domingo, 19 de julho de 2009

Carta na Rolling Stone



Olá, pessoal!

Bem, não considero isso algo tão relevante, mas acabei me sentindo um pouco lisonjeado por ver a seguinte mensagem publicada na seção de cartas da revista Rolling Stone deste mês de julho (página 14, sob o título "Pornô Pop"). Eles editaram apenas a frase em que faço referência ao comportamento dos pais. É bom ver que uma publicação tão renomada garante espaço mesmo para aqueles que eventualmente a criticam (ao contrário de uma certa "revistinha" metida a besta e que de democrática não tem nada). Ah, mas a edição está ótima (como deixam entrever as duas capas deste mês). Recomendo.


É com decepção que vejo na capa de junho (RS 33) uma cantora cujo disco foi desmerecido pela própria revista em sua edição anterior (página 111 da ótima RS 32). Acredito até que a tiragem deveria ter feito constar em sua capa a advertência "inadequado para menores de 18 anos", tendo em vista o excessivo erotismo da foto que abre a matéria sobre Lady Gaga. Muitos pais com filhos pequenos em casa devem ter pensado duas vezes antes de deixar a revista sobre o centro da sala ou outro local de fácil acesso. Triste constatar o destaque dado por uma publicação que respeitamos a uma "artista" que utiliza expedientes semi-pornôs para disfarçar o seu pouco talento para a música (e que mais uma vez nos é empurrada goela abaixo pela já cambaleante indústria fonográfica).

Fábio Henrique de Araújo Carmo - Natal/RN

sexta-feira, 17 de julho de 2009

Filmes Para Ver Antes de Morrer


De Volta Para o Futuro




Quantas vezes você já viu?

Um clássico oitentista. Talvez seja essa a melhor forma de definir o longa “De Volta Para o Futuro”, um daqueles filmes que sempre nos dão prazer em rever. Eu mesmo já o tinha visto diversas vezes (pelo menos umas sete ou oito, acredito), mas, mesmo assim, resolvi realizar mais uma sessão reprise nos últimos dias. Até mesmo porque eu já não o via há um bom tempo, alguns detalhes haviam sumido da memória e, já fazia cerca de um ano, tinha comprado a caixa com os três episódios da trilogia e ela, simplesmente, continuava intocada. E é interessante constatar como o filme envelheceu bem. Coloca-se ainda como uma diversão juvenil extremamente eficiente, com um roteiro redondo e ritmo impecável.

Dirigido por Robert Zemeckis (que também escreveu o roteiro ao lado de Bob Galé), o filme é mais um rebento da revolução promovida por Steven Spielberg. Zemeckis é um dos mais fiéis discípulos da escola do gênio por trás de “Tubarão”, “Os Caçadores da Arca Perdida” e “E.T.” e, neste longa sobre um carro que viaja no tempo, ele demonstra que aprendeu direitinho todas as lições transmitidas pelo mestre (não é à toa que Spielberg foi o produtor executivo). Ou seja, uma trama até mesmo banal, que poderia ser encontrada em vários quadrinhos de ficção científica ou filmes B, comuns na Hollywood de décadas anteriores, transforma-se em uma película classe A, garantindo diversão com um acabamento de primeira.

Esse acabamento “classe A” já pode ser vislumbrado logo na primeira sequência, que lembra muito o estilo Alfred Hitchcock de filmar. Nela, a câmera mostra, sem qualquer pressa, os objetos presentes na casa-laboratório do Dr. Emmet Brown (Christopher Lloyd), um cientista maluco cujo visual nos remete imediatamente a Albert Einstein (que dá nome ao seu cachorro, inclusive). Logo em seguida, surge no ambiente Marty McFly (Michael J. Fox, então um astro da TV americana na série “Fammily Ties”), um jovem de 17 anos que pergunta se o cientista está em casa. Pronto! Assim, em pouco tempo, já sabemos que Marty é o jovem ajudante desse “professor Pardal” cinematográfico.

Aos poucos, também vamos conhecendo a família totalmente disfuncional de Marty. Seu pai, George (Crispin Glover), é um derrotado que sofre humilhações nas mãos do seu chefe, Biff. Sua mãe, uma mulher frustrada com o casamento que acalenta ilusões de felicidade. Seus irmãos também parecem estar direcionados a destinos não muito felizes ou promissores. Na verdade, o trabalho ao lado do Dr. Brown, além de sua namorada, são os refúgios de Marty diante dessa realidade não muito animadora.

Contudo, o Dr. Brown está trabalhando em um novo experimento extraordinário. Uma máquina do tempo na forma de um automóvel DeLorean (a mais estilosa máquina temporal já concebida, imagino). E assim, devido a algumas peripécias ocorridas durante a primeira experiência com o DeLorean, Marty acaba indo parar no ano de 1955, pouco tempo antes de seus pais se conhecerem e originarem o romance que futuramente geraria o próprio Marty e seus irmãos. Contudo, além de ter que fazer o DeLorean funcionar novamente (o plutônio responsável pela energia do veículo acabara) com a ajuda de um Dr. Brown ainda bem mais jovem (e também ainda longe de inventar a tal máquina), Marty vai se ver na inusitada situação de ser o alvo da paixão de sua própria mãe o que pode trazer uma consequência gravíssima: se seus pais não se apaixonarem, ele próprio deixará de existir.

E assim se desenrola o engenhoso roteiro, que sabe misturar, como poucos, aventura, ficção científica e comédia, tudo perfeitamente dosado em sequências memoráveis e atemporais. Quem se esquece da fuga de Marty em seu skate improvisado pelas ruas de Hill Valley? Ou ainda de sua apresentação no baile em que seus pais se apaixonam? Creio que todos os que assistiram não esquecem.

É bom ressaltar que não só o roteiro é ótimo. A direção de arte é perfeita e o elenco está afiadíssimo. Inimaginável outro ator no lugar de Michael J. Fox no papel de Marty, assim como Christopher Lloyd está perfeito na pele do amalucado Dr. Brown. Crispin Glover, como pai de Marty, e Lea Thompson, com sua mãe, também estão ótimos, se divertindo à beça. E ainda vai um destaque especial para Thomas F. Wilson que faz Biff, um dos mais divertidos vilões da história do cinema. Importante destacar, ademais, o verdadeiro personagem em que se transforma a cidade de Hill Valley, com seus tipos, paisagem e elementos característicos, colocando-se como uma das mais memoráveis cidades ficcionais das telonas.

E mesmo das telinhas. A verdade é que “De Volta Para o Futuro” transformou-se em um clássico das locadoras (e, atualmente, das lojas de DVDs) e várias foram as oportunidades em que eu, ainda garoto, loquei a fita na antiga e saudosa“Vitória Régia”. Uma aventura atemporal e sem idade, capaz de agradar ao menino de 10 anos ou ao senhor de 60, que brinca com a imaginação do espectador. Afinal, quem não gostaria de ver como eram seus pais quando jovens? Ou, ainda, quem, pelo menos uma vez na vida, não teve vontade de alterar pelo menos um pouquinho o seu passado? Bons filmes estes, que conseguem agregar diversão à mais fértil imaginação.

Obs. A canção tema do longa, “The Power Of Love”, está disponível no post abaixo. É só curtir!

Obs 2. Uma curiosidade: o bêbado no banco da praça era o prefeito de Hill Valley em 1955. Detalhes como esse é que nos fazem ainda ter vontade de ver o filme mais uma vez.

Obs. 3: Também não deixe de ver as duas continuações, igualmente divertidas e inteligentes!

Cotação: * * * * * (cinco estrelas)
Nota: 10,0!!!

terça-feira, 14 de julho de 2009

Trilha Sonora #5


Quem nunca se empolgou com as peripécias intertemporais de Marty McFly, o inesquecível viajante do tempo imortalizado por Michael J. Fox? Dia desses, revi o primeiro episódio da trilogia "De Volta Para o Futuro" e constatei que o tempo parece fazer bem a esse clássico oitentista absoluto! E quem não se lembra da canção tema do longa, "The Power Of Love"? Tão inesquecível quanto!

Obs. Estou escrevendo uma resenha sobre "Back To The Future", mas que anda meio empacada. Espero que a inspiração me deixe terminar o mais breve possível.



Huey Lewis And The News - Power Of Love

domingo, 12 de julho de 2009

Presente!

Perceberam o novo cabeçalho do blog? Trata-se de um pequeno presente do meu primo e amigo Isaac (também blogueiro, clique aqui para conhecer a página) para este 1 ano do "Cinema com Pimenta". Valeu, primo! Já fazia um tempo que estava querendo aperfeiçoar o cabeçalho, mas andava sem muita paciência para trabalhar com programas de edição de imagem. Ficou o máximo!

sexta-feira, 10 de julho de 2009

Cinema Com Pimenta: 1 ano

Nada passa mais rápido que o tempo. Há um ano, no dia 11 de julho de 2008, eu publicava neste espaço a resenha de "Wall-E", uma das melhores animações da Pixar, e inaugurava o blog "Cinema Com Pimenta". Alguns que me acompanharam ao longo destes 365 dias talvez não saibam, mas o nome do blog vem do meu apelido nos fóruns de discussão sobre os Beatles, onde sempre postei como "Sgt. Pepper", e os amigos que fiz nestes espaços virtuais acabaram por se habituar a me chamar de "Pepper" ou, traduzindo, "Pimenta". De qualquer forma, o título também acaba tendo um outro sentido, o de procurar mostrar que o cinema aqui debatido é aquele bem temperado! Nada de gororobas sem graça, portanto.

Bom lembrar, ainda, que o espaço foi criado a partir da insistência de alguns amigos. Eu já escrevia resenhas havia um bom tempo e costumava enviá-las por e-mail para aqueles da minha lista de contatos, além de postá-las nos referidos fóruns de discussão. "Por que você não cria um blog, Fábio? Você escreve tão bem!". Pois bem, sugestão aceita e aqui estamos nós, no post de nº 163, tentando driblar a fata de tempo e, por vezes, de inspiração para escrever (acho que todo blogueiro passa por essas em algum momento), isso sempre em busca, óbvio, de ver o número de acessos crescer e, principalmente, de encontrar alguns dizeres na área de comentários (que coisa difícil é conseguir um comentário, nossa...).

Bem, para marcar este primeiro aniversário do blog, segue abaixo aquela que talvez seja a cena mais icônica da história do cinema, a mais famosa, a mais lembrada por muitos cinéfilos, por não -cinéfilos e até por quem nunca assistiu a esse filme. Se você não viu, aconselho-o(a) a ver o mais rápido possível. Afinal, estas fotos de "Casablanca" não estão no topo desta página por mero acaso. Um presente para todos aqueles que já tiveram o coração partido pelo menos uma vez na vida.





quarta-feira, 8 de julho de 2009

A Era do Gelo 3 bate recorde em sua estreia no Brasil


"A Era do Gelo 3" (a resenha do longa está mais abaixo) se tornou a animação com a melhor abertura no Brasil. Em eu primeiro final de semana, 1.230.000 espectadores assistiram à mais nova aventura dos animaizinhos pré-históricos, arrecadando R$ 12,1 milhões de reais. Somando as arrecadações das pré-estreias, o filme já soma R$ 20 milhões. No geral, "A Era do Gelo 3", se tornou a quarta maior abertura da história aqui na Terra Brasilis, perdendo apenas para a trologia "Homem-Aranha". Eu já estava desconfiado deste sucesso. Aqui em Natal, 6 salas estão exibindo o filme e, mesmo com sessões iniciando a cada meia hora, elas estavam cheias neste fim de semana. Vale dizer ainda que, pelo menos nos cinemas brasileiros, a animação de Carlos Saldanha já deixou "Transformers 2" bem pra trás (R$ 2,78 milhões neste último fim de semana).

segunda-feira, 6 de julho de 2009

Musas do Escurinho #6

Eu estava dando uma olhada nas estatísticas do blog no Google Analytics e percebi que, mais do que o texto e as fotos do Michael Jackson, o blog tem bombabo com os acessos em busca de fotos da Megan Fox. Pois, em homenagem a essas pessoas de bom gosto que vêm proporcionando uma boa "audiência" a este espaço, aqui vão mais duas fotos da atual musa cinematográfica da marmanjada. Uma delas para o ensaio da revista GQ e outra para Maxim. Será que agora eu finalmente alcanço os 1000 acessos diários? ;=)




domingo, 5 de julho de 2009

A Era do Gelo 3

Não precisa de desculpas


O diretor Carlos Saldanha é hoje o brasileiro de maior destaque em Hollywood. Isso porque é responsável por uma das franquias mais criativas, divertidas e, principalmente levando em conta o país de produção, lucrativas dos últimos anos. Trata-se da série “A Era do Gelo”, a qual sempre traz uma trama direta e pensada de uma forma a agradar crianças e adultos. E há sinceridade nessa pretensão, não se tratando de longas para crescidos disfarçados de filmes para crianças (como é o caso da série “Shrek”). Ademais, em sua perspectiva de “filme família”, sua temática constante é justamente... a família! E este terceiro episódio (Ice Age: Dawn Of The Dinosaurs) é o que mais reforça esta abordagem.

Agora, ao revermos nossos velhos conhecidos, os mamutes Manny e Ellie estão para ter um bebê. Todavia, contrastando com a alegria do casal, o tigre dentes-de-sabre Diego sente-se deslocado e com saudade de sua vida errante e selvagem, o que o leva a deixar o estranho bando do qual passou a fazer parte no primeiro episódio. A preguiça Sid (um dos mais lembrados e carismáticos personagens da franquia) também deseja ter uma família e, na ausência de uma companheira, decide adotar os ovos encontrados em uma estranha região subterrânea. Mal sabe ele que são ovos de dinossauro e, quando a mamãe dinossauro volta para buscar seus filhotes, acaba levando Sid juntamente com estes para o mundo subterrâneo ainda dominado pelos répteis gigantes. Para resgatar o amigo, Manny, Ellie e Diego, além dos gambás Crash e Eddie, se aventuram neste mundo desconhecido.

Uma das grandes sacadas desta nova sequência é o personagem de Buck, uma doninha caolha que há muito tempo vive nesta terra de dinossauros e que vai ajudar na busca ao trapalhão Sid. Com um tom que lembra levemente o capitão Jack Sparrow, de “Piratas do Caribe”, e mais ainda o capitão Ahab, de “Moby Dick”, Buck rouba a cena por diversas vezes (há uma cena em que ele atende ao “celular” realmente impagável) e é interessante como os roteiristas souberam, em pouco tempo, criar toda uma alegoria própria para o personagem. Ele é tem uma fixação por Ruddy, um dinossauro gigantesco que assombra todos os outros do mundo perdido. Aliás, bom sublinhar que o humor está mais afiado do que nunca.

Uma pena eu não poder tecer maiores comentários sobre os aspectos técnicos. O filme originalmente possui várias seqüências pensadas para o 3D, tecnologia que está se tornando a menina dos olhos do mercado atual (principalmente na área de animação), pois que se acredita que isso fará muitos saírem de casa para ver os filmes nas salas de cinema. E aqui em Natal, infelizmente, não possuímos nenhuma sala preparada para exibir este tipo de filme. Fica desde já a reclamação para que os exibidores locais acordem para esta nova realidade. O filmes em 3D estão cada vez mais frequentes e o atraso está batendo à nossa porta. De resto, cabe elogiar a dublagem nacional, que não deixa nada a dever ao original americano. Diogo Vilela como Manny, Márcio Garcia (Diego) e Cláudia Jimenez (Ellie) estão ótimos. Entretanto, o destaque maior vai para Tadeu Melo, excelente como a voz de Sid.

“E o Scrat? Esqueceu dele?”. Calma! O famoso e popular esquilo pré-histórico continua em busca de sua noz. Entretanto, dessa vez a noz terá sua atenção disputada com a esquila pré-histórica Scratte (que também quer a noz!), a fêmea que vai virar a cabeça do nosso amigo roedor. O duelo/romance entre os dois é responsável por ótimas cenas ao longo de toda a projeção.

Para resumir: se você está querendo levar, nessas férias, seu filho pequeno (ou sobrinho, irmãozinho, priminho ou seja lá o que for) para uma boa sessão de cinema, aproveite este “A Era do Gelo 3”. Não só ele como você irão se divertir muito. E se não tiver qualquer criança na família, vá assim mesmo. Eu não precisei dessa desculpa para pegar a sessão. Boas risadas!

Classificação: * * * * (quatro estrelas)
Nota: 9,0

Obs. 1: A próxima animação de Saldanha se passará em um ambiente bem mais “quente” que o da série “Ice Age”. Ela se chamará “Rio”. Precisa de mais explicações?

Obs. 2: Como era de se esperar, havia muitos pequenos na sessão. Mas é interessante como as crianças são muitas vezes mais educadas do que vários adultos por aí...

Obs. 3: “A Era do Gelo 3” empatou com “Transformers: A Vingança dos Derrotados” na primeira colocação deste fim de semana nos EUA. Foram 42,5 milhões de dólares arrecadados por ambas as produções e o filme dos robôs já se tornou a maior arrecadação do ano tanto nos USA quando no mundo. Eu ainda não vi “Transformers”, mas estou com a impressão de que a Megan Fox é mesmo a musa do momento!

sábado, 4 de julho de 2009

Eu quero esse pôster # 1



Um dos maiores fetiches de qualquer cinéfilo é o poster promocional de um filme. Imagino que cada um tenha os seus preferidos (eu, por exemplo, adoro os de "Kill Bill vol. 1" e "Menina de Ouro") e gostaria possuí-los em algum cômodo de sua residência. Lembrando disso, abro mais uma série, "Eu quero esse pôster", para lembrar e até descobrir algumas dessas imagens que, por vezes, se transformam em uma autêntica peça de arte. Começo aqui com o pôster mais recente do novo filme de Quentin Tarantino, "Bastardos Inglórios", que, na sua apresentação, lembra mesmo um filme dos anos 40. Por sinal, os filmes de Tarantino costumam mesmo ter cartazes muito bem elaborados, como no mencionado "Kill Bill" e também em "Pulp Fiction".

domingo, 28 de junho de 2009

E Essa Agora...


Dá pra acreditar? "Transformers: A Vingança dos Derrotados" quase ultrapassa "O Cavaleiro das Trevas" como filme mais rápido a alcançar o faturamento de US$ 200 milhões em arrecadação. Em apenas 5 dias ele atingiu essa marca, mas perde para o filme do Batman que atingiu 202 milhões no mesmo período. O filme, que vem sendo detonado pela crítica ao redor do mundo, deve acabar se tornando o maior sucesso de 2009. E Michael Bay acaba saindo dessa "consagrado"! Putz! O pior é que isso quase me obriga a assistir ao filme (já não tinha gostado muito do primeiro e nem estava interessado em ver esse segundo...) e postar uma resenha aqui. Bem, pelo menos vou procurar curtir a Megan Fox com sua boca sempre entreaberta. Talvez seja exatamente esse o segredo do sucesso do longa...

sexta-feira, 26 de junho de 2009

Michael Joseph Jackson: 29/08/1958 - 25/06/2009


Boas Lembranças

Eu era bem pequeno quando minha irmã ganhou, como presente no Dia da Criança, um LP (sim, era o tempo dos bolachões) de um certo astro da música que era o grande sucesso do momento. Eu já conhecia esse artista de um videoclip que sempre passava na TV aos domingos, logo antes do “Fantástico” da TV Globo. Eu adorava esse videoclip, que me enchia de entusiasmo e ao mesmo tempo medo, pois que cheio de personagens horripilantes como zumbis e lobisomens (além de uma risada pra lá de cavernosa no final) e corria alucinado para a frente do televisor para não deixar de ver mais uma de suas reprises. Logo quando ouvi em casa o tal disco, percebi que havia nele várias outras músicas legais e dançantes. Mal sabia eu que o tal LP (de nome complicado: “tchiler”, “frilé”, que coisa mais difícil de pronunciar) se tornaria o álbum mais vendido de todos os tempos e que o seu cantor, Michael Jackson, seria futuramente aclamado como o Rei do Pop. A verdade é que, durante um bom tempo, escutei o disco alucinadamente, procurando (e, claro, não conseguindo) imitar todos os passos de dança feitos por Michael nos clips televisivos, especialmente um em que ele parecia andar para trás.

O tempo foi passando e o super-astro Michael Jackson foi, aos poucos, ficando estranho. No disco seguinte, ele apareceu com a pele um tanto mais clara e todos se perguntavam como aquilo poderia ter acontecido. “Que coisa mais estranha, como isso é possível?”, era a frase sempre ouvida quando se falava no nome dele. E todos começaram a afirmar que Jackson era um racista, alguém que padecia de preconceito contra sua própria etnia e estava clareando a própria pele porque “queria ser branco”. Mas a verdade é que o esse novo disco dele (dessa vez tinha um nome mais fácil, era só falar “bédi”) também era muito legal, com músicas bem dançantes como naquele disco em que ele aparecia com um tigre no encarte (o tal “tíler”... Mas que nome chato!).


(Pra quem não sabe: o clip de "Bad" foi dirigido por Martin Scorsese)

Novamente, o tempo passou (afinal, ele não para) e eu, que já tinha uma forte atração pelo rock (acredito que a primeira vez que ouvi os Beatles ainda foi no útero materno), acabei abraçando de vez esse gênero ainda no início da minha adolescência, deixando de lado astros da chamada música “pop” (entendida aqui como gênero e não como termo designativo de música popular), entre eles Michael Jackson. Foi a fase em que me apaixonei de vez pelos Fab Four e comecei a me identificar fortemente com as canções de um certo Renato Russo, líder da famosa Legião Urbana. Mesmo assim, no início dos anos 90, Jackson ainda voltaria a me tomar a atenção com mais uma videoclip sensacional, feito para a música “Black Or White”, o qual apresentava uma fantástica transformação de rostos entre várias etnias, bastante eficiente até para os padrões de hoje (clique aqui para assistir).

Mais alguns anos se passaram, eu já estava na faculdade e Jackson era mais lembrado na mídia por suas excentricidades (como sua aparência cada vez mais estranha e seus gastos perdulários) e acusações de abusos sexuais contra crianças, principalmente depois do fracasso comercial de seu álbum duplo “History”, cuja megalomania no seu processo de divulgação acabou por me despertar uma certa antipatia pelo cantor. Tal antipatia só não cresceu mais devido à influência de dois grandes amigos, um deles ainda do ensino médio (aê, Hendrick!) e, principalmente, outro que já conhecia desde o primário no Instituto Maria Auxiliadora e que reencontrei na faculdade, Gianfranco, um fã incondicional da mega-estrela. Eles me faziam lembrar que, à parte suas esquisitices e ataques de grandiloquência, Michael Jackson era inegavelmente um grande artista.

Infelizmente, não foi assim que ele foi tratado ao longo dos últimos anos. Sempre com a mídia procurando dar fôlego à sua atribulada vida pessoal, esquecendo totalmente os méritos musicais (muito embora não se possa negar que estes caíram muito em seus últimos trabalhos), a decadência de Michael Jackson atingiu o ápice com o circo armado em torno do processo judicial em que era réu, sob a acusação de abusar sexualmente de crianças em Neverland, seu famoso e extravagante rancho particular. Entretanto, ele foi absolvido de todas as acusações e lembro que acabei acompanhando ao vivo o resultado do julgamento, no qual uma quantidade enorme de fãs se aglomerou às portas do fórum local para comemorar a cada anúncio de “inocente” (“ele não fez nada, meu filho”, dizia minha mãe sempre que falavam nessas acusações e mãe, como todos sabem, costuma ter muita sabedoria).

E eis que tivemos, nesta quinta-feira 25 de junho de 2009, de forma totalmente inesperada, a notícia do falecimento do Rei do Pop, com a mídia, que tanto lhe apedrejou, agora lhe rendendo as devidas homenagens. Hoje, eu sei que o tal disco de nome difícil, “Thriller”, (que agora eu consigo pronunciar, enfim) é um dos mais importantes da história da música popular, não apenas por ser o mais vendido, e o tal videoclip cheio de monstros é o mais revolucionário de todos os tempos, um verdadeiro curta-metragem que modificaria para sempre a forma como apreciamos a arte musical. Também sei que o seu processo de “embranquecimento” não aconteceu por vontade própria, mas porque ele foi atingido pelo vitiligo, conhecida doença que retira a pigmentação da pele e que o título da canção “Black Or White” não deixa de ser uma referência à sua peculiar condição. Mas, principalmente, sei que artistas tão completos como Michael Jackson são raros, e que sua influência será sentida ao longo de várias gerações de cantores e dançarinos. Um showman negro que conseguiu romper as barreiras dos guetos da preconceituosa sociedade norte-americana (e mesmo mundial) e se tornar ídolo não apenas de jovens e crianças negras, mas de todas as etnias. Mas que também, infelizmente, mostrou que dinheiro e fama estão longe de significar paz de espírito. De qualquer forma, alguém já disse que a melhor herança que se pode deixar na vida são as boas lembranças. E isso Michael Jackson com certeza proporcionou e continuará proporcionando a muitas pessoas em todo este confuso planeta. Inclusive a mim, que jamais vou esquecer das horas que passei, de forma atabalhoada, tentando imitar seus passos lá nos primórdios dos anos 80. Afinal de contas, isso é que é ser feliz!

E quem disse que Michael morreu? Creio que ele apenas parou de envelhecer...

quarta-feira, 24 de junho de 2009

Oscar terá 10 indicados em 2010


Acabei de saber dessa e já estou postando aqui. Possivelmente de olho na queda de audiência da cerimônia de premiação do Oscar nos últimos anos, a Academia de Hollywood resolveu retornar a uma prática comum nos anos 30 e 40 e anuciar que, na próxima edição, a categoria de melhor filme terá 10 indicados, e não apenas 5, como vinha acontecendo há décadas. Sid Ganis, seu presidente, justifica afirmando que por vezes há muitos filmes que merecem reconhecimento, sendo o número de 5 insuficiente para se fazer justiça. Diz ainda que isso abrirá espaço para que mais filmes estrangeiros sejam reconhecidos, além de possivelmente abranger gêneros pouco lembrados pela Academia, como a comédia, rotineiramente deixada de lado nas indicações. Ganis finalizou lembrando o ano de 1939, em que os 10 filmes indicados se tornaram clássicos do cinema. Foram eles: "...E o vendo levou" (o vencedor), "O Mágico de Oz", "No Tempo das Diligências", "O Morro dos Ventos Uivantes", "Love Affair", "Adeus, Mr. Chips", "A Mulher Faz o Homem", "Ratos e Homens", "Vitória Amarga" e "Ninotchka" (realmente, um ano daqueles).

Filmes Para Ver Antes de Morrer


Por algum motivo que desconheço, a nova animação da Pixar, "Up - Altas Aventuras", só terá sua estreia no Brasil em setembro. Enquanto a gente espera, posto aqui a resenha que escrevi para "Ratatouille", um dos melhores filmes (senão o melhor) do famoso estúdio, à época do seu lançamento no circuito nacional.


Ratatouille


Uma delícia!

Os estúdios Pixar surgiram na década de 90 com Toy Story, filme responsável por apresentar ao mundo uma nova forma de animação, qual seja, a animação digital, a qual traria um novo patamar de qualidade para o gênero, com nuances e detalhes dos personagens nunca antes vistos, texturas cada vez mais próximas ao real e, de quebra, uma maior agilidade na produção dos longas, reduzindo em muito o tempo para se fazer uma animação. Além disso, trazia novos ares não só na forma, mas também no conteúdo: o roteiro mesclava bom-humor com uma bela história de amizade, mas sem nunca soar moralista e didático como as animações da Disney (que co-produziu Toy Story). Outra sacada: espalhar referências a outros filmes, além de elementos mais “adultos”, fazendo com que não só os pequenos, mas também os pais que necessariamente os acompanham para as salas, também se sentissem entretidos com a estória narrada (esse último aspecto seria, mais tarde, levado até as últimas conseqüências pela Dreamworks com seu “Shrek”).

Normalmente em parceria com os estúdios Disney, a Pixar foi se firmando com força no cenário cinematográfico, alcançando bilheterias cada vez mais retumbantes. “Vida de Inseto”, “Monstros S/A”, “Procurando Nemo” e “Os Incríveis” são alguns exemplos de sucesso da Pixar. Porém, ultimamente, as cabeças pensantes da equipe pareciam dar sinais de cansaço. “Carros”, filme que acabou sendo indicado ao Oscar de animação, apresentava um roteiro já previsível e com algumas lições de moral clichês, óbvias, no melhor estilo “Amigo Urso”, da Disney (mas que mesmo assim foi um sucesso de público).

Pois bem, quando já se via sinais de decadência, eis que Brad Bird (o mesmo diretor do ótimo “Os Incríveis”) e Bob Petterson (roteirista de “Procurando Nemo”) dirigem e nos apresentam uma trama inusitada: um ratinho (logo um rato!) chamado Rémy sonha em se tornar um grande “cheff de cuisine” e tem como ídolo Auguste Gusteau, um dos mais renomados cozinheiros da meca da culinária mundial. Além disso, em sua fantasia, misturam temas bastante adultos como preconceito social, o papel da crítica em relação à atividade que discute, a industrialização indiscriminada de nossa alimentação, entre outros. E o resultado desta sopa, com tantos sabores variados, é... delicioso!!!!

Antes de tudo, convém fazermos alguns esclarecimentos sobre o meio gastronômico francês, uma espécie de obsessão nacional semelhante a que temos pelo futebol. Um caso é bastante ilustrativo: em 2003, Bernard Loiseau, chef e proprietário do restaurant Côte d’Or, no vilarejo de Saulieu, Borgonha, deu cabo da própria vida com um tiro na cebeça, deixando esposa e filhos. Suicidou-se no auge da carreira, quando já era considerado por muitos como o maior chef francês depois de Paul Bocuse (este uma espécie de Pelé da gastronomia!). Motivo: corria um boato de que seu restaurante perderia uma estrela no Guia Michellin, espécie de bíblia que orienta os apreciadores da boa cozinha. No fim das contas, não houve a perda da estrela ...Portanto, não vejam como “coisa de animação” o fato de Gusteau, o ídolo do ratinho Rémy, ter morrido após seu restaurante ter perdido uma estrela devido a uma avaliação negativa do crítico Anton Ego (voz de Peter O’Toole no original). Ego, o mais renomado crítico gastronômico de Paris, tinha uma severa antipatia por Gusteau devido ao lema deste de que “todo mundo pode cozinhar”. Aliás, é sabido que os realizadores passaram meses freqüentando a alta cozinha francesa, para que o resultado fosse o mais fidedigno possível.

E é pouco depois da morte do famoso chef que Rémy, devido a uma série de eventos que acabam por separá-lo de sua família, acaba chegando casualmente ao restaurant de seu mentor intelectual, onde um jovem atrapalhado aprendiz de cozinheiro chamado Linguini acaba de conseguir um emprego, fazendo a limpeza da cozinha. O chef agora é Skinner (Ian Holm no original), homem de caráter duvidoso, que está jogando a reputação do Gusteau’s no lixo ao colocar o famoso nome do antigo proprietário como marca de fast-food. Mas a união entre o talento de Rémy e a forma humana de Linguini pode vir a salvar a reputação desta importante referência parisiense.

Só por esse breve resumo do roteiro, podemos constatar que os autores não procuraram apenas realizar uma diversão para crianças, ou mesmo colocar apenas algumas referências mais adultas para agradar o público mais velho. A trama é realmente consistente e, embora também seja uma obra que deve agradar bastante aos pequenos, jamais resvala na infantilidade. Seus personagens são bem construídos, o texto flui com enorme leveza, sem nunca perder o bom-humor (dei várias gargalhadas durante a projeção), mas também sem nunca se distanciar de uma boa abordagem dos temas escolhidos, como o preconceito sofrido por Rémy pelo fato de ser um rato, nos remetendo imediatamente aos preconceitos que fazem parte de nosso dia-a-dia, como de classe social, cor da pele ou origem étnica. Interessante, vale destacar, a forma como os ratos parentes de Rémy muitas vezes nos são mostrados. Em várias cenas, quando mostrados à distância e na penumbra, eles nos parecem ameaçadores mas, tão logo se aproximam da câmara, vemos o quanto são amáveis e simpáticos. E faço a pergunta: quantas vezes não nos enganamos com aqueles com quem cruzamos no dia-a-dia. Quantas vezes não fazemos julgamentos equivocados sobre alguém, apenas por sua origem social, cor da pele etc.?

Ademais, vemos a divisão de Rémy entre o seu trabalho e a sua família, a competição existente entre os cozinheiros do restaurante (que logo podemos associar a vários ambientes de trabalho competitivos), uma severa crítica ao sistema fast-food que vem tomando conta do mundo, em detrimento de uma boa refeição, além de uma reflexão interessantíssima sobre o papel da crítica, seja no meio gastronômico, musical, cinematográfico ou afins. E, claro, a como a trama se passa em Paris, não poderia faltar um romance, já que a Cidade Luz é também o sonho romântico do inconsciente coletivo mundial.

No que diz respeito aos aspectos técnicos, o que parecia impossível aconteceu: a Pixar conseguiu se superar e a animação impressiona pela beleza, atenção aos detalhes, força das cores, vivacidade das expressões. Irretocável em todas as suas nuances. Ah, e a dublagem em português é excelente!

Bem, o que mais escrever? Não costumo taxar de obra-prima um filme que acabou de ser lançado, pois o tempo muitas vezes é implacável e acaba nos fazendo perceber que determinada obra não era lá essas coisas e vice-versa (uma obra pela qual não demos muita bola, acaba se revelando muito melhor com os passar dos anos). Mas a verdade é que não consegui enxergar defeitos em “Ratatouille” (a pronúncia correta é ratatúie) e, sendo assim, não posso chegar a outra conclusão: é mesmo uma obra-prima da animação.

Portanto, se você quer emoção, reflexão e, ao mesmo tempo, dar umas boas risadas...Voilá!!! Não deixe de ir ao cinema acompanhar a ascensão deste peculiar cozinheiro! E bom apetite para todos! Apreciem sem moderação e sem medo engordar!

Classificação: ***** (cinco estrelas).
Nota: 10,0

Obs: Cheguem sem atraso na sala de exibição para não perderem o curta “Quase Abduzido”. Divertidíssimo!!!

sábado, 20 de junho de 2009

Trilha Sonora #4


Mesmo que você nunca tenha assistido a "Três Homens Em Conflito", também conhecido como "O Bom, O Mau e O Feio", provavelmente já ouviu esta trilha icônica, símbolo do chamado "spaghetti western". A parceria entre dois gênios, Sergio Leone e Ennio Morricone, só poderia resultar em cenas inesquecíveis pontuadas por uma trilha igualmente memorável. E, de quebra, o jovem Clint Eastwood começando a sua carreira, ele que iria se tornar um dos maiores nomes da história do cinema. Se ainda não viu, não perca mais tempo!


Ennio Morricone - The Good, the Bad and the Ugly (cowboy theme)

sexta-feira, 19 de junho de 2009

Último Desejo


A norte-americana Colby Curtin, de apenas 10 anos, tinha uma grande desejo: assistir à animação "Up", novo grande sucesso dos estúdios Pixar. Detalhe: ela sofria de câncer no fígado, lutando contra a doença há 3 anos, e já em estado terminal. Este era seu último desejo, que acabou sendo atendido pelo estúdio. A Pixar enviou um funcionário à casa de Colby no último dia 10 de junho, realizando uma exclusiva sessão doméstica, além de lhe presentear com um poster e personagens em pelúcia. Segundo informações divulgadas pelas agências de notícias, a pequena Colby faleceu cerca de 7 horas depois de ver o filme.

"Up - Altas Aventuras" tem sua estreia em setembro no Brasil.

quinta-feira, 18 de junho de 2009

Musas do Escurinho #5


Jennifer Garner é, na realidade, o que de melhor há em "Minhas Adoráveis Ex-Namoradas", comédia romântica atualmente em cartaz no circuitão nacional.

terça-feira, 16 de junho de 2009

"Cidade de Deus" entre os 25 melhores da década



“Universalmente aclamado por sua honestidade visceral em descrever o crime organizado no Rio de Janeiro, o filme é o melhor tipo de obra de arte: aquela que vem de um talento não conhecido em um lugar improvável”.

É assim que a publicação americana "Paste" justificou a 4ª colocação de "Cidade de Deus" entre os 25 filmes essenciais da presente década produzidos fora dos Estados Unidos. O longa de Fernando Meirelles ficou à frente até mesmo de obras de queridinhos da crítica como Pedro Almodóvar e Wong Kar-Wai, perdendo apenas para "O Labirinto do Fauno" (de Guillermo Del Toro), "O Tigre e o Dragão" (Ang Lee) e "O Escafandro e a Borboleta" (de Julian Schnabel). No geral, como você pode conferir abaixo, a lista ficou bem boa (só acho bem discutível "Fale com Ela" na quinta colocação, mas...Fazer o que?).

1. “O Labirinto do Fauno”
2. “O Tigre e o Dragão”
3. “O Escafandro e a Borboleta”
4. “Cidade de Deus”
5. “Fale com ela”
6. “A Viagem de Chihiro”
7. “Amor À Flor da Pele”
8. “A Vida dos Outros”
9. “Amores Brutos"
10. “Caché”
11. “4 meses, 3 semanas e 2 dias”
12. “O Fabuloso Destino de Amélie Poulain”
13. “E Sua mãe Também”
14. “The Best of Youth”
15. “Ninguém Pode Saber”
16. “Entre os Muros da Escola”
17. “Yesterday”
18. “Paradise now”
19. “A Queda – As Últimas Horas de Hitler”
20. “Gomorra”
21. “Oldboy”
22. “Deixe Ela Entrar”
23. “Volver”
24. “Persépolis”
25. “Maria Cheia de Graça”

domingo, 14 de junho de 2009

O Exterminador do Futuro: A Salvação


Mais um blockbuster mais ou menos


Você já leu, ou por acaso já ouviu falar, de uma HQ dos X-Men chamada “Dias de Um Futuro Esquecido”? Não? Pois me deixe contar alguns detalhes da trama desse clássico do grupo mutante. Produto da fase espetacular da parceria entre Chris Claremont e John Byrne, a trama mostrava os mutantes, já envelhecidos, vivendo em um mundo dominado pelos sentinelas, super-robôs programados para caçar mutantes que terminaram por se rebelar e se colocar também contra a humanidade. Para tentar alterar o passado, mudando os acontecimentos que acabariam por levar o governo a reativar os sentinelas, a mente de Kitty Pride, já uma mulher madura, é transportada para a da jovem Kitty, ainda uma adolescente (numa dessas “viagens” típicas dos quadrinhos). A morte de um senador é então evitada e isso traz esperança de que o futuro possa ser melhor. A narrativa acima lhe parece familiar? A mim, sempre pareceu. Lembra muito a trama de um certo filme que se tornou cult nos anos 80, “O Exterminador do Futuro”, longa que acabou sendo responsável por catapultar Arnold Schwarzenegger ao estrelato. Imagino que James Cameron, seu diretor, um assumido fã de quadrinhos, deve ter se inspirado na famosa estória dos X-Men para realizar o filme, até porque a HQ foi escrita algum tempo antes do lançamento da produção.

Bem, a verdade é que “Terminator” acabou se tornando um marco tanto no quesito ação, quanto no gênero da ficção científica. E a sua continuação, lançada em 1991, acabou não apenas por se tornar o filme mais caro de todos os tempos até então, mas, principalmente, foi um enorme sucesso de público e crítica. No segundo episódio, Cameron depurou ainda mais a sua técnica, transformando a película em um dos melhores filmes de ação de todos os tempos. Aliás, arrisco a dizer que Cameron talvez seja o melhor diretor de cenas de ação na história, além de ter um faro pop quase infalível. Não é à toa que, anos mais tarde, ele viria a dirigir o maior sucesso comercial da história de Hollywood (“Titanic”, claro). Entretanto, o terceiro episódio da franquia (2003) acabou se tornando uma baita decepção para aqueles já acostumados ao virtuosismo de Cameron. Dirigido por Jonathan Mostow, o longa não apenas repetiu a fórmula do segundo filme (dois exterminadores lutando), como também deixou muito a desejar nas cenas de correria, sempre tremidas, com cortes abruptos, que muitas vezes faziam os espectadores não entenderem o que se passava na tela. A única lembrança mais forte do filme é a da robô-mulher correndo pelada pelas ruas...

Mas eis que agora surge este “O Exterminador do Futuro: A Salvação”, buscando recuperar o prestígio perdido dos robozões. Dirigido por McG (de “As Panteras” e “As Panteras Detonando”), o longa tem como ponto forte finalmente mostrar o tal mundo dominado pelas máquinas tão citado nas outras produções. Podemos, assim, ver no que a Terra se transformou, em imagens que emulam obras já clássicas como “Mad Max”. Ademais, McG parece ter se tornado um bom aluno de Cameron no quesito ação. Várias são as sequências memoráveis ao longo da projeção, com destaque especial para aquela onde surgem os motoexterminadores.

Seria tudo ótimo e perfeitinho não fosse o roteiro fraquejar em diversos momentos. Escrito por John Brancato e Michael Ferris (os mesmos do terceiro longa), a trama mostra John Connor (Christian Bale, cujo faniquito durante as filmagens virou hit no Youtube) já como um líder respeitado da “Resistência” (muito embora o filme não mostre o porquê disso). Ele está em busca do seu pai, Kyle Reese (Anton Yelchin), ainda um adolescente (pra quem não se lembra, Kyle é o membro da resistência que volta ao passado para proteger Sarah Connor, no primeiro longa, a acaba por se tornar o pai de John Connor), já que o mesmo está sendo perseguido pelas máquinas da Skynet. Ao mesmo tempo, vemos surgir um novo personagem, Marcus Wright (Sam Worthington, ótimo), um condenado à morte que é submetido a uma experiência em 2003 e acaba acordando em 2018, sem entender nada do que lhe aconteceu. Até aqui, nenhum grande problema. A mistura desanda no seu desenvolvimento. Os diálogos são ruins (como o péssimo texto do encontro entre Marcus e Kylle) e as relações entre os personagens são apressadas e mal desenvolvidas. Blair (Moon Bloodgood, bonita), a integrante da Resistência que encontra Marcus, se afeiçoa rápido demais pelo mesmo e trama, como mostrada, acaba dando mais enfoque ao personagem de Marcus do que ao de John Connor e, pelo menos dessa vez, Bale não teve culpa de seu desempenho acabar esmaecido pelo do coadjuvante. Além disso, como não poderia deixar de ser, tendo em vista a cronologia embolada da franquia (é bom dizer que não vi qualquer episódio da série “Sarah Connor Chronicles”), existem muitos elementos que não ficam claros e o filme, é bom de antemão falar, não é recomendado para quem não assistiu aos demais episódios. Talvez até isso explique porque ele não está indo muito bem nas bilheterias USA.

Com um final um tanto exagerado e descambando para o melodrama, McG , contudo, sabe como fisgar os fãs da série colocando referências bem encaixadas (estão lá a frase “I’ll be back” e a famosa trilha do Guns para “Terminator 2”) e, principalmente, como já dito acima, com ação e efeitos especiais eficientes (bem melhores que os de “Wolverine”). A verdade é que a atual safra de blockbusters está bem decepcionante, com longas apenas razoáveis, bem diferente da safra 2008, que teve filmes empolgantes como “Homem de Ferro” e, principalmente, “O Cavaleiro das Trevas”. Esperemos que a do próximo ano traga melhores frutos.

Ah, há uma participação especial do Arnoldão. Fique de olho.

Classificação: * * * (três estrelas)
Nota: 7,5

sexta-feira, 12 de junho de 2009

Problemas no Micro

A ausência de posts nos últimos dias se deve à tecnologia. Meu micro resolveu dar piti (se bem que ele já vinha dando "sinais") esta semana e me impossibilitou de produzir qualquer coisa para este espaço. Prometo me esforçar para dar uma compensada nesta semana que vem. Pelo menos, agora, meu velho companheiro (já tem 3 anos) parece estar recuperado (parece...). Existe algo mais irritante que micro com problema?

domingo, 7 de junho de 2009

A Mulher Invisível


A mulher ideal pode ser visível


A comédia romântica é, historicamente, um gênero voltado para o público feminino. Normalmente são as namoradas, esposas, “amigas” ou ficantes (ou qualquer outra coisa mais moderna que exista) que convencem os marmanjos a irem ao cinema assistir a esse tipo de filme, costumeiramente repleto de clichês românticos e previsível no desenrolar do roteiro. Um lugar seguro para os produtores e diretores pouco corajosos que têm, nesse gênero, uma quase certeza de retorno do investimento feito. No Brasil não é diferente. A Globo Filmes rotineiramente tem jogado no circuito cinematográfico comercial longas nessa linha, com ainda maiores requintes de mediocridade, já que gosta de transformar filmes em episódios de suas séries televisivas. É a TV no circuitão, com o que ela tem de bom e de ruim (mais dessa última alternativa).

Pois bem, no meio desse quadro desesperançado da comédia romântica brasileira, eis que surge este “A Mulher Invisível”, longa-metragem que me chamou a atenção pela sua sinopse um tanto original (apesar de ser uma produção Globo Filmes). Eu, pelo menos, não lembro de nenhum outro filme que tenha tido como premissa o namoro de um homem com uma mulher perfeita: linda, deliciosa, que gosta de futebol (acompanha o campeonato até da 3ª divisão), faz a faxina da casa de lingerie e não tem ataques de ciúme com eventuais traições. Uma mulher ideal que se materializa, mas que só ele vê e ouve, pois ela não existe, ou melhor, só existe em sua mente. Essa premissa, por si só diferente, me levou ao cinema neste domingo. Meus instintos cinematográficos me diziam que talvez eu fosse gostar do que eu iria ver (não só pela presença da Luana Piovani, a tal mulher invisível). E acabei não me arrependendo da escolha.

Dirigido por Cláudio Torres (de “Redentor”) e protagonizado pelo maior astro do cinema nacional atual, Selton Mello, “A Mulher Invisível” consegue quebrar dois dos parâmetros que apontei acima. Como afirmado no parágrafo anterior, ele consegue fugir dos clichês do gênero e, em segundo lugar, apresenta um raro viés masculino na sua abordagem. A perspectiva mostrada é a de um homem traído a abandonado pela esposa (Maria Luíza Mendonça), que fica grávida de um gringo alemão e vai embora com ele. Até a amizade a que se dá maior enfoque é a masculina, num ótimo timing obtido entre Selton e Vladimir Brichta, que interpreta o melhor amigo, numa abordagem que não poupa as típicas conversas masculinas. Mas, calma garotas, o filme está longe de ser misógino. Pedro é, antes de tudo, um homem romântico, um apaixonado que parece não conseguir mais superar a sua desilusão. E é por isso que surge a mulher invisível. E, antes que comecem a pensar que a única personagem feminina relevante da trama é a Amanda da Luana Piovani, devo lhes dizer que há outra igualmente relevante, Vitória (interpretada pela ótima Maria Manoella), uma vizinha que sempre foi apaixonada por Pedro, mas que ele nunca enxergou.

O roteiro (escrito a oito mãos por Cláudio Torres, Adriana Falcão, Cláudio Paiva e Maria Luísa Mendonça) se desenvolve redondamente e todo o elenco está afiado. É bom até ressaltar que os coadjuvantes estão longe de ser aquelas figuras que existem apenas para ouvir os personagens principais. Todos eles acabam interferindo diretamente nos rumos da trama e são personagens muito bem desenvolvidos. Claro, Luana Piovani está ali para ser a gostosa, transpirando sensualidade por todos os poros, um deleite para os olhos, tendo uma atuação que lembra bastante as de Marilyn Monroe. Mas, se em alguns momentos sua beleza e sensualidade hipnotizam, é mesmo Selton Mello quem rouba a cena. Embora repetindo alguns tiques e facetas de atuações anteriores, Selton dá um verdadeiro show ao longo de toda a película. Vários são os momentos hilários ao longo da projeção e isso se deve, em muito, à sua atuação. É vendo Selton nesse filme que entendemos o porquê do mesmo ser considerado a grande estrela do cinema brasileiro na atualidade.

Mas tudo se mostra a contento no filme. Bem dirigido e editado, também é possível afirmar que este é um dos raros exemplares em que uma produção nacional soube usar adequadamente uma trilha sonora pop. Estão lá canções de Janis Joplin a Ramones (não vou dizer quais para não perder a graça) todas perfeitamente adequadas aos momentos em que são inseridas e elas tornam a experiência ainda mais divertida. Ademais, a fuga dos clichês se dá também na resolução do longa. São apresentados novos caminhos e é interessante como o diretor resistiu à tentação de cair na pieguice até mesmo na cena final. Registre-se que há um clima de sensualidade bastante agradável na película, sem ao mesmo tempo ser apelativo.

No fim, Cláudio Torres conseguiu realizar um filme que vai agradar tanto ao público masculino, quando ao feminino. Há ingredientes suficientes para agradar a todos e tudo isso sem apelar para a mesmice. Não que vá fazer história, nada disso. Mas é uma ótima diversão, que vai fazer os namorados saírem abraçados do cinema e provavelmente bem dispostos para uma noite “caliente”. Aliás, se você, rapaz, está procurando um programinha ameno, mas que pode render bons frutos, para levar aquela gatinha que aceitou sair com você, esta é uma boa opção. Quem sabe ela não pode ser a sua mulher ideal? E quem, sabe, menina, ele não pode ser o seu príncipe encantado? As maiores surpresas podem estar bem próximas de você.

Classificação: * * * * (4 estrelas)
Nota: 9,0.