Sandra Bullock está nas telas com a comédia romântica "A Proposta" e, aos 45 anos, ela continua mexendo com a cabeça de muito marmanjo por aí...
quinta-feira, 30 de julho de 2009
segunda-feira, 27 de julho de 2009
Inimigos Públicos
Michael Mann Pop
Michael Mann é um dos diretores americanos mais reverenciados pela crítica na atualidade. Infelizmente, apenas pela crítica. Responsável por vários filmes excelentes nos últimos anos, como “Colateral” e “Miami Vice”, suas obras, entretanto, não costumam ser sucessos de bilheteria e também não rendem prêmios ou mesmo indicações ao Oscar. Entretanto, talvez este quadro mude com “Inimigos Públicos”, seu mais recente projeto, e não apenas por seu elenco, que reúne os astros Johnny Depp, Christian Bale e a vencedora do Oscar Marion Cotillard, como também pelo fato de Mann, aparentemente, ter encontrado a fórmula para agradar à platéia (e possivelmente à Academia) sem perder as suas características.
Da mesma forma que em alguns de seus outros trabalhos, Mann estabelece o conflito entre dois homens que se assemelham em suas personalidades e necessidades, mas que se encontram em lados opostos. Foi assim em “Fogo Contra Fogo”, produção que reuniu as lendas Robert De Niro e Al Pacino, e também em “Colateral”, com Tom Cruise e Jamie Foxx. Contudo, desta feita inseriu uma carga maior de sentimento aos seus personagens. Ou, talvez, o termo “maior” não seja o mais correto, sendo melhor definir como mais explícito. Isso porque as personas dos tipos comumente mostrados em seus longas costumam ser bastante introspectivas, o que visualmente resulta em rostos fechados e pensativos, que pouco expressam as emoções da forma como o público está mais habituado. O que também não significa que ele tenha abraçado o melodrama, as emoções fáceis.
A trama narra, de forma romanceada, os últimos eventos da vida de John Dillinger (vivido por Johnny Depp), famoso assaltante de bancos dos EUA nos anos 30, época em que também estava sendo criado o famoso Federal Bureau Of Investigation, mais lembrado pela sigla FBI, cujo agente Michael Purvis (Christian Bale) torna-se o cão perdigueiro na cola do fora-da-lei. Dillinger desfrutava de grande empatia com a população, pois que se recusava a roubar o dinheiro daqueles que estavam nos bancos no momento do assalto, levando apenas o numerário dos banqueiros, acusados de serem os responsáveis pela crise econômica então reinante (não é mera coincidência que também o sejam hoje). São novos tempos, nos quais o crime está se tornando cada vez mais organizado e complexo, tornando ultrapassados bandidos como Dillinger (e também seus métodos), o qual está tentando se adequar às novas táticas criminosas. O seu opositor Purvis também procura se adaptar ao perceber que seus velhos métodos são insuficientes para capturar criminosos do porte de Dillinger ou Baby Face. Ademais, ambos vivem o conflito entre suas atitudes e seu lado mais humano, nem sempre condizente com seus objetivos.
A mencionada dialética entre o antigo e o novo também encontra eco na forma como Mann nos apresenta os acontecimentos. É sabido que o diretor foi um dos primeiros a abraçar a técnica digital de filmagem, abandonando a película. Isso tem resultado em experiências visuais peculiares ao assistirmos suas obras. E, desta vez, a experiência se torna ainda mais curiosa por se tratar de um filme de época. Assim, temos o velho filmado com o novo, uma mistura extremamente bem-vinda, com resultados surpreendentes (e sempre belos). A sequência do tiroteio em um bosque, por exemplo, com o fogo das armas iluminando as cenas, é de tirar o chapéu. O equilíbrio antigo-moderno também é demonstrado pelo ritmo acelerado do roteiro (escrito a seis mãos por Ann Biderman, Ronan Bennet e o próprio Mann), em que os fatos se sucedem sem muito intervalo para respirar (como era comum nos outros filmes do diretor), numa ação contínua, quase ininterrupta.
E é justamente esse um dos pontos que fazem desse novo Michael Mann um produto de mais fácil degustação pelas massas. Muitos poderão ver o filme como um ótimo longa de ação (muito embora esteja bem longe de ser apenas isso) e mesmo o público feminino poderá sair recompensado através do romance entre Dillinger e Billie (Marion Cottilard, num momento em que mostra que está longe de ser feiosinha como Edith Piaf), provavelmente a relação amorosa mais interessante e convincente de toda a obra de Mann. A cena final da projeção (que não vou contar aqui para não estragar) é cortante, bela e emocional como poucas filmadas pelo diretor. Realmente memorável e não duvido que mesmo os corações mais durões poderão deixar a sala de cinema dizendo que entrou um cisco no olho. Mas é bom também lembrar que, talvez mais raro do que cenas de apelo emocional, seja a presença do humor em um longa do cineasta. Em “Inimigos Públicos” ele existe e de maneira inesperadamente eficiente (além de perfeitamente adequada ao clima e à temática da obra). E os elementos de caráter pop não param por aí. A trilha sonora é um exemplo disso, mostrando-se envolvente e certeira, com a inclusão até de uma interpretação de Diana Krall (que, inclusive, faz uma ponta como a cantora do restaurante onde Dillinger e Billie se conhecem), além de referências ao próprio cinema (como o filme com o Clark Gable a que Dillinger assiste).
E o sucesso da empreitada se mostra ainda mais completo ao percebermos o comprometimento do elenco nesse trabalho. Ninguém parece estar no piloto automático, mas quem se destaca é mesmo Depp com seu talento e carisma marcantes, além de Cottilard (quando você assistir à tal cena final, vai entender ainda melhor o porquê do meu elogio a ela).
Ao deixar a sala de projeção, percebi que estava surgindo um novo Michael Mann, mais moderno, ágil, popular, mas sem que, com isso, tenha deixado de existir o antigo Mann, aquele que procura perscrutar as entranhas dos personagens e assim entender suas ações, além de suas contradições. Muito embora possa ser acusado de mostrar o crime, mais uma vez, de forma glamurizada (o que é latente no estilo “cool” encarnado por Depp, embora eu acredite que esse tipo de acusação já esteja muito demodé), trata-se de uma obra de peso, belissimamente filmada, com uma edição primorosa e um impacto somente comparável, na carreira do cineasta, ao seu brilhante “Miami Vice”. É sempre ótimo quando vemos um artista que consegue se reinventar sem perder sua essência. E é desta forma que os grandes talentos se fazem notar.
Cotação: * * * * * (cinco estrelas)
Nota: 10,0.
Michael Mann é um dos diretores americanos mais reverenciados pela crítica na atualidade. Infelizmente, apenas pela crítica. Responsável por vários filmes excelentes nos últimos anos, como “Colateral” e “Miami Vice”, suas obras, entretanto, não costumam ser sucessos de bilheteria e também não rendem prêmios ou mesmo indicações ao Oscar. Entretanto, talvez este quadro mude com “Inimigos Públicos”, seu mais recente projeto, e não apenas por seu elenco, que reúne os astros Johnny Depp, Christian Bale e a vencedora do Oscar Marion Cotillard, como também pelo fato de Mann, aparentemente, ter encontrado a fórmula para agradar à platéia (e possivelmente à Academia) sem perder as suas características.
Da mesma forma que em alguns de seus outros trabalhos, Mann estabelece o conflito entre dois homens que se assemelham em suas personalidades e necessidades, mas que se encontram em lados opostos. Foi assim em “Fogo Contra Fogo”, produção que reuniu as lendas Robert De Niro e Al Pacino, e também em “Colateral”, com Tom Cruise e Jamie Foxx. Contudo, desta feita inseriu uma carga maior de sentimento aos seus personagens. Ou, talvez, o termo “maior” não seja o mais correto, sendo melhor definir como mais explícito. Isso porque as personas dos tipos comumente mostrados em seus longas costumam ser bastante introspectivas, o que visualmente resulta em rostos fechados e pensativos, que pouco expressam as emoções da forma como o público está mais habituado. O que também não significa que ele tenha abraçado o melodrama, as emoções fáceis.
A trama narra, de forma romanceada, os últimos eventos da vida de John Dillinger (vivido por Johnny Depp), famoso assaltante de bancos dos EUA nos anos 30, época em que também estava sendo criado o famoso Federal Bureau Of Investigation, mais lembrado pela sigla FBI, cujo agente Michael Purvis (Christian Bale) torna-se o cão perdigueiro na cola do fora-da-lei. Dillinger desfrutava de grande empatia com a população, pois que se recusava a roubar o dinheiro daqueles que estavam nos bancos no momento do assalto, levando apenas o numerário dos banqueiros, acusados de serem os responsáveis pela crise econômica então reinante (não é mera coincidência que também o sejam hoje). São novos tempos, nos quais o crime está se tornando cada vez mais organizado e complexo, tornando ultrapassados bandidos como Dillinger (e também seus métodos), o qual está tentando se adequar às novas táticas criminosas. O seu opositor Purvis também procura se adaptar ao perceber que seus velhos métodos são insuficientes para capturar criminosos do porte de Dillinger ou Baby Face. Ademais, ambos vivem o conflito entre suas atitudes e seu lado mais humano, nem sempre condizente com seus objetivos.
A mencionada dialética entre o antigo e o novo também encontra eco na forma como Mann nos apresenta os acontecimentos. É sabido que o diretor foi um dos primeiros a abraçar a técnica digital de filmagem, abandonando a película. Isso tem resultado em experiências visuais peculiares ao assistirmos suas obras. E, desta vez, a experiência se torna ainda mais curiosa por se tratar de um filme de época. Assim, temos o velho filmado com o novo, uma mistura extremamente bem-vinda, com resultados surpreendentes (e sempre belos). A sequência do tiroteio em um bosque, por exemplo, com o fogo das armas iluminando as cenas, é de tirar o chapéu. O equilíbrio antigo-moderno também é demonstrado pelo ritmo acelerado do roteiro (escrito a seis mãos por Ann Biderman, Ronan Bennet e o próprio Mann), em que os fatos se sucedem sem muito intervalo para respirar (como era comum nos outros filmes do diretor), numa ação contínua, quase ininterrupta.
E é justamente esse um dos pontos que fazem desse novo Michael Mann um produto de mais fácil degustação pelas massas. Muitos poderão ver o filme como um ótimo longa de ação (muito embora esteja bem longe de ser apenas isso) e mesmo o público feminino poderá sair recompensado através do romance entre Dillinger e Billie (Marion Cottilard, num momento em que mostra que está longe de ser feiosinha como Edith Piaf), provavelmente a relação amorosa mais interessante e convincente de toda a obra de Mann. A cena final da projeção (que não vou contar aqui para não estragar) é cortante, bela e emocional como poucas filmadas pelo diretor. Realmente memorável e não duvido que mesmo os corações mais durões poderão deixar a sala de cinema dizendo que entrou um cisco no olho. Mas é bom também lembrar que, talvez mais raro do que cenas de apelo emocional, seja a presença do humor em um longa do cineasta. Em “Inimigos Públicos” ele existe e de maneira inesperadamente eficiente (além de perfeitamente adequada ao clima e à temática da obra). E os elementos de caráter pop não param por aí. A trilha sonora é um exemplo disso, mostrando-se envolvente e certeira, com a inclusão até de uma interpretação de Diana Krall (que, inclusive, faz uma ponta como a cantora do restaurante onde Dillinger e Billie se conhecem), além de referências ao próprio cinema (como o filme com o Clark Gable a que Dillinger assiste).
E o sucesso da empreitada se mostra ainda mais completo ao percebermos o comprometimento do elenco nesse trabalho. Ninguém parece estar no piloto automático, mas quem se destaca é mesmo Depp com seu talento e carisma marcantes, além de Cottilard (quando você assistir à tal cena final, vai entender ainda melhor o porquê do meu elogio a ela).
Ao deixar a sala de projeção, percebi que estava surgindo um novo Michael Mann, mais moderno, ágil, popular, mas sem que, com isso, tenha deixado de existir o antigo Mann, aquele que procura perscrutar as entranhas dos personagens e assim entender suas ações, além de suas contradições. Muito embora possa ser acusado de mostrar o crime, mais uma vez, de forma glamurizada (o que é latente no estilo “cool” encarnado por Depp, embora eu acredite que esse tipo de acusação já esteja muito demodé), trata-se de uma obra de peso, belissimamente filmada, com uma edição primorosa e um impacto somente comparável, na carreira do cineasta, ao seu brilhante “Miami Vice”. É sempre ótimo quando vemos um artista que consegue se reinventar sem perder sua essência. E é desta forma que os grandes talentos se fazem notar.
Cotação: * * * * * (cinco estrelas)
Nota: 10,0.
sexta-feira, 24 de julho de 2009
Eu quero esse pôster # 2
Eu simplesmente venero o pôster de "Kill Bill Vol. 1"! Um verdadeiro achado pop para pendurar na parede do quarto. Ou mesmo da sala de estar. Vale dizer que também sou fã do filme, um daqueles que não canso de assistir. Na minha modesta opinião, o melhor de Tarantino. Opa, em duas edições dessa série, duas imagens promocionais de filmes do diretor de "Pulp Fiction". Talvez porque ele saiba como ninguém que cinema é arte, mas também é cultura de massas. Clique aqui para ver a imagem no formato 1021x1400.
quarta-feira, 22 de julho de 2009
Woody Allen no Brasil
Após alguns meses de silêncio, os rumores sobre a possibilidade de Wooy Allen filmar no Brasil estão de volta. O presidente da RioFilme, Sérgio Sá Leitão, soltou a seguinte frase para o portal G1: “Allen vai dirigir um longa-metragem no Rio em 2011”. O executivo afirmou que está em contato direto com produtores do genial diretor e o filme deverá contar com a participação de uma produtora brasileira, encaixando-se nos moldes dos recentes longas de Allen realizados fora de Nova York ("Match Point", "Scoop" e "O Sonho de Cassandra", na Inglaterra, e "Vicky Cristina Barcelona" na Espanha). Não há nada certo ainda sobre o elenco e nem mesmo sobre a trama. De qualquer forma, Allen já disse que considera o Brasil e a Argentina países muito interessantes, onde podem ser contadas ótimas histórias. Bem, vamos esperar que, por aqui, ele também esteja tão inspirado quanto em Barcelona. Enquanto isso, a estreia de seu novo filme, "Tudo Pode Dar Certo" (em que retorna a Nova York), está prevista para 6 de novembro no Brasil.
segunda-feira, 20 de julho de 2009
Lua de São Jorge, Lua deslumbrante...
Há 40 anos anos a humanidade ouvia a frase: "um pequeno passo para um homem, um gigantesco salto para a humanidade", proferida por Neil Armstrong, o primeiro ser humano a pisar a Lua, pelo menos em tese. Sim, em tese, porque, sinceramente, diante das dificuldades que a Nasa apresenta hoje em dia para fazer mais uma viagem ao satélite natural, afirmando que apenas em 2020 poderá realizar mais uma expedição segura, eu começo a desconfiar que as teorias conspiratórias possam ser verdadeiras. Será que não foi tudo uma filmagem realizada pelo Stanley Kubrick?
Bem, o fato é que a historiografia oficial consigna que o homem realmente chegou à Lua. Lembrando disso (nem poderia deixar de lembrar, já que a mídia não permitiria esquecer), venho aqui fazer uma singela homenagem a esse feito do homo sapiens. A imagem acima (bastante conhecida, por sinal) é do filme "Viagem à Lua"(Le Voyage Dans La Lune), do francês Georges Méliès, uma das obras mais inovadoras da sétima arte. Antes dessa produção (de 1902), os filmes sequer possuíam uma trama, limitando-se a registrar cenas do cotidiano ou acontecimentos históricos ou sociais. Trata-se, ademais, do nascimento de um gênero, na então ainda embrionária forma de expressão artística: a ficção científica. E com esse novo gênero também nasceriam elementos muito caros ao cinema contemporâneo: os efeitos especiais. Méliès era ilusionista e utilizou toda sua técnica para transpor para tela a atmofesra fantasiosa que havia concebido. Baseado em duas obras literárias ("Da Terra à Lua", de Júlio Verne, e "O Primeiro Homem na Lua", de H.G. Wells),o filme conta a história de um grupo de astrônomos que viaja à Lua em uma cápsula lançada da Terra por um canhão. Acredito que o curta tem mais importância para o cinema do que a viagem da Apollo XI para a humanidade. Se é que esta última não foi apenas mais uma produção de Hollywood... Você pode apreciar "Viagem à Lua" clicando aqui.
Para terminar, segue abaixo uma imagem daquela que talvez seja a mais fantástica cena do cinema envolvendo o nosso querido e desolado satélite. Acho que não preciso dizer a que filme pertence. Obrigado, Steven Spielberg!
Bem, o fato é que a historiografia oficial consigna que o homem realmente chegou à Lua. Lembrando disso (nem poderia deixar de lembrar, já que a mídia não permitiria esquecer), venho aqui fazer uma singela homenagem a esse feito do homo sapiens. A imagem acima (bastante conhecida, por sinal) é do filme "Viagem à Lua"(Le Voyage Dans La Lune), do francês Georges Méliès, uma das obras mais inovadoras da sétima arte. Antes dessa produção (de 1902), os filmes sequer possuíam uma trama, limitando-se a registrar cenas do cotidiano ou acontecimentos históricos ou sociais. Trata-se, ademais, do nascimento de um gênero, na então ainda embrionária forma de expressão artística: a ficção científica. E com esse novo gênero também nasceriam elementos muito caros ao cinema contemporâneo: os efeitos especiais. Méliès era ilusionista e utilizou toda sua técnica para transpor para tela a atmofesra fantasiosa que havia concebido. Baseado em duas obras literárias ("Da Terra à Lua", de Júlio Verne, e "O Primeiro Homem na Lua", de H.G. Wells),o filme conta a história de um grupo de astrônomos que viaja à Lua em uma cápsula lançada da Terra por um canhão. Acredito que o curta tem mais importância para o cinema do que a viagem da Apollo XI para a humanidade. Se é que esta última não foi apenas mais uma produção de Hollywood... Você pode apreciar "Viagem à Lua" clicando aqui.
Para terminar, segue abaixo uma imagem daquela que talvez seja a mais fantástica cena do cinema envolvendo o nosso querido e desolado satélite. Acho que não preciso dizer a que filme pertence. Obrigado, Steven Spielberg!
domingo, 19 de julho de 2009
Carta na Rolling Stone
Olá, pessoal!
Bem, não considero isso algo tão relevante, mas acabei me sentindo um pouco lisonjeado por ver a seguinte mensagem publicada na seção de cartas da revista Rolling Stone deste mês de julho (página 14, sob o título "Pornô Pop"). Eles editaram apenas a frase em que faço referência ao comportamento dos pais. É bom ver que uma publicação tão renomada garante espaço mesmo para aqueles que eventualmente a criticam (ao contrário de uma certa "revistinha" metida a besta e que de democrática não tem nada). Ah, mas a edição está ótima (como deixam entrever as duas capas deste mês). Recomendo.
É com decepção que vejo na capa de junho (RS 33) uma cantora cujo disco foi desmerecido pela própria revista em s
ua edição anterior (página 111 da ótima RS 32). Acredito até que a tiragem deveria ter feito constar em sua capa a advertência "inadequado para menores de 18 anos", tendo em vista o excessivo erotismo da foto que abre a matéria sobre Lady Gaga. Muitos pais com filhos pequenos em casa devem ter pensado duas vezes antes de deixar a revista sobre o centro da sala ou outro local de fácil acesso. Triste constatar o destaque dado por uma publicação que respeitamos a uma "artista" que utiliza expedientes semi-pornôs para disfarçar o seu pouco talento para a música (e que mais uma vez nos é empurrada goela abaixo pela já cambaleante indústria fonográfica).sexta-feira, 17 de julho de 2009
Filmes Para Ver Antes de Morrer
De Volta Para o Futuro
Quantas vezes você já viu?
Um clássico oitentista. Talvez seja essa a melhor forma de definir o longa “De Volta Para o Futuro”, um daqueles filmes que sempre nos dão prazer em rever. Eu mesmo já o tinha visto diversas vezes (pelo menos umas sete ou oito, acredito), mas, mesmo assim, resolvi realizar mais uma sessão reprise nos últimos dias. Até mesmo porque eu já não o via há um bom tempo, alguns detalhes haviam sumido da memória e, já fazia cerca de um ano, tinha comprado a caixa com os três episódios da trilogia e ela, simplesmente, continuava intocada. E é interessante constatar como o filme envelheceu bem. Coloca-se ainda como uma diversão juvenil extremamente eficiente, com um roteiro redondo e ritmo impecável.
Dirigido por Robert Zemeckis (que também escreveu o roteiro ao lado de Bob Galé), o filme é mais um rebento da revolução promovida por Steven Spielberg. Zemeckis é um dos mais fiéis discípulos da escola do gênio por trás de “Tubarão”, “Os Caçadores da Arca Perdida” e “E.T.” e, neste longa sobre um carro que viaja no tempo, ele demonstra que aprendeu direitinho todas as lições transmitidas pelo mestre (não é à toa que Spielberg foi o produtor executivo). Ou seja, uma trama até mesmo banal, que poderia ser encontrada em vários quadrinhos de ficção científica ou filmes B, comuns na Hollywood de décadas anteriores, transforma-se em uma película classe A, garantindo diversão com um acabamento de primeira.
Esse acabamento “classe A” já pode ser vislumbrado logo na primeira sequência, que lembra muito o estilo Alfred Hitchcock de filmar. Nela, a câmera mostra, sem qualquer pressa, os objetos presentes na casa-laboratório do Dr. Emmet Brown (Christopher Lloyd), um cientista maluco cujo visual nos remete imediatamente a Albert Einstein (que dá nome ao seu cachorro, inclusive). Logo em seguida, surge no ambiente Marty McFly (Michael J. Fox, então um astro da TV americana na série “Fammily Ties”), um jovem de 17 anos que pergunta se o cientista está em casa. Pronto! Assim, em pouco tempo, já sabemos que Marty é o jovem ajudante desse “professor Pardal” cinematográfico.
Aos poucos, também vamos conhecendo a família totalmente disfuncional de Marty. Seu pai, George (Crispin Glover), é um derrotado que sofre humilhações nas mãos do seu chefe, Biff. Sua mãe, uma mulher frustrada com o casamento que acalenta ilusões de felicidade. Seus irmãos também parecem estar direcionados a destinos não muito felizes ou promissores. Na verdade, o trabalho ao lado do Dr. Brown, além de sua namorada, são os refúgios de Marty diante dessa realidade não muito animadora.
Contudo, o Dr. Brown está trabalhando em um novo experimento extraordinário. Uma máquina do tempo na forma de um automóvel DeLorean (a mais estilosa máquina temporal já concebida, imagino). E assim, devido a algumas peripécias ocorridas durante a primeira experiência com o DeLorean, Marty acaba indo parar no ano de 1955, pouco tempo antes de seus pais se conhecerem e originarem o romance que futuramente geraria o próprio Marty e seus irmãos. Contudo, além de ter que fazer o DeLorean funcionar novamente (o plutônio responsável pela energia do veículo acabara) com a ajuda de um Dr. Brown ainda bem mais jovem (e também ainda longe de inventar a tal máquina), Marty vai se ver na inusitada situação de ser o alvo da paixão de sua própria mãe o que pode trazer uma consequência gravíssima: se seus pais não se apaixonarem, ele próprio deixará de existir.
E assim se desenrola o engenhoso roteiro, que sabe misturar, como poucos, aventura, ficção científica e comédia, tudo perfeitamente dosado em sequências memoráveis e atemporais. Quem se esquece da fuga de Marty em seu skate improvisado pelas ruas de Hill Valley? Ou ainda de sua apresentação no baile em que seus pais se apaixonam? Creio que todos os que assistiram não esquecem.
É bom ressaltar que não só o roteiro é ótimo. A direção de arte é perfeita e o elenco está afiadíssimo. Inimaginável outro ator no lugar de Michael J. Fox no papel de Marty, assim como Christopher Lloyd está perfeito na pele do amalucado Dr. Brown. Crispin Glover, como pai de Marty, e Lea Thompson, com sua mãe, também estão ótimos, se divertindo à beça. E ainda vai um destaque especial para Thomas F. Wilson que faz Biff, um dos mais divertidos vilões da história do cinema. Importante destacar, ademais, o verdadeiro personagem em que se transforma a cidade de Hill Valley, com seus tipos, paisagem e elementos característicos, colocando-se como uma das mais memoráveis cidades ficcionais das telonas.
E mesmo das telinhas. A verdade é que “De Volta Para o Futuro” transformou-se em um clássico das locadoras (e, atualmente, das lojas de DVDs) e várias foram as oportunidades em que eu, ainda garoto, loquei a fita na antiga e saudosa“Vitória Régia”. Uma aventura atemporal e sem idade, capaz de agradar ao menino de 10 anos ou ao senhor de 60, que brinca com a imaginação do espectador. Afinal, quem não gostaria de ver como eram seus pais quando jovens? Ou, ainda, quem, pelo menos uma vez na vida, não teve vontade de alterar pelo menos um pouquinho o seu passado? Bons filmes estes, que conseguem agregar diversão à mais fértil imaginação.
Obs. A canção tema do longa, “The Power Of Love”, está disponível no post abaixo. É só curtir!
Obs 2. Uma curiosidade: o bêbado no banco da praça era o prefeito de Hill Valley em 1955. Detalhes como esse é que nos fazem ainda ter vontade de ver o filme mais uma vez.
Obs. 3: Também não deixe de ver as duas continuações, igualmente divertidas e inteligentes!
Cotação: * * * * * (cinco estrelas)
Nota: 10,0!!!
terça-feira, 14 de julho de 2009
Trilha Sonora #5
Quem nunca se empolgou com as peripécias intertemporais de Marty McFly, o inesquecível viajante do tempo imortalizado por Michael J. Fox? Dia desses, revi o primeiro episódio da trilogia "De Volta Para o Futuro" e constatei que o tempo parece fazer bem a esse clássico oitentista absoluto! E quem não se lembra da canção tema do longa, "The Power Of Love"? Tão inesquecível quanto!
Obs. Estou escrevendo uma resenha sobre "Back To The Future", mas que anda meio empacada. Espero que a inspiração me deixe terminar o mais breve possível.
Obs. Estou escrevendo uma resenha sobre "Back To The Future", mas que anda meio empacada. Espero que a inspiração me deixe terminar o mais breve possível.
Huey Lewis And The News - Power Of Love
domingo, 12 de julho de 2009
Presente!
Perceberam o novo cabeçalho do blog? Trata-se de um pequeno presente do meu primo e amigo Isaac (também blogueiro, clique aqui para conhecer a página) para este 1 ano do "Cinema com Pimenta". Valeu, primo! Já fazia um tempo que estava querendo aperfeiçoar o cabeçalho, mas andava sem muita paciência para trabalhar com programas de edição de imagem. Ficou o máximo!
sexta-feira, 10 de julho de 2009
Cinema Com Pimenta: 1 ano
Nada passa mais rápido que o tempo. Há um ano, no dia 11 de julho de 2008, eu publicava neste espaço a resenha de "Wall-E", uma das melhores animações da Pixar, e inaugurava o blog "Cinema Com Pimenta". Alguns que me acompanharam ao longo destes 365 dias talvez não saibam, mas o nome do blog vem do meu apelido nos fóruns de discussão sobre os Beatles, onde sempre postei como "Sgt. Pepper", e os amigos que fiz nestes espaços virtuais acabaram por se habituar a me chamar de "Pepper" ou, traduzindo, "Pimenta". De qualquer forma, o título também acaba tendo um outro sentido, o de procurar mostrar que o cinema aqui debatido é aquele bem temperado! Nada de gororobas sem graça, portanto.
Bom lembrar, ainda, que o espaço foi criado a partir da insistência de alguns amigos. Eu já escrevia resenhas havia um bom tempo e costumava enviá-las por e-mail para aqueles da minha lista de contatos, além de postá-las nos referidos fóruns de discussão. "Por que você não cria um blog, Fábio? Você escreve tão bem!". Pois bem, sugestão aceita e aqui estamos nós, no post de nº 163, tentando driblar a fata de tempo e, por vezes, de inspiração para escrever (acho que todo blogueiro passa por essas em algum momento), isso sempre em busca, óbvio, de ver o número de acessos crescer e, principalmente, de encontrar alguns dizeres na área de comentários (que coisa difícil é conseguir um comentário, nossa...).
Bem, para marcar este primeiro aniversário do blog, segue abaixo aquela que talvez seja a cena mais icônica da história do cinema, a mais famosa, a mais lembrada por muitos cinéfilos, por não -cinéfilos e até por quem nunca assistiu a esse filme. Se você não viu, aconselho-o(a) a ver o mais rápido possível. Afinal, estas fotos de "Casablanca" não estão no topo desta página por mero acaso. Um presente para todos aqueles que já tiveram o coração partido pelo menos uma vez na vida.
Bom lembrar, ainda, que o espaço foi criado a partir da insistência de alguns amigos. Eu já escrevia resenhas havia um bom tempo e costumava enviá-las por e-mail para aqueles da minha lista de contatos, além de postá-las nos referidos fóruns de discussão. "Por que você não cria um blog, Fábio? Você escreve tão bem!". Pois bem, sugestão aceita e aqui estamos nós, no post de nº 163, tentando driblar a fata de tempo e, por vezes, de inspiração para escrever (acho que todo blogueiro passa por essas em algum momento), isso sempre em busca, óbvio, de ver o número de acessos crescer e, principalmente, de encontrar alguns dizeres na área de comentários (que coisa difícil é conseguir um comentário, nossa...).
Bem, para marcar este primeiro aniversário do blog, segue abaixo aquela que talvez seja a cena mais icônica da história do cinema, a mais famosa, a mais lembrada por muitos cinéfilos, por não -cinéfilos e até por quem nunca assistiu a esse filme. Se você não viu, aconselho-o(a) a ver o mais rápido possível. Afinal, estas fotos de "Casablanca" não estão no topo desta página por mero acaso. Um presente para todos aqueles que já tiveram o coração partido pelo menos uma vez na vida.
quarta-feira, 8 de julho de 2009
A Era do Gelo 3 bate recorde em sua estreia no Brasil
"A Era do Gelo 3" (a resenha do longa está mais abaixo) se tornou a animação com a melhor abertura no Brasil. Em eu primeiro final de semana, 1.230.000 espectadores assistiram à mais nova aventura dos animaizinhos pré-históricos, arrecadando R$ 12,1 milhões de reais. Somando as arrecadações das pré-estreias, o filme já soma R$ 20 milhões. No geral, "A Era do Gelo 3", se tornou a quarta maior abertura da história aqui na Terra Brasilis, perdendo apenas para a trologia "Homem-Aranha". Eu já estava desconfiado deste sucesso. Aqui em Natal, 6 salas estão exibindo o filme e, mesmo com sessões iniciando a cada meia hora, elas estavam cheias neste fim de semana. Vale dizer ainda que, pelo menos nos cinemas brasileiros, a animação de Carlos Saldanha já deixou "Transformers 2" bem pra trás (R$ 2,78 milhões neste último fim de semana).
segunda-feira, 6 de julho de 2009
Musas do Escurinho #6
Eu estava dando uma olhada nas estatísticas do blog no Google Analytics e percebi que, mais do que o texto e as fotos do Michael Jackson, o blog tem bombabo com os acessos em busca de fotos da Megan Fox. Pois, em homenagem a essas pessoas de bom gosto que vêm proporcionando uma boa "audiência" a este espaço, aqui vão mais duas fotos da atual musa cinematográfica da marmanjada. Uma delas para o ensaio da revista GQ e outra para Maxim. Será que agora eu finalmente alcanço os 1000 acessos diários? ;=)
domingo, 5 de julho de 2009
A Era do Gelo 3
Não precisa de desculpasO diretor Carlos Saldanha é hoje o brasileiro de maior destaque em Hollywood. Isso porque é responsável por uma das franquias mais criativas, divertidas e, principalmente levando em conta o país de produção, lucrativas dos últimos anos. Trata-se da série “A Era do Gelo”, a qual sempre traz uma trama direta e pensada de uma forma a agradar crianças e adultos. E há sinceridade nessa pretensão, não se tratando de longas para crescidos disfarçados de filmes para crianças (como é o caso da série “Shrek”). Ademais, em sua perspectiva de “filme família”, sua temática constante é justamente... a família! E este terceiro episódio (Ice Age: Dawn Of The Dinosaurs) é o que mais reforça esta abordagem.
Agora, ao revermos nossos velhos conhecidos, os mamutes Manny e Ellie estão para ter um bebê. Todavia, contrastando com a alegria do casal, o tigre dentes-de-sabre Diego sente-se deslocado e com saudade de sua vida errante e selvagem, o que o leva a deixar o estranho bando do qual passou a fazer parte no primeiro episódio. A preguiça Sid (um dos mais lembrados e carismáticos personagens da franquia) também deseja ter uma família e, na ausência de uma companheira, decide adotar os ovos encontrados em uma estranha região subterrânea. Mal sabe ele que são ovos de dinossauro e, quando a mamãe dinossauro volta para buscar seus filhotes, acaba levando Sid juntamente com estes para o mundo subterrâneo ainda dominado pelos répteis gigantes. Para resgatar o amigo, Manny, Ellie e Diego, além dos gambás Crash e Eddie, se aventuram neste mundo desconhecido.
Uma das grandes sacadas desta nova sequência é o personagem de Buck, uma doninha caolha que há muito tempo vive nesta terra de dinossauros e que vai ajudar na busca ao trapalhão Sid. Com um tom que lembra levemente o capitão Jack Sparrow, de “Piratas do Caribe”, e mais ainda o capitão Ahab, de “Moby Dick”, Buck rouba a cena por diversas vezes (há uma cena em que ele atende ao “celular” realmente impagável) e é interessante como os roteiristas souberam, em pouco tempo, criar toda uma alegoria própria para o personagem. Ele é tem uma fixação por Ruddy, um dinossauro gigantesco que assombra todos os outros do mundo perdido. Aliás, bom sublinhar que o humor está mais afiado do que nunca.
Uma pena eu não poder tecer maiores comentários sobre os aspectos técnicos. O filme originalmente possui várias seqüências pensadas para o 3D, tecnologia que está se tornando a menina dos olhos do mercado atual (principalmente na área de animação), pois que se acredita que isso fará muitos saírem de casa para ver os filmes nas salas de cinema. E aqui em Natal, infelizmente, não possuímos nenhuma sala preparada para exibir este tipo de filme. Fica desde já a reclamação para que os exibidores locais acordem para esta nova realidade. O filmes em 3D estão cada vez mais frequentes e o atraso está batendo à nossa porta. De resto, cabe elogiar a dublagem nacional, que não deixa nada a dever ao original americano. Diogo Vilela como Manny, Márcio Garcia (Diego) e Cláudia Jimenez (Ellie) estão ótimos. Entretanto, o destaque maior vai para Tadeu Melo, excelente como a voz de Sid.
“E o Scrat? Esqueceu dele?”. Calma! O famoso e popular esquilo pré-histórico continua em busca de sua noz. Entretanto, dessa vez a noz terá sua atenção disputada com a esquila pré-histórica Scratte (que também quer a noz!), a fêmea que vai virar a cabeça do nosso amigo roedor. O duelo/romance entre os dois é responsável por ótimas cenas ao longo de toda a projeção.
Para resumir: se você está querendo levar, nessas férias, seu filho pequeno (ou sobrinho, irmãozinho, priminho ou seja lá o que for) para uma boa sessão de cinema, aproveite este “A Era do Gelo 3”. Não só ele como você irão se divertir muito. E se não tiver qualquer criança na família, vá assim mesmo. Eu não precisei dessa desculpa para pegar a sessão. Boas risadas!
Classificação: * * * * (quatro estrelas)
Nota: 9,0
Obs. 1: A próxima animação de Saldanha se passará em um ambiente bem mais “quente” que o da série “Ice Age”. Ela se chamará “Rio”. Precisa de mais explicações?
Obs. 2: Como era de se esperar, havia muitos pequenos na sessão. Mas é interessante como as crianças são muitas vezes mais educadas do que vários adultos por aí...
Obs. 3: “A Era do Gelo 3” empatou com “Transformers: A Vingança dos Derrotados” na primeira colocação deste fim de semana nos EUA. Foram 42,5 milhões de dólares arrecadados por ambas as produções e o filme dos robôs já se tornou a maior arrecadação do ano tanto nos USA quando no mundo. Eu ainda não vi “Transformers”, mas estou com a impressão de que a Megan Fox é mesmo a musa do momento!
sábado, 4 de julho de 2009
Eu quero esse pôster # 1
Um dos maiores fetiches de qualquer cinéfilo é o poster promocional de um filme. Imagino que cada um tenha os seus preferidos (eu, por exemplo, adoro os de "Kill Bill vol. 1" e "Menina de Ouro") e gostaria possuí-los em algum cômodo de sua residência. Lembrando disso, abro mais uma série, "Eu quero esse pôster", para lembrar e até descobrir algumas dessas imagens que, por vezes, se transformam em uma autêntica peça de arte. Começo aqui com o pôster mais recente do novo filme de Quentin Tarantino, "Bastardos Inglórios", que, na sua apresentação, lembra mesmo um filme dos anos 40. Por sinal, os filmes de Tarantino costumam mesmo ter cartazes muito bem elaborados, como no mencionado "Kill Bill" e também em "Pulp Fiction".
domingo, 28 de junho de 2009
E Essa Agora...
Dá pra acreditar? "Transformers: A Vingança dos Derrotados" quase ultrapassa "O Cavaleiro das Trevas" como filme mais rápido a alcançar o faturamento de US$ 200 milhões em arrecadação. Em apenas 5 dias ele atingiu essa marca, mas perde para o filme do Batman que atingiu 202 milhões no mesmo período. O filme, que vem sendo detonado pela crítica ao redor do mundo, deve acabar se tornando o maior sucesso de 2009. E Michael Bay acaba saindo dessa "consagrado"! Putz! O pior é que isso quase me obriga a assistir ao filme (já não tinha gostado muito do primeiro e nem estava interessado em ver esse segundo...) e postar uma resenha aqui. Bem, pelo menos vou procurar curtir a Megan Fox com sua boca sempre entreaberta. Talvez seja exatamente esse o segredo do sucesso do longa...
sexta-feira, 26 de junho de 2009
Michael Joseph Jackson: 29/08/1958 - 25/06/2009
Boas Lembranças
Eu era bem pequeno quando minha irmã ganhou, como presente no Dia da Criança, um LP (sim, era o tempo dos bolachões) de um certo astro da música que era o grande sucesso do momento. Eu já conhecia esse artista de um videoclip que sempre passava na TV aos domingos, logo antes do “Fantástico” da TV Globo. Eu adorava esse videoclip, que me enchia de entusiasmo e ao mesmo tempo medo, pois que cheio de personagens horripilantes como zumbis e lobisomens (além de uma risada pra lá de cavernosa no final) e corria alucinado para a frente do televisor para não deixar de ver mais uma de suas reprises. Logo quando ouvi em casa o tal disco, percebi que havia nele várias outras músicas legais e dançantes. Mal sabia eu que o tal LP (de nome complicado: “tchiler”, “frilé”, que coisa mais difícil de pronunciar) se tornaria o álbum mais vendido de todos os tempos e que o seu cantor, Michael Jackson, seria futuramente aclamado como o Rei do Pop. A verdade é que, durante um bom tempo, escutei o disco alucinadamente, procurando (e, claro, não conseguindo) imitar todos os passos de dança feitos por Michael nos clips televisivos, especialmente um em que ele parecia andar para trás.
O tempo foi passando e o super-astro Michael Jackson foi, aos poucos, ficando estranho. No disco seguinte, ele apareceu com a pele um tanto mais clara e todos se perguntavam como aquilo poderia ter acontecido. “Que coisa mais estranha, como isso é possível?”, era a frase sempre ouvida quando se falava no nome dele. E todos começaram a afirmar que Jackson era um racista, alguém que padecia de preconceito contra sua própria etnia e estava clareando a própria pele porque “queria ser branco”. Mas a verdade é que o esse novo disco dele (dessa vez tinha um nome mais fácil, era só falar “bédi”) também era muito legal, com músicas bem dançantes como naquele disco em que ele aparecia com um tigre no encarte (o tal “tíler”... Mas que nome chato!).
(Pra quem não sabe: o clip de "Bad" foi dirigido por Martin Scorsese)
Novamente, o tempo passou (afinal, ele não para) e eu, que já tinha uma forte atração pelo rock (acredito que a primeira vez que ouvi os Beatles ainda foi no útero materno), acabei abraçando de vez esse gênero ainda no início da minha adolescência, deixando de lado astros da chamada música “pop” (entendida aqui como gênero e não como termo designativo de música popular), entre eles Michael Jackson. Foi a fase em que me apaixonei de vez pelos Fab Four e comecei a me identificar fortemente com as canções de um certo Renato Russo, líder da famosa Legião Urbana. Mesmo assim, no início dos anos 90, Jackson ainda voltaria a me tomar a atenção com mais uma videoclip sensacional, feito para a música “Black Or White”, o qual apresentava uma fantástica transformação de rostos entre várias etnias, bastante eficiente até para os padrões de hoje (clique aqui para assistir).
Mais alguns anos se passaram, eu já estava na faculdade e Jackson era mais lembrado na mídia por suas excentricidades (como sua aparência cada vez mais estranha e seus gastos perdulários) e acusações de abusos sexuais contra crianças, principalmente depois do fracasso comercial de seu álbum duplo “History”, cuja megalomania no seu processo de divulgação acabou por me despertar uma certa antipatia pelo cantor. Tal antipatia só não cresceu mais devido à influência de dois grandes amigos, um deles ainda do ensino médio (aê, Hendrick!) e, principalmente, outro que já conhecia desde o primário no Instituto Maria Auxiliadora e que reencontrei na faculdade, Gianfranco, um fã incondicional da mega-estrela. Eles me faziam
lembrar que, à parte suas esquisitices e ataques de grandiloquência, Michael Jackson era inegavelmente um grande artista.
Infelizmente, não foi assim que ele foi tratado ao longo dos últimos anos. Sempre com a mídia procurando dar fôlego à sua atribulada vida pessoal, esquecendo totalmente os méritos musicais (muito embora não se possa negar que estes caíram muito em seus últimos trabalhos), a decadência de Michael Jackson atingiu o ápice com o circo armado em torno do processo judicial em que era réu, sob a acusação de abusar sexualmente de crianças em Neverland, seu famoso e extravagante rancho particular. Entretanto, ele foi absolvido de todas as acusações e lembro que acabei acompanhando ao vivo o resultado do julgamento, no qual uma quantidade enorme de fãs se aglomerou às portas do fórum local para comemorar a cada anúncio de “inocente” (“ele não fez nada, meu filho”, dizia minha mãe sempre que falavam nessas acusações e mãe, como todos sabem, costuma ter muita sabedoria).
E eis que tivemos, nesta quinta-feira 25 de junho de 2009, de forma totalmente inesperada, a notícia do falecimento do Rei do Pop, com a mídia, que tanto lhe apedrejou, agora lhe rendendo as devidas homenagens. Hoje, eu sei que o tal disco de nome difícil, “Thriller”, (que agora eu consigo pronunciar, enfim) é um dos mais importantes da história da música popular, não apenas por ser o mais vendido, e o tal videoclip cheio de monstros é o mais revolucionário de todos os tempos, um verdadeiro curta-metragem que modificaria para sempre a forma como apreciamos a arte musical. Também sei que o seu processo de “embranquecimento” não aconteceu por vontade própria, mas porque ele foi atingido pelo vitiligo, conhecida doença que retira a pigmentação da pele e que o título da canção “Black Or White” não deixa de ser uma referência à sua peculiar condição. Mas, principalmente, sei que artistas tão completos como Michael Jackson são raros, e que sua influência será sentida ao longo de várias gerações de cantores e dançarinos. Um showman negro que conseguiu romper as barreiras dos guetos da preconceituosa sociedade norte-americana (e mesmo mundial) e se tornar ídolo não apenas de jovens e crianças negras, mas de todas as etnias. Mas que também, infelizmente, mostrou que dinheiro e fama estão longe de significar paz de espírito. De qualquer forma, alguém já disse que a melhor herança que se pode deixar na vida são as boas lembranças. E isso Michael Jackson com certeza proporcionou e continuará proporcionando a muitas pessoas em todo este confuso planeta. Inclusive a mim, que jamais vou esquecer das horas que passei, de forma atabalhoada, tentando imitar seus passos lá nos primórdios dos anos 80. Afinal de contas, isso é que é ser feliz!
E quem disse que Michael morreu? Creio que ele apenas parou de envelhecer...
Eu era bem pequeno quando minha irmã ganhou, como presente no Dia da Criança, um LP (sim, era o tempo dos bolachões) de um certo astro da música que era o grande sucesso do momento. Eu já conhecia esse artista de um videoclip que sempre passava na TV aos domingos, logo antes do “Fantástico” da TV Globo. Eu adorava esse videoclip, que me enchia de entusiasmo e ao mesmo tempo medo, pois que cheio de personagens horripilantes como zumbis e lobisomens (além de uma risada pra lá de cavernosa no final) e corria alucinado para a frente do televisor para não deixar de ver mais uma de suas reprises. Logo quando ouvi em casa o tal disco, percebi que havia nele várias outras músicas legais e dançantes. Mal sabia eu que o tal LP (de nome complicado: “tchiler”, “frilé”, que coisa mais difícil de pronunciar) se tornaria o álbum mais vendido de todos os tempos e que o seu cantor, Michael Jackson, seria futuramente aclamado como o Rei do Pop. A verdade é que, durante um bom tempo, escutei o disco alucinadamente, procurando (e, claro, não conseguindo) imitar todos os passos de dança feitos por Michael nos clips televisivos, especialmente um em que ele parecia andar para trás.
O tempo foi passando e o super-astro Michael Jackson foi, aos poucos, ficando estranho. No disco seguinte, ele apareceu com a pele um tanto mais clara e todos se perguntavam como aquilo poderia ter acontecido. “Que coisa mais estranha, como isso é possível?”, era a frase sempre ouvida quando se falava no nome dele. E todos começaram a afirmar que Jackson era um racista, alguém que padecia de preconceito contra sua própria etnia e estava clareando a própria pele porque “queria ser branco”. Mas a verdade é que o esse novo disco dele (dessa vez tinha um nome mais fácil, era só falar “bédi”) também era muito legal, com músicas bem dançantes como naquele disco em que ele aparecia com um tigre no encarte (o tal “tíler”... Mas que nome chato!).
(Pra quem não sabe: o clip de "Bad" foi dirigido por Martin Scorsese)Novamente, o tempo passou (afinal, ele não para) e eu, que já tinha uma forte atração pelo rock (acredito que a primeira vez que ouvi os Beatles ainda foi no útero materno), acabei abraçando de vez esse gênero ainda no início da minha adolescência, deixando de lado astros da chamada música “pop” (entendida aqui como gênero e não como termo designativo de música popular), entre eles Michael Jackson. Foi a fase em que me apaixonei de vez pelos Fab Four e comecei a me identificar fortemente com as canções de um certo Renato Russo, líder da famosa Legião Urbana. Mesmo assim, no início dos anos 90, Jackson ainda voltaria a me tomar a atenção com mais uma videoclip sensacional, feito para a música “Black Or White”, o qual apresentava uma fantástica transformação de rostos entre várias etnias, bastante eficiente até para os padrões de hoje (clique aqui para assistir).
Mais alguns anos se passaram, eu já estava na faculdade e Jackson era mais lembrado na mídia por suas excentricidades (como sua aparência cada vez mais estranha e seus gastos perdulários) e acusações de abusos sexuais contra crianças, principalmente depois do fracasso comercial de seu álbum duplo “History”, cuja megalomania no seu processo de divulgação acabou por me despertar uma certa antipatia pelo cantor. Tal antipatia só não cresceu mais devido à influência de dois grandes amigos, um deles ainda do ensino médio (aê, Hendrick!) e, principalmente, outro que já conhecia desde o primário no Instituto Maria Auxiliadora e que reencontrei na faculdade, Gianfranco, um fã incondicional da mega-estrela. Eles me faziam
lembrar que, à parte suas esquisitices e ataques de grandiloquência, Michael Jackson era inegavelmente um grande artista.Infelizmente, não foi assim que ele foi tratado ao longo dos últimos anos. Sempre com a mídia procurando dar fôlego à sua atribulada vida pessoal, esquecendo totalmente os méritos musicais (muito embora não se possa negar que estes caíram muito em seus últimos trabalhos), a decadência de Michael Jackson atingiu o ápice com o circo armado em torno do processo judicial em que era réu, sob a acusação de abusar sexualmente de crianças em Neverland, seu famoso e extravagante rancho particular. Entretanto, ele foi absolvido de todas as acusações e lembro que acabei acompanhando ao vivo o resultado do julgamento, no qual uma quantidade enorme de fãs se aglomerou às portas do fórum local para comemorar a cada anúncio de “inocente” (“ele não fez nada, meu filho”, dizia minha mãe sempre que falavam nessas acusações e mãe, como todos sabem, costuma ter muita sabedoria).
E eis que tivemos, nesta quinta-feira 25 de junho de 2009, de forma totalmente inesperada, a notícia do falecimento do Rei do Pop, com a mídia, que tanto lhe apedrejou, agora lhe rendendo as devidas homenagens. Hoje, eu sei que o tal disco de nome difícil, “Thriller”, (que agora eu consigo pronunciar, enfim) é um dos mais importantes da história da música popular, não apenas por ser o mais vendido, e o tal videoclip cheio de monstros é o mais revolucionário de todos os tempos, um verdadeiro curta-metragem que modificaria para sempre a forma como apreciamos a arte musical. Também sei que o seu processo de “embranquecimento” não aconteceu por vontade própria, mas porque ele foi atingido pelo vitiligo, conhecida doença que retira a pigmentação da pele e que o título da canção “Black Or White” não deixa de ser uma referência à sua peculiar condição. Mas, principalmente, sei que artistas tão completos como Michael Jackson são raros, e que sua influência será sentida ao longo de várias gerações de cantores e dançarinos. Um showman negro que conseguiu romper as barreiras dos guetos da preconceituosa sociedade norte-americana (e mesmo mundial) e se tornar ídolo não apenas de jovens e crianças negras, mas de todas as etnias. Mas que também, infelizmente, mostrou que dinheiro e fama estão longe de significar paz de espírito. De qualquer forma, alguém já disse que a melhor herança que se pode deixar na vida são as boas lembranças. E isso Michael Jackson com certeza proporcionou e continuará proporcionando a muitas pessoas em todo este confuso planeta. Inclusive a mim, que jamais vou esquecer das horas que passei, de forma atabalhoada, tentando imitar seus passos lá nos primórdios dos anos 80. Afinal de contas, isso é que é ser feliz!
E quem disse que Michael morreu? Creio que ele apenas parou de envelhecer...
quarta-feira, 24 de junho de 2009
Oscar terá 10 indicados em 2010
Acabei de saber dessa e já estou postando aqui. Possivelmente de olho na queda de audiência da cerimônia de premiação do Oscar nos últimos anos, a Academia de Hollywood resolveu retornar a uma prática comum nos anos 30 e 40 e anuciar que, na próxima edição, a categoria de melhor filme terá 10 indicados, e não apenas 5, como vinha acontecendo há décadas. Sid Ganis, seu presidente, justifica afirmando que por vezes há muitos filmes que merecem reconhecimento, sendo o número de 5 insuficiente para se fazer justiça. Diz ainda que isso abrirá espaço para que mais filmes estrangeiros sejam reconhecidos, além de possivelmente abranger gêneros pouco lembrados pela Academia, como a comédia, rotineiramente deixada de lado nas indicações. Ganis finalizou lembrando o ano de 1939, em que os 10 filmes indicados se tornaram clássicos do cinema. Foram eles: "...E o vendo levou" (o vencedor), "O Mágico de Oz", "No Tempo das Diligências", "O Morro dos Ventos Uivantes", "Love Affair", "Adeus, Mr. Chips", "A Mulher Faz o Homem", "Ratos e Homens", "Vitória Amarga" e "Ninotchka" (realmente, um ano daqueles).
Filmes Para Ver Antes de Morrer
Por algum motivo que desconheço, a nova animação da Pixar, "Up - Altas Aventuras", só terá sua estreia no Brasil em setembro. Enquanto a gente espera, posto aqui a resenha que escrevi para "Ratatouille", um dos melhores filmes (senão o melhor) do famoso estúdio, à época do seu lançamento no circuito nacional.
Ratatouille
Uma delícia!
Os estúdios Pixar surgiram na década de 90 com Toy Story, filme responsável por apresentar ao mundo uma nova forma de animação, qual seja, a animação digital, a qual traria um novo patamar de qualidade para o gênero, com nuances e detalhes dos personagens nunca antes vistos, texturas cada vez mais próximas ao real e, de quebra, uma maior agilidade na produção dos longas, reduzindo em muito o tempo para se fazer uma animação. Além disso, trazia novos ares não só na forma, mas também no conteúdo: o roteiro mesclava bom-humor com uma bela história de amizade, mas sem nunca soar moralista e didático como as animações da Disney (que co-produziu Toy Story). Outra sacada: espalhar referências a outros filmes, além de elementos mais “adultos”, fazendo com que não só os pequenos, mas também os pais que necessariamente os acompanham para as salas, também se sentissem entretidos com a estória narrada (esse último aspecto seria, mais tarde, levado até as últimas conseqüências pela Dreamworks com seu “Shrek”).
Normalmente em parceria com os estúdios Disney, a Pixar foi se firmando com força no cenário cinematográfico, alcançando bilheterias cada vez mais retumbantes. “Vida de Inseto”, “Monstros S/A”, “Procurando Nemo” e “Os Incríveis” são alguns exemplos de sucesso da Pixar. Porém, ultimamente, as cabeças pensantes da equipe pareciam dar sinais de cansaço. “Carros”, filme que acabou sendo indicado ao Oscar de animação, apresentava um roteiro já previsível e com algumas lições de moral clichês, óbvias, no melhor estilo “Amigo Urso”, da Disney (mas que mesmo assim foi um sucesso de público).
Pois bem, quando já se via sinais de decadência, eis que Brad Bird (o mesmo diretor do ótimo “Os Incríveis”) e Bob Petterson (roteirista de “Procurando Nemo”) dirigem e nos apresentam uma trama inusitada: um ratinho (logo um rato!) chamado Rémy sonha em se tornar um grande “cheff de cuisine” e tem como ídolo Auguste Gusteau, um dos mais renomados cozinheiros da meca da culinária mundial. Além disso, em sua fantasia, misturam temas bastante adultos como preconceito social, o papel da crítica em relação à atividade que discute, a industrialização indiscriminada de nossa alimentação, entre outros. E o resultado desta sopa, com tantos sabores variados, é... delicioso!!!!
Antes de tudo, convém fazermos alguns esclarecimentos sobre o meio gastronômico francês, uma espécie de obsessão nacional semelhante a que temos pelo futebol. Um caso é bastante ilustrativo: em 2003, Bernard Loiseau, chef e proprietário do restaurant Côte d’Or, no vilarejo de Saulieu, Borgonha, deu cabo da própria vida com um tiro na cebeça, deixando esposa e filhos. Suicidou-se no auge da carreira, quando já era considerado por muitos como o maior chef francês depois de Paul Bocuse (este uma espécie de Pelé da gastronomia!). Motivo: corria um boato de que seu restaurante perderia uma estrela no Guia Michellin, espécie de bíblia que orienta os apreciadores da boa cozinha. No fim das contas, não houve a perda da estrela ...Portanto, não vejam como “coisa de animação” o fato de Gusteau, o ídolo do ratinho Rémy, ter morrido após seu restaurante ter perdido uma estrela devido a uma avaliação negativa do crítico Anton Ego (voz de Peter O’Toole no original). Ego, o mais renomado crítico gastronômico de Paris, tinha uma severa antipatia por Gusteau devido ao lema deste de que “todo mundo pode cozinhar”. Aliás, é sabido que os realizadores passaram meses freqüentando a alta cozinha francesa, para que o resultado fosse o mais fidedigno possível.
E é pouco depois da morte do famoso chef que Rémy, devido a uma série de eventos que acabam por separá-lo de sua família, acaba chegando casualmente ao restaurant de seu mentor intelectual, onde um jovem atrapalhado aprendiz de cozinheiro chamado Linguini acaba de conseguir um emprego, fazendo a limpeza da cozinha. O chef agora é Skinner (Ian Holm no original), homem de caráter duvidoso, que está jogando a reputação do Gusteau’s no lixo ao colocar o famoso nome do antigo proprietário como marca de fast-food. Mas a união entre o talento de Rémy e a forma humana de Linguini pode vir a salvar a reputação desta importante referência parisiense.
Só por esse breve resumo do roteiro, podemos constatar que os autores não procuraram apenas realizar uma diversão para crianças, ou mesmo colocar apenas algumas referências mais adultas para agradar o público mais velho. A trama é realmente consistente e, embora também seja uma obra que deve agradar bastante aos pequenos, jamais resvala na infantilidade. Seus personagens são bem construídos, o texto flui com enorme leveza, sem nunca perder o bom-humor (dei várias gargalhadas durante a projeção), mas também sem nunca se distanciar de uma boa abordagem dos temas escolhidos, como o preconceito sofrido por Rémy pelo fato de ser um rato, nos remetendo imediatamente aos preconceitos que fazem parte de nosso dia-a-dia, como de classe social, cor da pele ou origem étnica. Interessante, vale destacar, a forma como os ratos parentes de Rémy muitas vezes nos são mostrados. Em várias cenas, quando mostrados à distância e na penumbra, eles nos parecem ameaçadores mas, tão logo se aproximam da câmara, vemos o quanto são amáveis e simpáticos. E faço a pergunta: quantas vezes não nos enganamos com aqueles com quem cruzamos no dia-a-dia. Quantas vezes não fazemos julgamentos equivocados sobre alguém, apenas por sua origem social, cor da pele etc.?
Ademais, vemos a divisão de Rémy entre o seu trabalho e a sua família, a competição existente entre os cozinheiros do restaurante (que logo podemos associar a vários ambientes de trabalho competitivos), uma severa crítica ao sistema fast-food que vem tomando conta do mundo, em detrimento de uma boa refeição, além de uma reflexão interessantíssima sobre o papel da crítica, seja no meio gastronômico, musical, cinematográfico ou afins. E, claro, a como a trama se passa em Paris, não poderia faltar um romance, já que a Cidade Luz é também o sonho romântico do inconsciente coletivo mundial.
No que diz respeito aos aspectos técnicos, o que parecia impossível aconteceu: a Pixar conseguiu se superar e a animação impressiona pela beleza, atenção aos detalhes, força das cores, vivacidade das expressões. Irretocável em todas as suas nuances. Ah, e a dublagem em português é excelente!
Bem, o que mais escrever? Não costumo taxar de obra-prima um filme que acabou de ser lançado, pois o tempo muitas vezes é implacável e acaba nos fazendo perceber que determinada obra não era lá essas coisas e vice-versa (uma obra pela qual não demos muita bola, acaba se revelando muito melhor com os passar dos anos). Mas a verdade é que não consegui enxergar defeitos em “Ratatouille” (a pronúncia correta é ratatúie) e, sendo assim, não posso chegar a outra conclusão: é mesmo uma obra-prima da animação.
Portanto, se você quer emoção, reflexão e, ao mesmo tempo, dar umas boas risadas...Voilá!!! Não deixe de ir ao cinema acompanhar a ascensão deste peculiar cozinheiro! E bom apetite para todos! Apreciem sem moderação e sem medo engordar!
Classificação: ***** (cinco estrelas).
Nota: 10,0
Obs: Cheguem sem atraso na sala de exibição para não perderem o curta “Quase Abduzido”. Divertidíssimo!!!
Normalmente em parceria com os estúdios Disney, a Pixar foi se firmando com força no cenário cinematográfico, alcançando bilheterias cada vez mais retumbantes. “Vida de Inseto”, “Monstros S/A”, “Procurando Nemo” e “Os Incríveis” são alguns exemplos de sucesso da Pixar. Porém, ultimamente, as cabeças pensantes da equipe pareciam dar sinais de cansaço. “Carros”, filme que acabou sendo indicado ao Oscar de animação, apresentava um roteiro já previsível e com algumas lições de moral clichês, óbvias, no melhor estilo “Amigo Urso”, da Disney (mas que mesmo assim foi um sucesso de público).
Pois bem, quando já se via sinais de decadência, eis que Brad Bird (o mesmo diretor do ótimo “Os Incríveis”) e Bob Petterson (roteirista de “Procurando Nemo”) dirigem e nos apresentam uma trama inusitada: um ratinho (logo um rato!) chamado Rémy sonha em se tornar um grande “cheff de cuisine” e tem como ídolo Auguste Gusteau, um dos mais renomados cozinheiros da meca da culinária mundial. Além disso, em sua fantasia, misturam temas bastante adultos como preconceito social, o papel da crítica em relação à atividade que discute, a industrialização indiscriminada de nossa alimentação, entre outros. E o resultado desta sopa, com tantos sabores variados, é... delicioso!!!!
Antes de tudo, convém fazermos alguns esclarecimentos sobre o meio gastronômico francês, uma espécie de obsessão nacional semelhante a que temos pelo futebol. Um caso é bastante ilustrativo: em 2003, Bernard Loiseau, chef e proprietário do restaurant Côte d’Or, no vilarejo de Saulieu, Borgonha, deu cabo da própria vida com um tiro na cebeça, deixando esposa e filhos. Suicidou-se no auge da carreira, quando já era considerado por muitos como o maior chef francês depois de Paul Bocuse (este uma espécie de Pelé da gastronomia!). Motivo: corria um boato de que seu restaurante perderia uma estrela no Guia Michellin, espécie de bíblia que orienta os apreciadores da boa cozinha. No fim das contas, não houve a perda da estrela ...Portanto, não vejam como “coisa de animação” o fato de Gusteau, o ídolo do ratinho Rémy, ter morrido após seu restaurante ter perdido uma estrela devido a uma avaliação negativa do crítico Anton Ego (voz de Peter O’Toole no original). Ego, o mais renomado crítico gastronômico de Paris, tinha uma severa antipatia por Gusteau devido ao lema deste de que “todo mundo pode cozinhar”. Aliás, é sabido que os realizadores passaram meses freqüentando a alta cozinha francesa, para que o resultado fosse o mais fidedigno possível.
E é pouco depois da morte do famoso chef que Rémy, devido a uma série de eventos que acabam por separá-lo de sua família, acaba chegando casualmente ao restaurant de seu mentor intelectual, onde um jovem atrapalhado aprendiz de cozinheiro chamado Linguini acaba de conseguir um emprego, fazendo a limpeza da cozinha. O chef agora é Skinner (Ian Holm no original), homem de caráter duvidoso, que está jogando a reputação do Gusteau’s no lixo ao colocar o famoso nome do antigo proprietário como marca de fast-food. Mas a união entre o talento de Rémy e a forma humana de Linguini pode vir a salvar a reputação desta importante referência parisiense.
Só por esse breve resumo do roteiro, podemos constatar que os autores não procuraram apenas realizar uma diversão para crianças, ou mesmo colocar apenas algumas referências mais adultas para agradar o público mais velho. A trama é realmente consistente e, embora também seja uma obra que deve agradar bastante aos pequenos, jamais resvala na infantilidade. Seus personagens são bem construídos, o texto flui com enorme leveza, sem nunca perder o bom-humor (dei várias gargalhadas durante a projeção), mas também sem nunca se distanciar de uma boa abordagem dos temas escolhidos, como o preconceito sofrido por Rémy pelo fato de ser um rato, nos remetendo imediatamente aos preconceitos que fazem parte de nosso dia-a-dia, como de classe social, cor da pele ou origem étnica. Interessante, vale destacar, a forma como os ratos parentes de Rémy muitas vezes nos são mostrados. Em várias cenas, quando mostrados à distância e na penumbra, eles nos parecem ameaçadores mas, tão logo se aproximam da câmara, vemos o quanto são amáveis e simpáticos. E faço a pergunta: quantas vezes não nos enganamos com aqueles com quem cruzamos no dia-a-dia. Quantas vezes não fazemos julgamentos equivocados sobre alguém, apenas por sua origem social, cor da pele etc.?
Ademais, vemos a divisão de Rémy entre o seu trabalho e a sua família, a competição existente entre os cozinheiros do restaurante (que logo podemos associar a vários ambientes de trabalho competitivos), uma severa crítica ao sistema fast-food que vem tomando conta do mundo, em detrimento de uma boa refeição, além de uma reflexão interessantíssima sobre o papel da crítica, seja no meio gastronômico, musical, cinematográfico ou afins. E, claro, a como a trama se passa em Paris, não poderia faltar um romance, já que a Cidade Luz é também o sonho romântico do inconsciente coletivo mundial.
No que diz respeito aos aspectos técnicos, o que parecia impossível aconteceu: a Pixar conseguiu se superar e a animação impressiona pela beleza, atenção aos detalhes, força das cores, vivacidade das expressões. Irretocável em todas as suas nuances. Ah, e a dublagem em português é excelente!
Bem, o que mais escrever? Não costumo taxar de obra-prima um filme que acabou de ser lançado, pois o tempo muitas vezes é implacável e acaba nos fazendo perceber que determinada obra não era lá essas coisas e vice-versa (uma obra pela qual não demos muita bola, acaba se revelando muito melhor com os passar dos anos). Mas a verdade é que não consegui enxergar defeitos em “Ratatouille” (a pronúncia correta é ratatúie) e, sendo assim, não posso chegar a outra conclusão: é mesmo uma obra-prima da animação.
Portanto, se você quer emoção, reflexão e, ao mesmo tempo, dar umas boas risadas...Voilá!!! Não deixe de ir ao cinema acompanhar a ascensão deste peculiar cozinheiro! E bom apetite para todos! Apreciem sem moderação e sem medo engordar!
Classificação: ***** (cinco estrelas).
Nota: 10,0
Obs: Cheguem sem atraso na sala de exibição para não perderem o curta “Quase Abduzido”. Divertidíssimo!!!
sábado, 20 de junho de 2009
Trilha Sonora #4
Mesmo que você nunca tenha assistido a "Três Homens Em Conflito", também conhecido como "O Bom, O Mau e O Feio", provavelmente já ouviu esta trilha icônica, símbolo do chamado "spaghetti western". A parceria entre dois gênios, Sergio Leone e Ennio Morricone, só poderia resultar em cenas inesquecíveis pontuadas por uma trilha igualmente memorável. E, de quebra, o jovem Clint Eastwood começando a sua carreira, ele que iria se tornar um dos maiores nomes da história do cinema. Se ainda não viu, não perca mais tempo!
Ennio Morricone - The Good, the Bad and the Ugly (cowboy theme)
sexta-feira, 19 de junho de 2009
Último Desejo
A norte-americana Colby Curtin, de apenas 10 anos, tinha uma grande desejo: assistir à animação "Up", novo grande sucesso dos estúdios Pixar. Detalhe: ela sofria de câncer no fígado, lutando contra a doença há 3 anos, e já em estado terminal. Este era seu último desejo, que acabou sendo atendido pelo estúdio. A Pixar enviou um funcionário à casa de Colby no último dia 10 de junho, realizando uma exclusiva sessão doméstica, além de lhe presentear com um poster e personagens em pelúcia. Segundo informações divulgadas pelas agências de notícias, a pequena Colby faleceu cerca de 7 horas depois de ver o filme.
"Up - Altas Aventuras" tem sua estreia em setembro no Brasil.
"Up - Altas Aventuras" tem sua estreia em setembro no Brasil.
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