Globo de Ouro 2010 - Indicados

Saiu hoje a lista do indicados ao Globo de Ouro 2010, sua 67ª edição. Seguindo a tendência já mostrada pela Associação de Críticos de Nova York, o filme que recebeu o maior número de indicações foi "Amor Sem Escalas", protagonizado por George Clooney e dirigido por Jason Reitman (de "Juno"), sendo 6 ao todo. Outros Que tiveram boas indicações foram "Invictus", o novo de Clint Eastwood (incluindo melhor diretor e melhor ator dramático e ator coadjuvante: Morgan Freeman e Matt Damon) e "Bastardos Inglórios" (lembrado em ator coadjuvante, filme-drama e diretor), além de "Nine", o tal remake musical de "8 1/2" (calafrios...), com 5 indicações (incluindo atriz coadjuvante para Penélope Cruz). Confiram a lista abaixo. Estou com preguiça de comentar, pois ando muito cansado e sem tempo. E não me encham o saco perguntando sobre as indicações para TV, pelamordeDeus... Ah, a entrega do prêmio acontece em 17 de janeiro.

Melhor atriz coadjuvante

* Mo-Nique, por Preciosa
* Julianne Moore, por A Single Man
* Anna Kendrick, por Amor sem Escalas
* Vera Farmiga, por Amor sem Escalas
* Penelope Cruz, por Nine

Melhor ator coadjuvante

* Matt Damon, por Invictus
* Stanley Tucci, por Uma Olhar do Paraíso
* Christopher Plummer, por The Last Station
* Christopher Waltz, por Bastardos Inglórios
* Woody Harrelson, por The Messenger

Melhor filme animado

* Coraline e o Mundo Secreto
* O Fantástico Sr. Raposo
* Tá Chovendo Hambúrguer
* A Princesa e o Sapo
* Up - Altas Aventuras
Melhor filme estrangeiro
* Baaria
* Abraços Partidos
* The Prophet
* The White Ribbon
* The Maid

Melhor canção original

* "I Will See You" (Avatar)
* "The Weary Kind" (The Crazy Heart)
* "Winter" (Entre Irmãos)
* "Cinema Italiano" (Nine)
* "I Want to Come Home" (Simplesmente Complicado)

Melhor trilha sonora

* Michael Giacchino, por Up - Altas Aventuras
* Marvin Hamlisch, por O Desinformante!
* James Horner, por Avatar
* Abel Krozeniowski, por A Single Man
* Karen O. e Carter Burwell, por Onde Vivem os Monstros
Melhor ator em comédia ou musical

* Matt Damon, por O Desinformante!
* Daniel Day Lewis, por Nine
* Robert Downey Jr., por Sherlock Holmes
* Joseph Gordon Levitt, por 500 Dias com Ela
* Michael Stuhlbar, por A Serious Man

Melhor atriz em comédia ou musical

* Sandra Bullock, por A Proposta
* Marion Cotillard, por Nine
* Julia Roberts, por Duplicidade
* Meryl Streep, por Simplesmente Complicado
* Meryl Streep, por Julie e Julia
Melhor ator em drama

* Jeff Bridges, por A Crazy Heart
* George Clooney, por Amor sem Escalas
* Colin Firth, por A Single Man
* Morgan Freeman, por Invictus
* Tobey Maguire, por Entre Irmãos
Melhor atriz em drama

* Emily Blunt, por The Young Victoria
* Sandra Bullock, por The Blind Side
* Helen Mirren, por The Last Station
* Carey Mulligan, por Educação
* Gabire Sadibe, por Preciosa
Melhor comédia ou musical

* 500 Dias Com Ela
* Se Beber, Não Case
* Simplesmente Compicado
* Julie e Julia
* Nine

Melhor filme dramático

* Avatar
* Guerra ao Terror
* Bastardos Inglórios
* Preciosa
* Amor sem Escalas

Melhor diretor

* Kathryn Bigelow, por Guerra ao Terror
* James Cameron, por Avatar
* Clint Eastwood, por Invictus
* Jason Reitman, por Amor Sem Escalas
* Quentin Tarantino, Bastardos Inglórios

A Princesa e o Sapo

Reciclagem Divertida

Quando os estúdios Pixar lançaram, em 1995, a animação “Toy Story”, uma polêmica começou a tomar conta das rodas de discussão voltadas para a arte e o entretenimento. Os mais puristas torciam o nariz para a nova forma de confeccionar animações trazidas pelos estúdios de John Lasseter. Nela, o emprego da tecnologia digital era completo, sendo todo o processo de elaboração realizado por computadores, e não apenas algumas etapas de finalização, como acontecia com as animações da Disney. Alegavam os puristas que isso diminuía o valor artístico da obra, já que a elaboração artesanal da mesma, por si só, já agregaria um valor que não estaria presente nos desenhos criados por meio de pixels. Os adeptos da nova tecnologia argumentavam com as novas e quase infinitas possibilidades que se vislumbravam, principalmente com o maior realismo que cada cena poderia ter, além de efeitos especiais nunca dantes vistos.

Com o passar do tempo, a discussão mostrou-se estéril. Se a companhia de Lasseter conseguia cada vez mais aumentar suas bilheterias e o respaldo da crítica com tramas divertidas e inteligentes, além de cativar o público com a emoção, o japonês Hayo Miyasaki continuava deslumbrando o mundo com suas obras de arte geradas no modelo artesanal de animação (um exemplo já clássico é “A Viagem de Chihiro”). O que estava ficando claro é que a Disney estava passando por uma crise criativa, incapaz de produzir longas que acertassem no humor característico das novas gerações ou atingissem aquele status de arte tão característico dos filmes de Miyasaki. Com os sucessivos tombos, a Casa do Mickey adotou o procedimento mais típico do capitalismo moderno: se não pode vencer o inimigo, compre-o. E assim, colocou a Pixar como mais uma subsidiária do seu enorme conglomerado, assumindo John Lasseter a função de diretor criativo não apenas do estúdio que criou, mas de toda a divisão de animações da Disney.

E Lasseter mostra, com este a “A Princesa e o Sapo” (em que atua como produtor executivo), que, realmente, o mais importante não é a forma, mas o conteúdo da obra levada às telas. Trata-se da primeira produção da Disney em anos no formato artesanal e, ademais, retoma ainda um dos seus temas mais gratos: o conto de fadas envolvendo príncipe e princesa. Todos conhecemos as mais clássicas animações do estúdio que, aproveitando contos já famosos, passaram a fazer, de forma irremediável, parte do inconsciente coletivo. Afinal, qual a menina que nunca se encantou com a estória de “Cinderela” ou de “A Branca de Neve”? Mesmo nos tempos modernos, com a toda revolução feminina, estes mitos continuam poderosíssimos, mesmo que muitas mulheres não percebam e até neguem isso. Contudo, o que torna “A Princesa e o Sapo” uma animação a ser vista é atualização empreendida por seus mentores a este mito do príncipe-princesa-que-vivem-felizes-para-sempre.

Antes de mais nada, Tiana, a tal princesa do título, não faz o padrão de garota que tem como grande objetivo na vida encontrar o “príncipe encantado”. Seu grande objetivo é realizar o sonho de seu pai e abrir um restaurante de fina gastronomia. Para tanto, trabalha arduamente, de sol a sol, nunca saindo com os amigos para se divertir, nem muito menos namorar. Por seu turno, Naveen, o príncipe que foi transformado em sapo, encontra-se também um pouco distante dos príncipes das antigas lendas, sempre virtuosos e destemidos. Ele faz o estilo playboy, que nunca trabalhou para sobreviver, preocupado apenas com festas e namoradas. Entretanto, seu pai lhe corta a mesada e, para não ser forçado a trabalhar, ele tem de encontrar uma rica solteira para se casar. Outro fator de inovação é a ambientação. Saem os castelos e vielas medievais de outras eras e entram as ruas de Nova Orleans, a boêmia cidade americana onde surgiu o jazz, a única onde se comemora o carnaval (muito embora de uma forma um tanto distinta da brasileira). A própria cultura da cidade serve de mote para o desenrolar da trama, uma vez que é um feiticeiro vodu o responsável por transformar Naveen em um sapo, feitiço que só poderá ser quebrado se ele for beijado por uma princesa. Tiana acaba beijando o príncipe anfíbio, só que, como não é princesa, ela acaba também se transformando em um anfíbio. É a partir disso que os dois vão, juntos, tentar desfazer o encantamento.

Os diretores John Musker e Ron Clements tiveram, a partir de então, a sacada de utilizar o velho artifício das comédias românticas, o casal que se detesta e depois acaba se amando, para desenvolver a trama (que teve roteiro dos próprios diretores juntamente com Rob Edwards). E isso, dentro de um contexto de conto de fadas, soa inusitado e não apenas repetitivo, como no acima mencionado gênero. O uso de coadjuvantes saídos da cultura e ambiente de Nova Orleans, como o crocodilo trompetista Louis (numa clara homenagem a Louis Armstrong), também é uma boa ideia, ajudando no clima leve e divertido do longa. A utilização de uma trilha sonora de tom bastante jazzístico é uma ótima sacada, distanciando esta animação do clima choroso e meloso das trilhas sonoras de filmes anteriores da Disney.

O resultado final aparece como uma renovação para uma ideia já batida e, principalmente, mostra que o essencial não está na forma, mas na essência do que é mostrado. Não foram as animações de estilo clássico e artesanal que se tornaram ultrapassadas, mas a ideias da Disney que estavam distantes de um novo público. Aqui, tal como acontece nos longas característicos da Pixar, não apenas os pequenos, mas também os mais velhos poderão ser fisgados. E o conto de fadas de princesas e príncipes mostra-se perfeitamente reciclado e divertido. Não há história que ainda não tenha sido contada. O que existe são formas batidas de se contar essas histórias. Felizmente, aqui os estúdios Disney não voltaram a incorrer neste erro.


Cotação: * * * ½ (três estrelas e meia)
Nota: 8,5

Floriano Bezerra de Araújo - Uma vida de lutas agora em livro

Pausa no cinema.

Nesta quarta-feira, dia 09 de dezembro de 2009, Floriano Bezerra de Araújo, a quem posso orgulhosamente chamar de avô, lançará o seu livro de memórias "Minhas Tamataranas: Linhas Amarelas", na livraria Siciliano do Midway Mall, às 19h! Todos estão desde já convidados.

Não é por ser meu avô, mas Floriano é o ser humano mais íntegro que conheço! Um homem dotado de um espírito altruísta, sempre consequente nos seus atos e pensamentos. Parafraseando a nossa atual ministra da casa civil, um homem que mentiu sob tortura. E só os verdadeiros e dignos seres humanos são capazes disso. Um homem que sempre caminhou em uma estrada reta, sem dúvidas de que o caminho a seguir era sempre o da honestidade, solidariedade e altruísmo!

Saiba, Floriano, que o senhor atingiu aquela que deveria ser a maior ambição de qualquer ser humano: tornar-se um exemplo. Saiba que o maior desejo desse seu neto é seguir estes caminhos de retidão e caráter que foram o norte de sua vida. E saiba que a realização deste seu sonho é a realização de toda a nossa família!

Um grande abraço!

Ah, imagino que Dona Quinquinha está sorrindo em algum lugar neste momento... ;=)

Atividade Paranormal

Mais um do cine-youtube

Na minha resenha sobre “Distrito 9”, mencionei que esta produção de ficção-científica tinha seu estilo inspirado em algumas obras recentes do gênero terror, as quais usavam um fórmula similar a um documentário para envolver o espectador e trazer novos ares para o susto. O precursor desta tendência foi “A Bruxa de Blair”, tendo continuidade em filmes como “[Rec]” e, agora, este “Atividade Paranormal”. O que se pode constatar, contudo, é que a fórmula já está se tornando desgastada e cada vez mais não me agrada.

Não agrada porque acredito ser essencial a um filme de horror todo aquele clima macabro que nos é dado não apenas por efeitos especiais competentes, mas também por uma direção segura que sabe utilizar os vários outros elementos da arte cinematográfica em prol deste intento. A trilha sonora, por sinal, é um destes elementos fundamentais e que se torna ausente nestes filmes “vídeo-verdade”. Alguns podem afirmar que isso é questão de gosto. Talvez seja, mas garanto que quem assim pensa não deve ter visto “O Iluminado”, o clássico de Stanley Kubrick que possivelmente é o filme mais assustador de todos os tempos.

Outro aspecto verdadeiro é que os filmes vídeo-verdade se escoram muito em campanhas massivas de marketing para se tornarem grandes bilheterias e “Atividade Paranormal” se tornou o grande exemplo disso. Dirigido e roterizado pelo amador Oren Peli, que se baseou em experiências próprias ao se mudar para uma casa em que eventos estranhos aconteciam, o longa custou a quantia ínfima de 15 mil dólares e já arrecadou cerca de 120 milhões de verdinhas apenas nos Estados Unidos, tornando-se provavelmente o filme mais lucrativo da história. Mas, provavelmente, isso nunca teria acontecido não fosse a participação de um padrinho muito forte na jogada. O longa vinha sendo exibido dentro do circuito alternativo, em festivais de cinema independente ou voltados especificamente ao gênero, quando caiu nas mãos de ninguém menos que Steven Spielberg. Obviamente, Spielberg percebeu todo o potencial pop do que tinha em mãos e logo se encarregou de promover uma ampla distribuição no circuito comercial. De antemão, encarregou-se de proferir comentários que deixariam qualquer um curioso, pois afirmou que tinha começado a ver o filme à noite em casa, teve muito medo e só concluiu na manhã seguinte. Também se encarregou de dar seus pitacos ao sugerir que o final fosse alterado e que a ordem de algumas seqüências fosse trocada (o que, por sinal, já deixa entrever que o orçamento da versão final que está nos cinemas deve ser bem maior que os tais 15 mil dólares). E o estúdio Paramount realizou um muito bem bolado trailer que se tornou sucesso no mundo virtual.

Entretanto, mesmo o melhor marketing não é capaz de produzir medo ou grandes sustos. A narrativa dos malassombros vividos por Katie e Micah (vividos pelos atores homônimos Katie Featherston e Micah Sloat, amigos do diretor, sendo ela especialmente boa atriz) assusta em alguns momentos, é verdade. Contudo, possui uma primeira metade bastante aborrecida, onde sobram conversas e faltam assombrações. A espera do público para que aconteça algo de realmente relevante é longa e isso complica o envolvimento do espectador. Ademais, algumas das ideias usadas no longa são tão claramente retiradas de outras produções que nos faz sempre ficar com a sensação de “dejá vu”. A encenação totalmente baseada na perspectiva da câmera usada por um dos protagonistas é o fio condutor do mencionado “[Rec]” (posteriormente refilmado em Hollywood com o título de “Quarentena”), só que este último tinha a justificativa plausível de toda narrativa mostrada estar sendo exibida em um programa de TV. Em “Atividade”, tal perspectiva soa falsa, já que a partir de determinado momento não haveria mais motivo para Micah continuar filmando e carregando sua câmera o tempo todo pra cima e pra baixo (a personagem de Katie em alguns momentos reclama disso e eu concordo: que cara chato!).

Recentemente, tivemos nas telas uma amostra de terror em sua versão mais clássica, o longa “Arraste-me Para o Inferno”, o retorno de Sam Raimi à suas origens com resultados muito mais assustadores do que este cine-youtube em questão. Lamentavelmente, com resultados em bilheteria muito mais modestos. O que demonstra que, para as grandes massas, até o medo agora é resultado de campanhas de marketing bem realizadas. Não há mesmo nada mais irritante que o capitalismo...

Cotação: * * ½ (duas estrelas e meia)
Nota: 6,5

As prévias do Oscar começaram

Saiu o primeiro prêmio que serve de termômetro para o Oscar. Trata-se da premiação do National Board of Review, associação formada por 110 membros votantes, entre cinéfilos, acadêmicos, cineastas e estudantes de cinema da região metropolitana de Nova York. E o vencedor da láurea de melhor filme foi "Amor Sem Escalas" (Up In The Air), o novo filme de Jason Reitman, o diretor de "Juno", e estrelado por George Clooney e Vera Farmiga. O filme estreia no Brasil em fevereiro. Vendo a lista abaixo, você pode perceber também que mais uma vez Clint Eastwood está no páreo, já que recebeu o prêmio de melhor diretor pelo seu "Invictus". Bom ver também um filme como "(500) Dias Com Ela" figurando entre os melhores do ano. A largada já foi dada!

Melhor filme
Amor sem Escalas

Top 10 de Filmes (em ordem alfabética)
500 Dias com Ela, Bastardos Inglórios, Guerra ao Terror, Invictus, Onde Vivem os Monstros, Sedução, Star Trek, Um Homem Sério, Up - Altas Aventuras, The Messenger

Melhor filme em língua estrangeira
A Prophet (Un Prophète)
Top 5 de Filmes Estrangeiros (em ordem alfabética, em inglês)
The Maid, Revanche, Song of Sparrows, Three Monkeys, The White Ribbon

Melhor documentário
The Cove
Top 5 de Documentários (em ordem alfabética, em inglês)
Burma VJ: Reporting from a Closed Country, Crude, Food, Inc., Good Hair, The Most Dangerous Man in America: Daniel Ellsberg and the Pentagon Paper

Melhores filmes independentes (em ordem alfabética)
Amantes, Amreeka, Distrito 9, Goodbye Solo, O Dia da Transa, In the Loop, Julia, Me and Orson Welles, Moon, Sugar
Melhor Ator
George Clooney - Amor sem Escalas
Morgan Freeman - Invictus
Melhor Atriz
Carey Mulligan - Sedução

Melhor Ator Coadjuvante
Woody Harrelson - The Messenger

Melhor Atriz Coadjuvante
Anna Kendrick - Amor sem Escalas

Melhor Elenco
Simplesmente Complicado

Melhor Ator Novato
Jeremy Renner - Guerra ao Terror

Melhor Atriz Novata
Gabourey Sidibe - Precious
Melhor diretor estreante
Duncan Jones - Moon
Oren Moverman - The Messenger
Marc Webb - 500 Dias com Ela

Melhor Diretor
Clint Eastwood - Invictus
Melhor Roteiro Adaptado
Jason Reitman e Sheldon Turner - Amor sem Escalas
Melhor Roteiro Original
Joel e Ethan Coen - Um Homem Sério
Melhor Longa de Animação
Up - Altas Aventuras
Prêmio especial de conquista cinematográfica
Wes Anderson - O Fantástico Sr. Raposo
Prêmio William K. Everson por história no cinema
Jean Picker Firstenberg
Liberdade de expressão
Burma VJ: Reporting from a Closed Country
Invictus
The Most Dangerous Man in America: Daniel Ellsberg and the Pentagon Paper

Eu quero esse pôster # 4

"Nine", a refilmagem em formato musical de "8 1/2", uma das obras magistrais de Federico Fellini (confira aqui mais detalhes), ainda nem estreou, mas os posters do longa já podem facilmente entrar na galeria dos mais memoráveis, pelo menos para o público masculino. Confiram abaixo essa beleza de arte e, principalmente, a beleza de suas figuras femininas (o que também já transforma esse post em mais um da série "Musas do Escurinho").

Trilha Sonora #9

Hoje, revi, muito bem acompanhado, "Amor à Flor da Pele", filme pura arte dirigido pelo incrível Wong Kar-Wai. Impossível lembrar desse longa e não lembrar das canções interpretadas por Nat King Cole que pontuam diversos momentos da narrativa. Uma delas é "Aquellos Ojos Verdes", canção que, segundo o próprio diretor, traduz o encatamento que os personagens sentem um pelo outro naquele momento (muito embora nenhum dos dois tenha olhos verdes!:)). Kar-Wai é um fã de Nat King Cole, até porque faz lembrar sua mãe, a qual considerava a voz de Nat a mais bonita do mundo! Talvez ela tivesse mesmo razão... Abaixo, você pode escutar esse verdadeiro remédio para os ouvidos.

"Lua Nova" bate recorde

E "Lua Nova", a continuação de "Crepúsculo", bateu um recorde importante. O longa destronou "O Caveleiro das Trevas" como o filme que mais arrecadou no primeiro dia de exibição, atingindo a marca de US$ 72,7 mihões nos U.S.A (contra US$ 67,2 milhões do filme do Batman). Claro que a menor duração do longa dos vampiros, com suas 2h10min., contribui para tanto, já que as 2h40min. do "Caveleiro" redundavam em um menor número de sessões. Somado todo o primeiro final de semana, entretanto, "Lua Nova" arrecadou US$ 140,7 milhões, perdendo tanto para "O Cavaleiro...", que arrecadou US$ 158 milhões, como para "Homem-Aranha 3", o segundo colocado, com US$ 151 milhões.

Ao que tudo indica, o filme também deve arrebentar a boca do balão na Terra Brasilis. Na sexta-feira eu passei em frente à entrada de um cinema aqui de Natal e as filas de adolescentes com hormônios a mil não eram nem um pouco pequenas... Ah, e não me perguntem nada sobre o filme. Não dá para encarar sessões onde seus tímpanos acabam sofrendo tanto quanto se estivessem próximos a uma turbina de avião...

"Versão brasileira: Herbert Richers" - Herbert Richers: 1923 - 2009

Estou fazendo aqui o registro com um certo atraso (falta de tempo mesmo), mas fica a memória: o produtor Herbert Richers faleceu no último dia 20, aos 86 anos, vítima de problemas renais. Imagino que qualquer brasileiro(a), mesmo os que não são muito ligados em cinema, devem lembrar da frase que abre muitos filmes exibidos na TV: "versão brasileira: Herbert Richers". Richers foi o fundador de um dos maiores estúdios de dublagem do mundo, sinônimo de qualidade, e ainda responsável por cerca de 70% das dublagens para o mercado brasileiro. Ademais, produziu cerca de 60 filmes, possuindo também uma distribuidora. Parabéns pelo trabalho, Sr. Richers!

Musas do Escurinho #11

Uma bela presença feminina em "2012", Thandie Newton é dona daquela beleza um tanto exótica, que distoa um pouco dos padrões estéticos ocidentais. Na realidade, isso a torna ainda mais sexy. Pena que no filme catástrofe que anda arrasando nas bilheterias, esse seu lado não seja tão explorado.

Festival de Brasília - Estreia polêmica

Tópico apenas para registrar que a abertura do Festival de Cinema de Brasília aconteceu hoje com a exibição (fora de competição) de "Lula, O Filho do Brasil", filme que já nasce polêmico pela própria natureza (mas é bom logo ressaltar que dos seus R$ 12 milhões de custo, não há dinheiro público). Panfletário ou não, a verdade é que a vida do nosso atual presidente realmente dá um filme. Ou romance, novela, peça teatral ou seja lá o que for. Na estreia, boa parte dos convidados era de políticos, mas houve superlotação, com gente sentada no chão, ao longo das escadas. Mas o presidente não apareceu. O filme estreia no circuito comercial em 01 de janeiro.

2012

O juízo final de Roland Emmerich

Roland Emmerich já destruiu o mundo em pelo menos duas oportunidades. A primeira delas em “Independence Day”, quando o planeta Terra se via invadido por seres extraterrestres violentos que destruíam o Empire State Building numa cena realmente memorável que, posteriormente, com os eventos de 11 de setembro de 2001, tornou-se estranhamente real e familiar. Alguns anos depois, Emmerich resolveu dar sua espetada nas questões climáticas e promoveu a destruição do planeta por meio de eventos climáticos que acontecem em decorrência da irresponsabilidade humana e, se no primeiro filme mencionado ele deixava transparecer um sentimento ufanista made in U.S.A, neste último o espírito crítico domina e vemos ianques procurando abrigo em países mais ao Sul, menos afetados pelos tais eventos naturais.

A questão é que o diretor não se deu por satisfeito e, inspirado por uma tal profecia maia que foi bastante divulgada na internet há algum tempo, resolveu promover a maior destruição em massa já vista nas telas de cinema. O tal prognóstico dos maias afirma que, em 21/12/2012, a Terra vai inverter seus polos e isso provocará o maior evento sísmico de todos os tempos. E é exatamente isso que é mostrado nas telas. E talvez seja exatamente isso o que o povo quer ver nas telas! Pude chegar a essa constatação durante uma sessão completamente lotada, como acho que não via desde os tempos de “O Senhor dos Anéis” ou da trilogia “Homem-Aranha”. Ainda não temos os números globais da estreia de “2012”, mas, com absoluta certeza, pelo menos no Brasil o filme foi um sucesso retumbante (teve até promoção na capa de um certo periódico de qualidade duvidosa, mas que tem, ainda, grande influência sobre a classe média dita “esclarecida”).

Como sempre, a hecatombe é mostrada ao espectador pelo filtro de um homem comum, aqui interpretado por John Cusack, o qual interpreta um escritor fracassado, separado da sua esposa porque esta afirma que ele dava mais atenção ao que escrevia do que à família. Por vias meio tortuosas, ele acaba descobrindo o que está para acontecer e dos planos dos governantes de sobreviver em uma espécie de arca de Noé tecnológica, juntamente com uma “elite” humana. Literalmente, já que eles enchem a tal nave também de bichos, procurando salvar pelo menos uma parte das espécies existentes. Obviamente, isso não inclui a maior parte da humanidade, a qual irá sucumbir num mar de terremotos gigantes e tsunamis mais gigantes ainda. É bom lembrar que o tal link familiar, que serve para ligar o espectador aos eventos apresentados, não é exclusividade de Emmerich, sendo usado em praticamente todos os filmes catástrofe (vide o exemplo recente de “Guerra dos Mundos” de Steven Spielberg).

Há ainda o contexto político. Agora, temos Danny Glover como presidente dos EUA, numa mais do que clara alusão a Barack Obama. Sintomático também que o presidente toma a decisão heróica e altruísta de aguardar os acontecimentos juntamente com a população, recusando-se a embarcar na tal nave-arca. Talvez isso denote a nova perspectiva que os americanos estão passando a ter de si mesmos e de seu líder. Os EUA agora não mais oprimem a humanidade, eles se solidarizam com ela (até onde isso é verdade, ainda estamos por saber). Mas é verdade que Emmerich (ele próprio autor do roteiro em parceria com Harald Kloser) também dá seu recado crítico, ao tocar no ponto da exclusão social, mostrando que aqueles que sobrevivem são os de alguma importância “política” ou que possuem dinheiro suficiente para comprar sua sobrevivência.

Obviamente, toda essa catástrofe é mostrada com a característica competência Hollywoodiana de sempre. Os efeitos visuais são mesmo impressionantes e o longa está correndo o sério risco de ser premiado com o Oscar da respectiva categoria. Não deixa de ser curioso, ademais, ver a imagem do Cristo Redentor se desintegrando e isso me leva a pensar que realmente o Brasil está adquirindo um outro status aos olhos da população global (e também fiquei me perguntando o quanto a Globo pagou para inserir um merchandising na dita cena). Entretanto, confesso que uma cena me doeu em especial: a da destruição do Vaticano. Ver as obras de Michelangelo se despedaçando foi realmente de uma tristeza profunda... Ainda bem que era apenas ficção...

O resultado das longas 2:30h de projeção é bastante oscilante. Algumas sequências realmente empolgam (afinal os filmes de fim do mundo de Emmerich sempre se tornam melhores se os enxergarmos como filmes de ação), mas algumas machadadas roteirísticas, nitidamente colocadas para gerar um final-família típico de blockbusters incomodam em excesso, assim como a punição para os gananciosos e aquelas que, de alguma forma, se prostituem. Ou seja, Emmerich promove mais uma vez o seu juízo final e, colocando-se na condição de Cristo julgador, escolhe quem deve viver e quem deve morrer. E também escolhe o continente que escapará a todo esse cataclismo. Não vou dizer aqui para não colocar um spoiler, mas vai a dica: é algo politicamente bem correto. Todavia, ao sair da sala de exibição, pude perceber o quanto filmes assim ainda agradam às massas. Uma garota que estava ao meu lado exclama: “nossa, eu tava até chorando...”. Eu e minha namorada olhamos um para o outro e começamos a rir e exclamar: “menos, por favor, menos...”. ;=)

Cotação: * * ½ (duas estrelas e meia)
Nota: 6,5

Fúria de Titãs - Trailer

Quem não se lembra de "Fúria de Titãs", o já clássico filme dirigido por Ray Harryhausen em 1981 que mostrava as façanhas do herói grego Perseu em combate contra seres mitológicos como a Medusa? Provalmente, todos que viveram os anos 80 têm boas recordações dele. Como muitos devem estar sabendo, a Warner está providenciando um remake do longa, com direção de Louis Leterrier e com Sam Worthington no papel do herói helênico . E eis que temos agora o primeiro trailer do longa, cujas imagens me fizeram lembrar um certo filme sobre Esparta lançado nos últimos anos. De qualquer forma, vale conferir. Vamos ver no que dá.

Os Fantasmas de Scrooge

Relendo um clássico

“A Christmas Carol”, obra escrita por Charles Dickens em 1843, é um dos textos mais adaptados para as telas na história do cinema. Existe até uma versão com os personagens clássicos de Walt Disney, como o Tio Patinhas na pele do velho Ebenezer Scrooge, um homem ranzinza e extremamente mesquinho, avarento, incapaz de compreender o espírito do Natal. Um belo dia, no entanto, ele é visitado por três espíritos que lhe mostram o passado, o presente e o futuro, tanto do próprio Scrooge quanto daqueles que o cercam, fazendo com que o velho avarento passe a enxergar a vida com outros olhos. E eis que mais uma vez temos a mesma história sendo levada aos cinemas, desta vez pelas mãos do papa do cinema 3D, Robert Zemeckis (mais conhecido do grande público como “o diretor de Forrest Gump”), responsável por experiências anteriores em novas tecnologias, como a utilização da técnica da captura de movimentos de atores em “O Expresso Polar” e do emprego do 3D, aliado à mencionada técnica, em “A Lenda de Beowulf”.

A utilização destas modernas técnicas também é o mote desta nova versão do conto de Dickens. Zemeckis vem aprimorando a tecnologia de captura, que está cada vez mais realista. Em novos espectadores, ainda não acostumados com esse padrão, é comum expressões de admiração como “nossa, parecem atores de verdade” (muito embora seja importante lembrar que, em certos momentos, os olhos dos personagens ainda apareçam de um forma um tanto sem vida). Pena que o recurso 3D ainda esteja restrito a um pequeno número de salas em solo brasileiro. Aqui em Natal não há sequer uma sala com este tipo de projeção o que me impossibilitou avaliar o emprego da tecnologia. Entretanto, é possível afirmar que algumas seqüências são de um acabamento gráfico e criatividade visual excelentes, como os planos aéreos sobre a Londres vitoriana, lindamente realizados, muito embora algumas seqüências tenham sido perceptivelmente orquestradas para gerar maiores efeitos 3D.

Contudo, não é a questão gráfica o que mais desponta aos olhos do espectador nesta nova adaptação, mas sim o tom sombrio conferido à animação. O produto, tal como resultou, talvez seja até mesmo pouco recomendável para os pequenos. Algumas cenas chegam a ser dignas de filmes de terror [SPOILER] como aquela em que vemos a cidade repleta de almas penadas, todas arrastando as correntes de uma vida repleta de erros [FIM de SPOILER]. As concepções visuais, neste ponto, mostraram-se ainda mais felizes, traduzindo perfeitamente o mundo espiritual em que Srooge vivia e o destino que se lhe reservava caso sua conduta não sofresse modificações. Também importante destacar que Jim Carrey foi o responsável pela caracterização e vozes não só de Scrooge como de três dos fantasmas que o assombram. Pena que as versões legendadas do longa sejam restritas e a grande maioria do público não poderá acompanhar o seu trabalho de voz (além dele, também participam Gary Oldman e Collin Firth).

Alguns podem afirmar que Zemeckis apenas choveu no molhado com mais essa adaptação do conto de Dickens para a película. Mas isso não é verdade. Na música, por exemplo, muitas vezes uma canção é exaustivamente executada, ganha inúmeras versões, mas também é verdade que alguns artistas conseguem dar uma nova cara para uma melodia já manjada. Aqui, esse me pareceu o caso. Ademais, a trama pode até ser amplamente conhecida no países de cultura anglo-saxã, mas não o é nos países de cultura latina, ainda mais em locais em que a população, historicamente, teve pouco acesso à cultura, como o Brasil. O que é bom deve sempre ser perpetuado e a iniciativa de Zemeckis já seria louvada apenas por esse motivo. Ou será que devemos criticar alguma orquestra por executar, pela bilionésima oportunidade, a 9ª Sinfonia de Beethoven? Nunca é demais reler um clássico, mesmo que essa releitura seja feita através de um filme.


Classificação: * * * * (quatro estrelas)
Nota: 9,0

Bravo, Anselmo! (Anselmo Duarte - 1920 - 2009)

E nesta madrugada faleceu, aos 89 anos, Anselmo Duarte, o galã que se tornou diretor e foi o responsável por uma das grandes obras do cinema brasileiro: a adaptação para o cinema de "O Pagador de Promessas", peça de Dias Gomes que teambém se tornaria, nos anos 80, minissérie global. É bom lembrar que este é o único filme nacional a receber a Palma de Ouro no Festival de Cannes, em um ano em que concorria com obras de ninguém menos que Michelangelo Antonioni e Luis Buñuel! C0mo disse Federico Fellini, logo após a exibição de "O Pagador de Promessas" no Palais du Festival, "bravo, Anselmo! Bravo!". Abaixo você pode conferir uma entrevista de Anselmo Duarte para o programa de Jô Soares.

Cidade de Deus - O melhor da década

E mais uma façanha é alcançada por "Cidade de Deus". O filme de Fernando Meirelles foi eleito pela revista norte-americana "Paste" como o melhor longa-metragem desta década, superando até mesmo a trilogia "O Senhor dos Anéis". Segundo o periódico, a obra traz "um olhar sem medo a um mundo esquecido pelos ricos e poderosos, ignorado pela polícia e alheio à lei e à ordem". É bom lembrar que "Cidade de Deus" já entrou até na lista do IMDB de melhores filmes da década e vem sempre sendo lembrado em eleições do gênero. Recentemente, nada menos que a "Time" colocou o filme entre os 100 melhores de todos os tempos, enquanto o canal britânico "Film4" destacou o longa na 3ª posição entre "50 filmes para ver antes de morrer. Abaixo, segue a lista dos 10 melhores da década da "Paste". Confira.

1) "Cidade de Deus", de Fernando Meirelles
2) "O Fabuloso Destino Amélie Poulain", de Jean-Pierre Jeunet
3) "Quase Famosos", de Cameron Crowe
4) Trilogia "O Senhor dos Anéis", de Peter Jackson
5) "Brilho Eterno de Uma Mente Sem Lembranças", de Michel Gondry
6) "Beau Travail", de Claire Denis
7) "Encontros e Desencontros", de Sophia Coppola
8) "O Filho", de Jean-Pierre e Luc Dardenne
9) "Onde os Fracos Não Têm Vez", de Joel e Ethan Coen
10) "Os Excêntricos Tenembaums", de Wes Anderson.

A lista completa você confere aqui.

Besouro

Ação Made In Brazil

O cinema brasileiro costuma receber fortes críticas pela enorme dificuldade que apresenta em lidar com o cinema de gênero. Nossas produções praticamente, e principalmente depois da chamada “retomada”, se limitam a apresentar comédias e filmes de caráter histórico e/ou crítica social, neste último caso com uma forte ênfase na violência urbana (vide “Cidade de Deus” e “Tropa de Elite”). A investida eu outras vertentes do cinema se limitam a espasmos como os longas de terror de um Zé do Caixão ou mesmo produções de caráter biográfico-popular como “2 Filhos de Francisco”. Parece faltar coragem aos produtores e diretores de se aventurarem em gêneros como aventura, ação ou suspense. E foi procurando suprir esta lacuna que diretor estreante João Daniel Tikhomiroff, egresso do ramo publicitário (já ganhou inúmeros prêmios no festival de publicidade de Cannes) realizou seu primeiro longa-metragem.

“Besouro” nos apresenta a história de um lendário capoeirista (interpretado no filme pelo novato Aílton Carmo, escolhido entre praticantes da arte) responsável por liderar uma revolta de negros durante os anos 20, quando estes ainda viviam em condições análogas a de escravos, sem direitos respeitados e com sua cultura ainda totalmente reprimida. A capoeira, por exemplo, era uma prática proibida por lei e reprimida com violência pelos coronéis, os quais meio que faziam a função da polícia nos rincões do país. Aqui, na versão romanceada levada à tela, o roteiro (escrito pelo próprio Tikhomiroff ao lado de Patrícia Andrade e baseado no livro “Feijoada no Paraíso”, de Marcos Carvalho) utiliza a velha ferramenta, normalmente presente nos filmes de artes-marciais, do “mestre” que ensina ao discípulo não apenas a luta em questão, mas também lições de honra, respeito, disciplina e coragem. E assim, no início, temos o pequeno protagonista ao lado de seu mentor, o mestre Alípio, o qual lhe diz que todo capoeirista deve escolher um nome pelo qual deverá ser lembrado. O pequeno não titubeia e escolhe “Besouro”. Logo em seguida com um corte que revela uma longa passagem no tempo, vemos que mestre Alípio é assassinado, o que levará o personagem-título a iniciar uma revolta contra a opressão em que ainda vivem os negros da região.

Todavia, talvez a inexperiência leve os autores a conduzir um filme que se pretende de ação/aventura de forma um tanto titubeante. Besouro mostra-se muito mais um personagem em dúvida com relação à sua “missão” do que um verdadeiro líder capaz de aglomerar seu povo em torno de um objetivo comum. Um herói que se mostra reflexivo demais, contemplativo em excesso. Suas divagações acabam sendo mais presentes que as sequências de ação. E o foco da trama ainda é desviado para um triângulo amoroso entre Besouro e seus amigos de infância Dinorá (Jéssica Barbosa) e Quero-Quero (Anderson Santos de Jesus) que pouco contribui para o desenrolar dos acontecimentos. Tikhomiroff já chegou a afirmar que um herói precisa de um amor, o que é uma assertiva boba e que talvez mostre o quanto o diretor poderia estar apegado a clichês na concepção de sua obra. Porque é isso que muitas vezes “Besouro” parece, uma sucessão de clichês aventureiros levados para um ambiente tupiniquim.

Entretanto, há aspectos muito positivos a serem ressaltados. O principal deles é a abordagem da cultura e mitologia afro-brasileiras. Estamos habituados a ver este tipo de abordagem em relação a culturas e elementos mitológicos estrangeiros, como nos casos clássicos de “O Senhor dos Anéis” e de vários filmes de artes-marciais como “Herói” e “O Clã das Adagas Voadoras”. Assim, torna-se desde logo interessante vermos a representação de divindades do candomblé como Exu, Ogum e Iansã, trabalho que é realizado de forma fluida e sem forçação de barra, de maneira perfeitamente natural. A questão técnica também é outro ponto a ser elogiado. Filmado em Igatu (BA), na Chapada Diamantina, a fotografia é primorosa, e a utilização de atores em sua maioria desconhecidos, alguns deles escolhidos entre capoeiristas locais, contribuem para a imersão do espectador na trama, emprestando-lhe maior veracidade. Os efeitos especiais também são competentes, principalmente se levarmos em conta a pouca familiaridade de nossos cineastas com esses recursos. E a vinda do coreógrafo Huen Chiu Ku, o mesmo de “Kill Bill” e “O Tigre e o Dragão”, para elaborar as cenas de luta foi extremamente bem-vinda. Essa importação de especialistas, muito frequente em Hollywood, deveria ser mais praticada pelos produtores nacionais, que não costumam fazê-lo não se sabe muito bem o porquê (nem mesmo os custos me parecem uma justificativa muito plausível). Também vale destaque a trilha sonora, com canção tema “Besouro, Cordão de Ouro” interpreta pela Nação Zumbi.

O resultado de “Besouro”, que antes de ser lançado teve uma boa divulgação na internet, com vídeos pipocando no Youtube (o que deve lhe garantir uma boa bilheteria) é uma obra irregular, mas que merece ser conferida pelo gostinho diferente que traz para o cinema nacional. Afinal, você lembra de ter visto algum filme de ação brasileiro nos últimos anos? A iniciativa é interessante e sair do marasmo é sempre uma boa ideia.


Cotação: * * * (três estrelas)
Nota: 7,0

Nowhere Boy - Trailer

Hoje aconteceu a premiére mundial de "Nowhere Boy" no encerramento do festival de cinema de Londres. Como já se sabe, o filme retrata a adolescência de John Lennon (que será interpretado por Aaron Johnson), enfocando a sua relação com a tia Mimmi e o seu encontro com Paul McCartney. Abaixo, você pode assistir ao trailer da produção, o qual possui narração do próprio Lennon, em um áudio usado anteriormente nos documentários Imagine (1988) e The Beatles Anthology (1995), a partir de uma entrevista concedida pelo ex-beatle ao apresentador de TV Mike Douglas, em 1972. Confira. O longa estreia no Natal deste ano no Reino Unido, mas não há previsão de estreia na Terra Brasilis. Ah, e a imagem ao lado é o poster da produção.

Michael Jackson's This Is It

Belo Epitáfio

Em 25 de junho do corrente ano, qualquer ser humano vivo e pensante sabe o que sucedeu neste planeta Terra. Michael Joseph Jackson, o denominado “Rei do Pop”, faleceu vítima de uma overdose de medicamentos. Nomes como Propofol e Demerol caíram na boca do povo enquanto a necropsia era realizada e, mais importante, uma comoção tomou conta do mundo inteiro, que finalmente parecia esquecer as esquisitices do ídolo do pop para enxergá-lo como o grande artista que sempre foi e, principalmente, como um ser humano, não apenas uma espécie de “ET” que servia de chacota em programas humorísticos e tabloides sensacionalistas.

Quando de seu falecimento, MJ havia finalizado os ensaios para o início de sua nova temporada de shows, após anos fora dos palcos. Seriam 50 apresentações em Londres, todas com ingressos esgotados com meses de antecedência. Tristemente, o astro não chegou a realizar sequer uma apresentação. Felizmente, a sequência enorme de ensaios, os quais, segundo a mídia, teriam levado o astro a uma estafa e a sentir fortes dores (consequência do ritmo forte da preparação aliado a problemas reumáticos), foi registrada em mais de 80 horas de gravações, um tesouro que, obviamente, poderia ser lapidado e levado aos fãs como um presente. Obviamente, tal iniciativa não substituiria os shows que a estrela faria e que foram cancelados pelo destino. Entretanto, a ideia era boa e foi exatamente isso que aconteceu. Alguns podem afirmar que “This Is It”, o documentário resultado da edição das mencionadas 80 horas de gravações, seja oportunista e caça-níquel. É uma afirmação que tem seu teor de verdade, principalmente se levarmos em consideração o caráter da família Jackson, mercenária até a raiz da alma. Mas também é verdade que o material merecia mesmo ser levado ao público, tal o conteúdo emocional e verdadeiro que se percebe ao longo de toda exibição do longa.

Dirigido com muita competência por Kenny Ortega, as escolhas das cenas levadas à projeção não poderiam ser mais felizes. Inicia-se com os depoimentos de vários daqueles que integraram a produção do show. Diretores, assistentes, dançarinos, todos vão falando sobre a experiência que era trabalhar com o mega-astro. E não há como negar a sinceridade das palavras e emoção. Afinal, quando das declarações, Michael ainda estava vivo e, é preciso dizer, num momento de grande baixa na carreira, gerado pelo processo judicial em que foi acusado de abuso sexual contra menores e o fracasso comercial do seu último trabalho, o álbum “Invincible”. O depoimento de alguns dançarinos, ao afirmarem que MJ foi a razão deles trilharem essa profissão, realmente atinge o coração do público. Em seguida, vemos o desenvolvimento dos ensaios como se fosse o próprio show. Vamos passando por vários clássicos do artista, como “You Make Me Feel”, “They Don’t Care About Us”, ‘I’ll Be There”, entre outros. Mas alguns merecem ser destacados. A execução de “Thriller” ganha novos ares com a exibição do vídeo em 3D que estava sendo elaborado para o espetáculo. Já “Beat It” tem sua coreografia minuciosamente detalhada e, mais ainda, conta com uma grande participação da loura-gata e guitarrista Orianthi Panagaris, que rouba mesmo a cena em várias sequências (tenho a impressão que essa menina vai receber uma profusão de propostas de trabalho a partir de agora). Um grande momento é a execução de “Smooth Criminal”, com MJ inserido nas imagens de “Gilda” (bom ver a Rita Hayworth)e contracenando com Humphrey Bogart. Outro ponto marcante é a apresentação solo da coreografia de Michael para Billie Jean, aplaudida entusiasmadamente por toda a equipe presente. Aliás, a ideia concebida por Ortega foi justamente a de elaborar o documentário como se fosse realmente o show que os fãs não tiveram oportunidade de assistir. Em determinado ponto, são mostrados até mesmo os efeitos especiais que seriam vistos apenas em Londres, quando alguns dançarinos têm suas imagens multiplicadas centenas de vezes. Uma das grandes curiosidades, ademais, é ver o Michael dos bastidores, com seu jeito extremamente exigente, mas sempre educado (ao contrário de muitas estrelas pop por aí que, com bem menos talento, são grosseiros e estúpidos com aqueles que os cercam).

É impressionante também notar algumas coincidências. No documentário, percebemos que os ensaios já haviam sido concluídos e que Michael morreu exatamente entre o fim dos preparativos e a estreia da série de shows. A despedida e agradecimentos ao fim soam estranhamente como um adeus do ídolo, e a conclusão se torna extremamente triste quando nos damos conta que todo aquele esforço foi despendido por um show que nunca aconteceu (vale ressaltar inclusive a boa forma de Michael, que nunca denotaria um estado de saúde comprometido).

A experiência se tornou ainda melhor ao pegar uma das primeiras sessões de exibição, repleta de fãs. Ao término, vários dos presentes aplaudiram de maneira empolgada o que viram e, se agradou desta forma aos muito exigentes fãs do astro, o longa deve ter mesmo atingido o pleno objetivo de tentar eternizar o momento que acabou se tornando o epitáfio de um gênio da cultura popular. E o seu título, “É isso” em português, também soa como o resumo de uma ópera que foi acompanhada pelo mundo inteiro desde a infância de Michael Jackson. Mesmo que você não seja fã, vale muito à pena conferir. Não será sem méritos se o filme vier a receber o Oscar na categoria melhor documentário ano que vem (e o trabalho se torna ainda mais impressionante se lembrarmos o pouco tempo que levou para ser realizado). Parabéns, Michael, pelo imenso talento que teve e pelo ser humano que foi. E, mesmo que sua família procure apenas os bônus financeiros do tesouro é que seu legado, se ao menos continuar entregando aos cuidados de gente competente como no caso deste “This Is It”, sua memória estará bem protegida.

Cotação: * * * * * (cinco estrelas)
Nota: 10,0

Terror independente no topo das bilheterias

E o terror "Atividade Paranormal" alcançou, após um mês de exibição, o topo das bilheterias norte-americanas no último de fim de semana. Um feito raro, já que o mais comum são as produções começarem no topo e irem gradativamente reduzindo seus ganhos. Mais raro ainda se lembrarmos que o custo da produção foi de meros e rasos 15 mil dólares... O filme é mais um daqueles no estilo video-verdade de "A Bruxa de Blair", baseado nas experiências do próprio diretor (novato) Oren Peli com barulhos estranhos ao se mudar para uma nova casa. Com os 22 milhões arrecadados no último fim de semana, o longa alcançou a quantia de 62,5 milhões no total. Que lucro, hein? A estreia no Brasil está prevista para 4 de dezembro. Confira o trailer abaixo.