) Juno, de Jason Reitman (EUA, 2007);

27) Homem-Aranha 2, de Sam Raimi (EUA, 2004);

28) Gladiador, de Ridley Scott (EUA, 2000);

29) O Tigre e o Dragão, de Ang Lee (China/Hong-Kong/EUA/Taiwan, 2000);

30) Inimigos Públicos, de Michael Mann (EUA, 2009).

Sempre ao Seu Lado

Bela história lacrimejante

Você quer assistir a um filme pra chorar em bicas? Pois então vá ao cinema conferir este “Sempre ao Seu Lado”. O filme é uma adaptação nos moldes americanos para uma emocionante história real japonesa, a do cão Hachiko. O canino da raça Akita acompanhava o seu dono, um professor, todos os dias à estação de trem de Shibuya, além de esperá-lo todos os dias no horário em que voltava. Depois da morte do professor, contudo, Hachiko continuou a realizar os mesmos hábitos diariamente, esperando o dono que nunca retornou. Tal fato começou a ganhar repercussão na imprensa e após a morte de Hachiko este tornou-se estátua na referida cidade, além de despertar uma verdadeira mania de criação de akitas no Japão, uma vez que a história se tornou uma verdadeira lenda no país. Só com esta breve sinopse, já dá pra imaginar que será difícil você conter as lágrimas durante a projeção.

Nesta versão hollywoodiana, o professor universitário é interpretado por Richard Gere, o qual encontra o pequeno Hachi na estação de trem da cidade. Em princípio, ele reluta em adotar o cãozinho, principalmente devido à resistência de sua esposa (Joan Allen), um tanto avessa à ideia de um cão em casa. Contudo, como diz o amigo de Parker Wilson, o japonês Ken (em um filme americano sempre há um japonês para explicar a cultura oriental), não foi ele que escolheu Hachi, mas Hachi que escolheu Parker para ser seu dono. Ele tem uma vida tranqüila e feliz até o infarto que o vitima quando dava uma aula na faculdade. Esta tranquilidade da vida de Parker poderia tornar “Sempre ao Seu Lado” uma banalidade, não fosse a direção segura e suave que caracterizam a obra de Lasse Hallström, cineasta sueco responsável por outras obras com o mesmo teor, podendo-se citar aqui como um exemplo próximo em sua filmografia o longa “Minha Vida de Cachorro” (filme que o projetou para o mercado internacional). É ele o responsável pelo longa não ganhar ares de “sessão da tarde”. Apesar da vida feliz de Parker, há uma certa tristeza presente em toda a narrativa, o que já prenuncia e faz o espectador, mesmo que desconheça a história de Hachiko, perceber que algo de ruim irá acontecer.

Hallström também utiliza recursos elegantes e mesmo inusitados para desenvolver a narrativa. A utilização da visão do cão em alguns momentos, com a paleta em cores muito reduzidas, quase em p&b (tal como os cientistas afirmam ser a visão dos cachorros), é interessante e não me lembro de ter visto essa ideia em algum outro filme sobre caninos. Da mesma forma, o uso de uma árvore para demonstrar a passagem do tempo é algo inteligente e clássico. O diretor parece saber, ademais, que não é necessário super-valorizar a trama com toques excessivamente melodramáticos. Ela já possui os ingredientes necessários para fazer o público chorar. Desta forma, temos uma trilha sonora adequada, com um certo tom de melancolia, mas que não procura guiar os sentimentos do espectador.

“Sempre ao Seu Lado” é um filme pequeno, sem grandes ambições, a não ser a de emocionar o espectador e este objetivo é plenamente alcançado sem que seja necessário um espetáculo melodramático. Talvez porque a obra fale de um amor incondicional, apego este incapaz de ser reproduzido por qualquer ser humano. Aqueles que possuem cães, obviamente, irão se emocionar em dobro. Durante a sessão, uma das espectadoras chorava aos soluços, provavelmente lembrando de algum cãozinho de estimação. Se está preparado para enxugar os olhos, o programa certo para você é, decididamente, “Sempre ao Seu Lado” (por sinal, o título em português é bem melhor que o original “Hachiko: a Dog’s Story”).

Cotação: * * * ½ (três estrelas e meia)
Nota: 8,0

Fiasco em Show de Padre Fábio no Machadão

Pausa no cinema para uma crítica construtiva.

O Padre Fábio de Melo realizou um show lamentável, ontem, em Natal. Tinha tudo para ser uma apresentação histórica, tendo em vista que sua realização estava agendada justo para o dia do Natal, que coincide com o aniversário da cidade, além de comemorar os 100 anos da diocese local. Contudo, o que se viu foi um show de desorganização e segregação explícita promovida pelos responsáveis pelo evento. Só tinham acesso ao gramado alguns poucos privilegiados portadores de uma pulseira verde, obviamente ideia da equipe da prefeita Micarla de Souza, a qual deve ter promovido a distribuição de tais pulseiras entre seus parentes e apadrinhados. O povão ficou restrito às arquibancadas. Pra completar, o palco foi armado não ao centro do campo, como seria natural e como vinha se fazendo em shows realizados no Machadão. A estrutura foi erguida do lado oposto ao da arquibancada a qual o público tinha acesso. Resultado: o padre era visto como um ponto distante da multidão (a qual se resumiu a pouco mais de 10.000 pessoas, aquém do esperado), sendo sua figura bem visualizada apenas através dos telões. Pra completar, o principal elemento em um show, o som, também não estava a contento, não sendo possível ouvir com clareza as suas reflexões e mensagens. Um fiasco que levou muitos dos presentes a deixarem o estádio antes do fim da apresentação. Na saída, o que mais se ouvia eram comentários como “se é de ver assim, melhor ficar em casa e assistir pela TV”. Como cereja do bolo, houve tumulto após o término do show, já que apenas um dos portões estava aberto, sendo necessário a polícia militar agir para evitar problemas maiores, abrindo um outro portão.

Admiro o Padre Fábio pela sua oratória e estímulo a uma fé aliada à reflexão, diferente de muitos religiosos que estimulam uma fé ingênua. Suas músicas também costumam ser inspiradas e dentro desta linha reflexiva. No entanto, mesmo que, obviamente, ele não seja o responsável pela organização dos eventos, deveria ter cuidado de alertar os responsáveis para não promover autênticas segregações e distanciamentos das massas, em detrimento do conforto deferido a uma casta de privilegiados. Afinal, como sabe o padre mais do que ninguém, todos somos iguais perante os olhos de Deus e, ainda, como diz uma de suas canções: “todo homem é bom”. E é com respeito que merece ser tratado.

Em tempo: e foram R$ 221 mil gastos do dinheiro público para promover este festival de elitismo. Realmente, lamentável...

Um Feliz Natal!

É, mais um ano se passou rapidamente. Quando me dei conta, já estava no fim do mês de dezembro, o qual sempre passa voando, naquele clima de festa inerente às maiores festividades do mundo ocidental. Como sempre, o número de posts cai bastante, afinal, tal como todos, sou envoldido por aquela correria característica destes dias. Mas não poderia deixar de desejar, neste espaço, um feliz Natal para todos. Pretendia escrever alguma resenha sobre um filme de teor natalino, tal como fiz ano passado com "A Felicidade Não Se Compra". Mas, nao deu. De qualquer forma, o que mais importa é que todos estejam imbuídos pelos espíritos de amor e solidariedade que foram a razão de ser do Homem cujo nascimento se comemora nesta data. Um abraço a todos! Deus está com vocês, dentro dos seus corações! E continuem acompanhando o blog! Até a próxima!

Avatar

Será mesmo uma revolução?

Decididamente, este é um dos filmes mais aguardados de todos o tempos. Há aproximadamente dez anos, James Cameron, um dos cineastas mais bem sucedidos da história, o homem responsável pelo sucesso gigantesco e avassalador de “Titanic”, começou a levar a efeito a concepção de um longa-metragem que há muito tempo habitava sua mente. Segundo o próprio Cameron, desde sua infância, quando lia gibis de ação, super-heróis e ficção científica. O longo caminho percorrido deve-se a um fator de fácil compreensão, mas fundamental: Cameron teve que desenvolver a tecnologia necessária para rodar o seu projeto. O mundo que imaginara jamais seria crível e impactante com a tecnologia de 10 anos atrás. Assim, Cameron terminou por incorrer em um hiato enorme nas salas de cinema, com muita gente acreditando que isso se devia ao fato do diretor ter medo de encarar um novo lançamento após aquele fenômeno que foi o mencionado “Titanic”.

Mas esse termo, “medo”, não é algo que combina com James Cameron. Ele sempre foi ousado o suficiente para desafiar os estúdios, estourando seus orçamentos, mas sempre trazendo retornos espetaculares. Talvez seja por isso que ele não tenha tido muita dificuldade em encontrar quem bancasse este seu novo devaneio, o qual, segundo números divulgados recentemente, beiram a cifra de US$ 500 milhões (isso mesmo!). Não fosse conhecido o potencial brilhante deste cineasta, iríamos pensar que tudo isso iria resultar em um enorme constrangimento, um fracasso de proporções tão grandes quanto seu custo. Mas todos sabíamos do que Cameron é capaz. E este fato só ajudava a aumentar a expectativa. Segundo enormemente divulgado, uma revolução estava por vir nas telas cinema.

E eis que agora temos o resultado. E ele atende a tanta expectativa? Para responder a esta pergunta, faz-se necessário entender a concepção que o diretor tem de cinema e, também, aquela que você próprio, leitor(a), tem sobre a 7ª arte. Diretores como Cameron partem do pressuposto de que o cinema, antes de tudo, é a arte da imagem. Para este cineastas, a trama deve ser narrada, antes de tudo, pela forma imagética. Diálogos são necessários? Sim. Mas, antes de tudo, é necessário mostrar o que acontece. Não se deve confundir cinema com teatro. Eu mesmo me coaduno com esta forma de pensar, muito embora reconheça que existem ótimos filmes bastante verborrágicos (adoro Woody Allen e nos seus filmes o que não falta são diálogos enormes). Vale dizer que Cameron não está sozinho na sua concepção. Gênios absolutos como Alfred Hitchcock e Charles Chaplin (que durante muito tempo relutou em deixar o cinema mudo) também faziam da imagem a sua grande arte. E este é o ponto que fará você saber que o longa atende ou não ao que esperava.

Confesso que, pelo menos a mim, atendeu apenas em parte. De fato, o filme leva a arte gráfica do cinema para outros patamares e a grande ambição de vários outros realizadores de agora em diante será atingir esse nível de excelência. Tudo para narrar uma trama em que o planeta Pandora, dotado de uma natureza exuberante, tem seu equilíbrio ameaçado pela chegada dos humanos, os quais já esgotaram tudo que a Terra tinha a oferecer e descobriram no planeta um mineral capaz de produzir uma enorme energia, o unobtnanium (um único quilo deste minério pode custar 20 milhões de dólares). Contudo, os humanos terão de enfrentar a resistência dos Na’Vi, humanóides locais azuis com cerca de três metros de altura. Um povo que vive em perfeita integração com a natureza, a quem denominam de “Eywa”, inclusive possuindo formas físicas de se conectarem a outros seres vivos (tentáculos existentes em suas longas tranças). Os cientistas, liderados pela Dra. Grace (Sigourney Weaver, voltando a trabalhar com Cameron depois de “Aliens”), que estudam a natureza de Pandora, buscam também entender a cultura dos Na’Vi, buscando evitar que a violência e a brutalidade sejam usadas para avançar na exploração do minério. Para tanto, eles desenvolveram os avatares, reproduções dos corpos dos Na’Vi que misturam DNA alienígena e humano e podem ser controlados pelo cérebro (numa forma de integração que lembra bastante as experiências virtuais de “Matrix”). Entre os integrantes do grupo de mercenários contratados pelas empresas exploradoras está Jake Sully (Sam Worthington, competente), um ex-fuzileiro naval, agora paraplégico, que vê uma nova oportunidade nesse projeto dos avatares. Na pele de um avatar, ele conhece e se apaixona por Neyriti (Zöe Saldana), uma guerreira Na’Vi, passando a entrar em contato com a cultura e forma de enxergar a vida desse povo.

Com se vê, a trama não tem nada de muito original. Trata-se de uma mistura de “Dança com Lobos”, "Pocahontas" e “Matrix” ambientada em um planeta distante. Mas esse não é o principal problema. Afinal, críticas ao imperialismo e arrogância das grandes potências são sempre bem-vindas. Ademais, o filme possui um óbvio contexto ecológico que, nesses tempos de total fracasso de conferências sobre o clima, como esta de Copenhague, torna-se bastante pertinente. Entretanto, ele se faz tão repleto de clichês que acaba tudo resultando numa previsibilidade que redunda numa perda de força do conjunto. Em vários momentos da projeção, já imaginamos como será o seu final e a confirmação do que imaginamos antecipadamente é decepcionante, principalmente ao percebermos que em alguns momentos Cameron tem a oportunidade de fugir desses esquematismos, mas não o faz. Claro que se pode realizar uma trama com clichês e ainda assim render um filme excelente. O próprio Cameron deu provas disso com o seu “Titanic”. Contudo, o filme do naufrágio mais famoso de todos os tempos contava com dois grandes atores como protagonistas e isso já faz uma sensível diferença em um texto limitado. É importante mencionar ainda que “Titanic”possuía uma tragédia inevitável que só aumentava a angústia da plateia com relação ao destino dos protagonistas. Aqui, por mais que a tecnologia tenha conferido aos Na’Vi proporções de realidade nunca dantes vistas, mesmo que você veja numa sala 3D (que foi o meu caso, sendo a minha primeira oportunidade com essa tecnologia), ainda assim temos a sensação de estar observando algo que não é real. E a verdade é que isso pode causar um certo distanciamento e falta de identificação com os personagens.

Mas há elementos que realmente impressionam. Se os personagens ainda precisam evoluir mais para fazer o espectador esquecer que eles não são reais, a natureza criada por Cameron em parceria com a Weta de Peter Jackson é algo de arrepiar. Eles conseguiram simplesmente conceber todo um belíssimo ecossistema e muitas vezes é possível acreditar que estamos vendo árvores e insetos de verdade. Um deslumbre tecnológico que possivelmente, quando se tornar mais acessível financeiramente, será utilizado para substituir externas e viagens desgastantes para locações complicadas em florestas reais. Mostra-se que, realmente, tudo é possível de se fazer através da sétima arte. E a demonstração de que não há limites para o cinema é o grande feito de Cameron neste longa. Ele demonstra, ademais, que o cinema vai conseguir se recuperar do baque provocado pela pirataria e downloads ilegais ao conceber filmes que só podem ser apreciados em sua inteireza dentro de uma sala de projeção.

Por outro lado, Cameron volta a dar demonstrações de que é, possivelmente, o melhor diretor de cenas de ação em atividade no cinema. E ver longas sequências repletas de elementos, mas em que ao mesmo tempo conseguimos vislumbrar tudo o que acontece na tela, é um alívio diante dos lixos visuais de um Michael Bay.

Assim, num balanço entre deslumbre técnico e problemas de roteiro, posso afirmar que vejo em “Avatar” um ótimo filme, mas ainda aquém de todas as expectativas que foram criadas em torno dele. Todavia, imagino que Cameron poderá superá-lo em uma próxima investida, levando os espectadores a, além de se deslumbrarem com as imagens, se emocionarem com a narrativa mostrada, tal como aconteceu em “Titanic”. Só espero que ele não leve mais 10 anos para fazer isso. E se o filme é ou não é uma revolução, creio que só o tempo poderá afirmar.

Cotação: * * * * (quatro estrelas)
Nota: 9,0

Herbert de Perto

Vida e Apredizado

Se você viveu os anos 80 deve guardar com muito carinho as memórias da três bandas mais representativas do período em que ocorreu a grande explosão do rock nacional. Eram elas a Legião Urbana, os Titãs e os Paralamas do Sucesso. A primeira era a banda que aglutinava multidões em torno da aura messiânica de Renato Russo, o grande porta-voz da geração 80, aquele que soube traduzir melhor em canções as esperanças, angústias e frustrações dos jovens do seu tempo (e talvez de qualquer tempo). Já os Titãs desenvolveram um rock mais pesado e de grande contestação social, atuando como uma espécie de metralhadora giratória (a polícia, as religiões, a televisão: tudo foi alvo da língua ferina de seus integrantes). E os Paralamas formavam a banda com o tom mais leve que, embora não abandonasse a crítica social, explorava o lado mais leve e romântico da juventude e, principalmente, constituía o grupo com maior virtuosismo musical. Os três integrantes estão entre os melhores do Brasil em seus respectivos instrumentos. Contando com esse talento, os Paralamas souberam fazer uma ótima fusão entre rock, música brasileira e jamaicana, sob influência de grupos como o Clash, precursor deste tipo de trabalho com seu álbum “London Calling” (e, diga-se de passagem, pelo menos aos meus ouvidos, os Paralamas sempre soaram melhores que o Clash). E é na figura mais conhecida dos Paralamas do Sucesso, Herbert Vianna, que é centrado este documentário dirigido e roteirizado por Pedro Bronz e Roberto Berliner.

A primeira boa ideia deste longa-metragem é contrapor momentos de passado e presente do famoso cantor e compositor. Uma das primeiras imagens, em que Herbert, ainda nos seus vinte e poucos anos, dá declarações presunçosas e imaturas é logo confrontada com outra, em que o Herbert maduro assiste a tal entrevista e logo exclama: “que é que esse cara tá falando?”. São baseados nessa contraposição que os diretores vão construindo o caleidoscópio que nos possibilita entender a história e a pessoa de um dos músicos mais importantes dos anos 80. Passamos pela sua infância, em que o pequeno Herbert já mostrava um talento diferenciado para tocar violão. Em seguida, vemos o mesmo, já na cadeira de rodas pós-acidente, tocando no seu primeiro violão, o qual guarda com carinho até hoje. É assim que sua vida é mostrada.

Passamos também pelos depoimentos dos parentes e amigos (obviamente com muitas falas de seus parceiros Bi Ribeiro e João Barone) sobre o compositor, recurso sempre necessário a um documentário sobre um personagem específico. E vamos descobrindo que os Paralamas, ao contrário do que muita gente pensa, não foi uma banda formada em Brasília, mas no Rio de Janeiro. Também vamos vislumbrando os elementos que compunham o cenário musical da época: a explosão da Blitz, que possibilitou e estimulou as gravadoras a investirem no pop-rock brasileiro; a importância de espaços como o Circo Voador, no Rio de Janeiro, verdadeiro objetivo de qualquer banda iniciante (“meu sonho era tocar no Circo Voador”, diz Herbert em certa passagem); e a grande explosão no Rock In Rio, show que acabou levando a banda a excursões em que chegava a realizar dois shows na mesma noite. Os aspectos mais pessoais também foram merecedores de fortes tintas, mostrando seu envolvimento e casamento com Lucy Needham, mãe de seus filhos e falecida no acidente com o aeroplano pilotado pelo próprio Vianna. Neste momento, vale dizer, os realizadores pegam uma veia emocional que deve sensibilizar a todos, sejam ou não fãs. O depoimento de Dado Villa-Lobos sobre as circunstâncias do acidente é mesmo consternador.

Contudo, numa visão mais atenta, percebe-se que o longa não é apenas sobre o líder de uma banda de rock ou sobre um momento musical de determinada época. Há muito no documentário sobre o amadurecimento do personagem, mostrando que o mesmo soube aprender com os tropeços da vida. O que, por extensão, mostra o quanto o ser humano pode evoluir e se adaptar às mais diversas possibilidades e dificuldades. Em determinado momento, um dos depoentes menciona que quase todas as músicas de Herbert tratam de seu amadurecimento, do constante evoluir, das novas perspectivas que vida traz a cada momento. Há verdade nisso, assim como há muita verdade neste “Herbert de Perto” (embora possa-se acusá-lo de ser “chapa branca” até certo ponto), película obrigatória não apenas para os fãs da banda ou do rock oitentista, mas para todos aqueles que desejem acompanhar uma bela trajetória de vida.


Cotação: * * * * (quatro estrelas)
Nota: 9,0

Globo de Ouro 2010 - Indicados

Saiu hoje a lista do indicados ao Globo de Ouro 2010, sua 67ª edição. Seguindo a tendência já mostrada pela Associação de Críticos de Nova York, o filme que recebeu o maior número de indicações foi "Amor Sem Escalas", protagonizado por George Clooney e dirigido por Jason Reitman (de "Juno"), sendo 6 ao todo. Outros Que tiveram boas indicações foram "Invictus", o novo de Clint Eastwood (incluindo melhor diretor e melhor ator dramático e ator coadjuvante: Morgan Freeman e Matt Damon) e "Bastardos Inglórios" (lembrado em ator coadjuvante, filme-drama e diretor), além de "Nine", o tal remake musical de "8 1/2" (calafrios...), com 5 indicações (incluindo atriz coadjuvante para Penélope Cruz). Confiram a lista abaixo. Estou com preguiça de comentar, pois ando muito cansado e sem tempo. E não me encham o saco perguntando sobre as indicações para TV, pelamordeDeus... Ah, a entrega do prêmio acontece em 17 de janeiro.

Melhor atriz coadjuvante

* Mo-Nique, por Preciosa
* Julianne Moore, por A Single Man
* Anna Kendrick, por Amor sem Escalas
* Vera Farmiga, por Amor sem Escalas
* Penelope Cruz, por Nine

Melhor ator coadjuvante

* Matt Damon, por Invictus
* Stanley Tucci, por Uma Olhar do Paraíso
* Christopher Plummer, por The Last Station
* Christopher Waltz, por Bastardos Inglórios
* Woody Harrelson, por The Messenger

Melhor filme animado

* Coraline e o Mundo Secreto
* O Fantástico Sr. Raposo
* Tá Chovendo Hambúrguer
* A Princesa e o Sapo
* Up - Altas Aventuras
Melhor filme estrangeiro
* Baaria
* Abraços Partidos
* The Prophet
* The White Ribbon
* The Maid

Melhor canção original

* "I Will See You" (Avatar)
* "The Weary Kind" (The Crazy Heart)
* "Winter" (Entre Irmãos)
* "Cinema Italiano" (Nine)
* "I Want to Come Home" (Simplesmente Complicado)

Melhor trilha sonora

* Michael Giacchino, por Up - Altas Aventuras
* Marvin Hamlisch, por O Desinformante!
* James Horner, por Avatar
* Abel Krozeniowski, por A Single Man
* Karen O. e Carter Burwell, por Onde Vivem os Monstros
Melhor ator em comédia ou musical

* Matt Damon, por O Desinformante!
* Daniel Day Lewis, por Nine
* Robert Downey Jr., por Sherlock Holmes
* Joseph Gordon Levitt, por 500 Dias com Ela
* Michael Stuhlbar, por A Serious Man

Melhor atriz em comédia ou musical

* Sandra Bullock, por A Proposta
* Marion Cotillard, por Nine
* Julia Roberts, por Duplicidade
* Meryl Streep, por Simplesmente Complicado
* Meryl Streep, por Julie e Julia
Melhor ator em drama

* Jeff Bridges, por A Crazy Heart
* George Clooney, por Amor sem Escalas
* Colin Firth, por A Single Man
* Morgan Freeman, por Invictus
* Tobey Maguire, por Entre Irmãos
Melhor atriz em drama

* Emily Blunt, por The Young Victoria
* Sandra Bullock, por The Blind Side
* Helen Mirren, por The Last Station
* Carey Mulligan, por Educação
* Gabire Sadibe, por Preciosa
Melhor comédia ou musical

* 500 Dias Com Ela
* Se Beber, Não Case
* Simplesmente Compicado
* Julie e Julia
* Nine

Melhor filme dramático

* Avatar
* Guerra ao Terror
* Bastardos Inglórios
* Preciosa
* Amor sem Escalas

Melhor diretor

* Kathryn Bigelow, por Guerra ao Terror
* James Cameron, por Avatar
* Clint Eastwood, por Invictus
* Jason Reitman, por Amor Sem Escalas
* Quentin Tarantino, Bastardos Inglórios

A Princesa e o Sapo

Reciclagem Divertida

Quando os estúdios Pixar lançaram, em 1995, a animação “Toy Story”, uma polêmica começou a tomar conta das rodas de discussão voltadas para a arte e o entretenimento. Os mais puristas torciam o nariz para a nova forma de confeccionar animações trazidas pelos estúdios de John Lasseter. Nela, o emprego da tecnologia digital era completo, sendo todo o processo de elaboração realizado por computadores, e não apenas algumas etapas de finalização, como acontecia com as animações da Disney. Alegavam os puristas que isso diminuía o valor artístico da obra, já que a elaboração artesanal da mesma, por si só, já agregaria um valor que não estaria presente nos desenhos criados por meio de pixels. Os adeptos da nova tecnologia argumentavam com as novas e quase infinitas possibilidades que se vislumbravam, principalmente com o maior realismo que cada cena poderia ter, além de efeitos especiais nunca dantes vistos.

Com o passar do tempo, a discussão mostrou-se estéril. Se a companhia de Lasseter conseguia cada vez mais aumentar suas bilheterias e o respaldo da crítica com tramas divertidas e inteligentes, além de cativar o público com a emoção, o japonês Hayo Miyasaki continuava deslumbrando o mundo com suas obras de arte geradas no modelo artesanal de animação (um exemplo já clássico é “A Viagem de Chihiro”). O que estava ficando claro é que a Disney estava passando por uma crise criativa, incapaz de produzir longas que acertassem no humor característico das novas gerações ou atingissem aquele status de arte tão característico dos filmes de Miyasaki. Com os sucessivos tombos, a Casa do Mickey adotou o procedimento mais típico do capitalismo moderno: se não pode vencer o inimigo, compre-o. E assim, colocou a Pixar como mais uma subsidiária do seu enorme conglomerado, assumindo John Lasseter a função de diretor criativo não apenas do estúdio que criou, mas de toda a divisão de animações da Disney.

E Lasseter mostra, com este a “A Princesa e o Sapo” (em que atua como produtor executivo), que, realmente, o mais importante não é a forma, mas o conteúdo da obra levada às telas. Trata-se da primeira produção da Disney em anos no formato artesanal e, ademais, retoma ainda um dos seus temas mais gratos: o conto de fadas envolvendo príncipe e princesa. Todos conhecemos as mais clássicas animações do estúdio que, aproveitando contos já famosos, passaram a fazer, de forma irremediável, parte do inconsciente coletivo. Afinal, qual a menina que nunca se encantou com a estória de “Cinderela” ou de “A Branca de Neve”? Mesmo nos tempos modernos, com a toda revolução feminina, estes mitos continuam poderosíssimos, mesmo que muitas mulheres não percebam e até neguem isso. Contudo, o que torna “A Princesa e o Sapo” uma animação a ser vista é atualização empreendida por seus mentores a este mito do príncipe-princesa-que-vivem-felizes-para-sempre.

Antes de mais nada, Tiana, a tal princesa do título, não faz o padrão de garota que tem como grande objetivo na vida encontrar o “príncipe encantado”. Seu grande objetivo é realizar o sonho de seu pai e abrir um restaurante de fina gastronomia. Para tanto, trabalha arduamente, de sol a sol, nunca saindo com os amigos para se divertir, nem muito menos namorar. Por seu turno, Naveen, o príncipe que foi transformado em sapo, encontra-se também um pouco distante dos príncipes das antigas lendas, sempre virtuosos e destemidos. Ele faz o estilo playboy, que nunca trabalhou para sobreviver, preocupado apenas com festas e namoradas. Entretanto, seu pai lhe corta a mesada e, para não ser forçado a trabalhar, ele tem de encontrar uma rica solteira para se casar. Outro fator de inovação é a ambientação. Saem os castelos e vielas medievais de outras eras e entram as ruas de Nova Orleans, a boêmia cidade americana onde surgiu o jazz, a única onde se comemora o carnaval (muito embora de uma forma um tanto distinta da brasileira). A própria cultura da cidade serve de mote para o desenrolar da trama, uma vez que é um feiticeiro vodu o responsável por transformar Naveen em um sapo, feitiço que só poderá ser quebrado se ele for beijado por uma princesa. Tiana acaba beijando o príncipe anfíbio, só que, como não é princesa, ela acaba também se transformando em um anfíbio. É a partir disso que os dois vão, juntos, tentar desfazer o encantamento.

Os diretores John Musker e Ron Clements tiveram, a partir de então, a sacada de utilizar o velho artifício das comédias românticas, o casal que se detesta e depois acaba se amando, para desenvolver a trama (que teve roteiro dos próprios diretores juntamente com Rob Edwards). E isso, dentro de um contexto de conto de fadas, soa inusitado e não apenas repetitivo, como no acima mencionado gênero. O uso de coadjuvantes saídos da cultura e ambiente de Nova Orleans, como o crocodilo trompetista Louis (numa clara homenagem a Louis Armstrong), também é uma boa ideia, ajudando no clima leve e divertido do longa. A utilização de uma trilha sonora de tom bastante jazzístico é uma ótima sacada, distanciando esta animação do clima choroso e meloso das trilhas sonoras de filmes anteriores da Disney.

O resultado final aparece como uma renovação para uma ideia já batida e, principalmente, mostra que o essencial não está na forma, mas na essência do que é mostrado. Não foram as animações de estilo clássico e artesanal que se tornaram ultrapassadas, mas a ideias da Disney que estavam distantes de um novo público. Aqui, tal como acontece nos longas característicos da Pixar, não apenas os pequenos, mas também os mais velhos poderão ser fisgados. E o conto de fadas de princesas e príncipes mostra-se perfeitamente reciclado e divertido. Não há história que ainda não tenha sido contada. O que existe são formas batidas de se contar essas histórias. Felizmente, aqui os estúdios Disney não voltaram a incorrer neste erro.


Cotação: * * * ½ (três estrelas e meia)
Nota: 8,5

Floriano Bezerra de Araújo - Uma vida de lutas agora em livro

Pausa no cinema.

Nesta quarta-feira, dia 09 de dezembro de 2009, Floriano Bezerra de Araújo, a quem posso orgulhosamente chamar de avô, lançará o seu livro de memórias "Minhas Tamataranas: Linhas Amarelas", na livraria Siciliano do Midway Mall, às 19h! Todos estão desde já convidados.

Não é por ser meu avô, mas Floriano é o ser humano mais íntegro que conheço! Um homem dotado de um espírito altruísta, sempre consequente nos seus atos e pensamentos. Parafraseando a nossa atual ministra da casa civil, um homem que mentiu sob tortura. E só os verdadeiros e dignos seres humanos são capazes disso. Um homem que sempre caminhou em uma estrada reta, sem dúvidas de que o caminho a seguir era sempre o da honestidade, solidariedade e altruísmo!

Saiba, Floriano, que o senhor atingiu aquela que deveria ser a maior ambição de qualquer ser humano: tornar-se um exemplo. Saiba que o maior desejo desse seu neto é seguir estes caminhos de retidão e caráter que foram o norte de sua vida. E saiba que a realização deste seu sonho é a realização de toda a nossa família!

Um grande abraço!

Ah, imagino que Dona Quinquinha está sorrindo em algum lugar neste momento... ;=)

Atividade Paranormal

Mais um do cine-youtube

Na minha resenha sobre “Distrito 9”, mencionei que esta produção de ficção-científica tinha seu estilo inspirado em algumas obras recentes do gênero terror, as quais usavam um fórmula similar a um documentário para envolver o espectador e trazer novos ares para o susto. O precursor desta tendência foi “A Bruxa de Blair”, tendo continuidade em filmes como “[Rec]” e, agora, este “Atividade Paranormal”. O que se pode constatar, contudo, é que a fórmula já está se tornando desgastada e cada vez mais não me agrada.

Não agrada porque acredito ser essencial a um filme de horror todo aquele clima macabro que nos é dado não apenas por efeitos especiais competentes, mas também por uma direção segura que sabe utilizar os vários outros elementos da arte cinematográfica em prol deste intento. A trilha sonora, por sinal, é um destes elementos fundamentais e que se torna ausente nestes filmes “vídeo-verdade”. Alguns podem afirmar que isso é questão de gosto. Talvez seja, mas garanto que quem assim pensa não deve ter visto “O Iluminado”, o clássico de Stanley Kubrick que possivelmente é o filme mais assustador de todos os tempos.

Outro aspecto verdadeiro é que os filmes vídeo-verdade se escoram muito em campanhas massivas de marketing para se tornarem grandes bilheterias e “Atividade Paranormal” se tornou o grande exemplo disso. Dirigido e roterizado pelo amador Oren Peli, que se baseou em experiências próprias ao se mudar para uma casa em que eventos estranhos aconteciam, o longa custou a quantia ínfima de 15 mil dólares e já arrecadou cerca de 120 milhões de verdinhas apenas nos Estados Unidos, tornando-se provavelmente o filme mais lucrativo da história. Mas, provavelmente, isso nunca teria acontecido não fosse a participação de um padrinho muito forte na jogada. O longa vinha sendo exibido dentro do circuito alternativo, em festivais de cinema independente ou voltados especificamente ao gênero, quando caiu nas mãos de ninguém menos que Steven Spielberg. Obviamente, Spielberg percebeu todo o potencial pop do que tinha em mãos e logo se encarregou de promover uma ampla distribuição no circuito comercial. De antemão, encarregou-se de proferir comentários que deixariam qualquer um curioso, pois afirmou que tinha começado a ver o filme à noite em casa, teve muito medo e só concluiu na manhã seguinte. Também se encarregou de dar seus pitacos ao sugerir que o final fosse alterado e que a ordem de algumas seqüências fosse trocada (o que, por sinal, já deixa entrever que o orçamento da versão final que está nos cinemas deve ser bem maior que os tais 15 mil dólares). E o estúdio Paramount realizou um muito bem bolado trailer que se tornou sucesso no mundo virtual.

Entretanto, mesmo o melhor marketing não é capaz de produzir medo ou grandes sustos. A narrativa dos malassombros vividos por Katie e Micah (vividos pelos atores homônimos Katie Featherston e Micah Sloat, amigos do diretor, sendo ela especialmente boa atriz) assusta em alguns momentos, é verdade. Contudo, possui uma primeira metade bastante aborrecida, onde sobram conversas e faltam assombrações. A espera do público para que aconteça algo de realmente relevante é longa e isso complica o envolvimento do espectador. Ademais, algumas das ideias usadas no longa são tão claramente retiradas de outras produções que nos faz sempre ficar com a sensação de “dejá vu”. A encenação totalmente baseada na perspectiva da câmera usada por um dos protagonistas é o fio condutor do mencionado “[Rec]” (posteriormente refilmado em Hollywood com o título de “Quarentena”), só que este último tinha a justificativa plausível de toda narrativa mostrada estar sendo exibida em um programa de TV. Em “Atividade”, tal perspectiva soa falsa, já que a partir de determinado momento não haveria mais motivo para Micah continuar filmando e carregando sua câmera o tempo todo pra cima e pra baixo (a personagem de Katie em alguns momentos reclama disso e eu concordo: que cara chato!).

Recentemente, tivemos nas telas uma amostra de terror em sua versão mais clássica, o longa “Arraste-me Para o Inferno”, o retorno de Sam Raimi à suas origens com resultados muito mais assustadores do que este cine-youtube em questão. Lamentavelmente, com resultados em bilheteria muito mais modestos. O que demonstra que, para as grandes massas, até o medo agora é resultado de campanhas de marketing bem realizadas. Não há mesmo nada mais irritante que o capitalismo...

Cotação: * * ½ (duas estrelas e meia)
Nota: 6,5