Maurice Jarre: 1924 - 2009

Talvez você nunca tenha ouvido falar neste nome, mas com certeza já ouviu pelo menos uma de suas composições. Afinal, é extremamente difícil encontrar alguém que não tenha escutado o famoso "Tema de Lara", a belíssima música da personagem intepretada por Julie Christie em "Dr. Jivago", uma das magistrais e mais belas obras de David Lean (e de todo o cinema). Maurice Jarre faleceu no último domingo, aos 84 anos, consagrado como um dos maiores autores de trilhas cinematográficas. Vencedor de 3 Oscars (por seus trabalhos em "Lawrence da Arábia", o citado "Dr. Jivago" e "Passagem Para a Índia"), 4 Globos de Ouro e vários Grammy, Jarre é um daqueles artistas que superaram a mortalidade. Ah, e ele era pai do Jean-Michel Jarre. Abaixo, segue o famoso tema que emocionou gerações.


Richard Clayderman - Tema de Lara

Um Táxi Para A Escuridão

Democracia totalitária

Todos nós temos conhecimento das atrocidades cometidas por regimes totalitários ao longo dos séculos, principalmente no século XX, o mais sangrento da História. Regimes como o Nazismo, Fascismo e Stalinismo (para não citar outros menos “famosos” como a ditadura militar brasileira) foram responsáveis por imensas barbaridades, atos de extrema afronta aos mais elementares direitos humanos, às mais básicas garantias individuais. O fato, entretanto, é que sempre costumamos associar tais atrocidades a regimes de exceção, sejam de “direita” ou de “esquerda”. Dificilmente relacionamos estes crimes atrozes a governos eleitos democraticamente, em Estados que afirmam primar pelas liberdades e garantias individuais dos cidadãos. Pois bem, documentários como “Um Táxi Para A Escuridão” possuem justamente como maior virtude nos lembrar que o desrespeito aos mais elementares direitos humanos pode ser empreendido também pelas democracias ocidentais e, mais ainda, justamente por aquela nação que sempre se coloca como maior “defensora da liberdade”: os Estados Unidos da América.

Dirigido de forma magnífica por Alex Gibney, “Taxi To The Dark Side” (título original em inglês), vencedor do Oscar 2008 como melhor documentário, investiga o sequestro e morte de Dilawar, um afegão que transportava viajantes na fronteira entre o Afeganistão e o Paquistão. Levado à prisão de Bagram sem qualquer indício ou prova de um possível envolvimento com grupos terroristas, Dilawar foi torturado até a morte por militares norte-americanos. Entretanto, talvez, apesar de todo o choque que uma ação como essa sempre traz, a maior indignação não decorre das atitudes de militares sem caráter, mas do próprio Estado americano que, sob a administração Bush, deu todo o respaldo para expedientes espúrios como esse. “Eles irão conhecer a justiça americana”, diz George W. Bush em um dos seus nada saudosos discursos. Nada mais irônico. E é espantoso como, a cada sequência percebemos a desfaçatez do governo em relegar a um segundo plano todos os princípios que, em tese, constituem os postulados essenciais da nação americana.

Levando a fundo sua investigação, Gibney colhe depoimentos até mesmo dos militares que foram responsabilizados pelas torturas que levaram Dilawar à morte, em sua maioria peixes pequenos e que pareceram pecar mais pela omissão do que pela ação no caso estudado (é sempre uma virtude de um documentarista mostrar diversas perspectivas sobre o tema). Mesmo que na forma o documentário se mostre tradicional, a verdade é que ficamos cada vez mais estupefatos com a leniência dos superiores em relação aos abusos praticados nas prisões norte-americanas destinadas aos “terroristas”.Abusos estes que, é bom dizer, não deixam em nada a dever aos piores procedimentos nazistas. Privação de sono, espancamentos, suspensões por correntes, privação dos sentidos, mutilações são algumas das práticas narradas e, como vemos, muitas vezes até estimuladas por autoridades militares. Dilawar, segundo uma médica que realizou sua necropsia, foi encontrado com as pernas dilaceradas, “como se um caminhão tivesse passado por cima delas”.

Mas Gibney não se limita a investigar o caso de Dilawar. Tem a perfeita consciência de que o problema tornou-se generalizado nas prisões que os EUA mantêm em território estrangeiro, mostrando ao espectador todos os horrores perpetrados em Abu Ghraib e quase impunidade que a ela se seguiu, bem como as denúncias sobre a base militar de Guantânamo (esta, por sinal, em processo de desativação pelo governo Barack Obama). Tudo isso sem jamais parecer panfletário, como sempre acabam parecendo as produções de Michael Moore (que têm sua relevância, é bom dizer, apesar da críticas que se podem fazer a elas).

Esta semana, Barack Obama anunciou que enviará mais 4 mil soldados para o Afeganistão, em sua ótica o verdadeiro celeiro de terroristas e onde as forças americanas devem concentrar suas ações. Esperemos que estes soldados realmente cumpram seu papel de combate ao terrorismo e não reproduzam o “modus operandi” que reinou no mandato do último presidente republicano. Como diz um dos entrevistados no longa, “a luta não é apenas por vidas, mas pela defesa dos nossos princípios”. Princípios estes que devem ser defendidos em todos o países que se consideram democráticos. E, possivelmente, pior do que um regime arbitrário talvez seja um regime totalitário travestido de “democrático”.

Cotação: ***** (cinco estrelas)
Nota: 10,0

Obs. O pôster ao lado foi proibido nos EUA pela Motion Picture Association of América, órgão responsável pela classificação etária no país, porque mostra a sombra de um prisioneiro ao lado de dois soldados formando a bandeira norte-americana. Mais uma contradição da “terra da liberdade”.

Musas do Escurinho #1

Como, além de um grande apreciador da sétima arte, eu também sou um grande apreciador de suas belas atrizes, resolvi inaugurar esta nova série. Afinal, um bom colírio sempre faz bem aos olhos. No post de estreia, a inesquecível princesa de Mônaco: Grace Kelly! Dá para acreditar que essa mulher existia?

Pixar: sempre "up"

E a Pixar, sempre ela, conseguiu mais uma proeza. A sua mais nova produção, a animação "Up - Altas Aventuras", irá abrir a 62ª edição do Festival de Cannes (a ebertura está maracada para 13 de maio). É a primeira vez que um longa animado será o responsável pela abertura do mais prestigioso festival de cinema do mundo. A trama (que parece bem divertida) trata das aventuras de Carl Fredricksen, um senhor já nos seus 78 anos, vendedor de balões, que busca agora realizar o grande sonho de sua vida: voar em sua própria casa, presa a um sem número de balões, até as florestas da América do Sul. Só não contava com a participação clandestina de um escoteiro de 8 anos, que alça voo com Carl por acaso. No Brasil, o longa tem estreia prevista para 4 de setembro. Já de antemão podemos perceber que a Pixar pretende abordar a relação entre jovens e idosos, bem como mostrar que não existe idade para realizar seus sonhos. Provavelmente mais um sucesso de público e crítica. Vamos aguardar.

Também em Cannes, que neste ano terá seu júri presidido pela atriz francesa Isabelle Huppert, teremos a premiação de Clint Eastwood pelo conjunto de sua carreira. Nada mais justo!

Gran Torino

Durão, mas com ternura

Poucos diretores sabem analisar tão bem a sociedade americana quanto Clint Eastwood, o septuagenário ator e diretor, um dos grandes ícones da história do cinema. Dono de um estilo clássico que remete a mestres como John Ford, Eastwood, ao longo das duas últimas décadas, vem nos brindando com filmes cheios de profundidade e sensibilidade, na mesma proporção em que simples e diretos. Mesmo obras menores suas, como o recente “A Troca”, mostra-se bastante acima da média das produções norte-americanas corriqueiras, sempre tendo algo de relevante a dizer.

Além de talentoso, ele se mostra um cineasta bastante prolífico, chegando a lançar dois longas-metragens em apenas um ano (principalmente se levarmos em conta que Clint já é quase um octogenário). Em 2009, ele nos entregou não apenas o acima citado filme protagonizado por Angelina Jolie, como também este “Gran Torino”, o qual acabou se transformando no seu maior sucesso de bilheteria como diretor. Tal sucesso não me surpreende. O longa é perfeitamente antenado com os novos tempos da era Barack Obama, o que me leva até a realizar um sério questionamento do porquê a Academia ter ignorado por completo esta produção no Oscar deste ano, sequer recebendo indicações. Será que Hollywood acredita que já premiou demais o velho cowboy? À parte esses questionamentos desnecessários (afinal, nenhum filme se tornará melhor ou pior pelo fato de ter recebido uma estatueta), “Gran Torino” mostra Eastwood em grande forma, não apenas no aspecto narrativo, mas também na abordagem condensada de vários de seus antigos temas. Estão lá a incomunicabilidade, os questionamentos à religião, a crença na resolução de conflitos dentro das regras do sistema, o peso de atos pretéritos sobre a consciência, a velhice e aproximação da morte.

A trama nos mostra o veterano da guerra da Coréia Walt Kowalski (o próprio Eastwood) lidando com a perda recente de sua esposa. Desde o início, já percebemos o distanciamento da relação entre ele e seus filhos (e netos também), os quais não têm paciência com seu temperamento difícil e ranzinza. Walt, ademais, é o arquétipo do americano tradicionalista. Todos os dias asteia a bandeira estadunidense na porta de sua casa, onde agora vive sozinho, acompanhado apenas de sua cadela Daisy. Xenófobo, é forçado a conviver com uma vizinhança repleta de imigrantes, a maioria deles da etnia asiática hmong, com hábitos e costumes totalmente estranhos aos seus olhos. A antipatia de Kowalski também é retribuída pelos seus vizinhos. A situação começa a mudar quando Thao, um jovem e tímido vizinho hmong, tenta furtar o Gran Torino ano 1972 de Walt, automóvel que este mantém conservado com perfeito zelo (adoração por carros: outro aspecto notório do americano médio). O furto, entretanto, seria o ritual de iniciação de Thao em uma gangue local e, uma vez frustrado, deixa o rapaz em apuros perante o grupo de deliquentes. É Walt que o salva da situação (mesmo que não desejasse exatamente isso), sendo logo transformado em herói e visto como protetor do bairro.

Apesar da retomada dos diversos temas já referidos mais acima, a preocupação central de Eastwood, como já é possível depreender a partir desta breve síntese, é a relação do homem americano (e, por consequência, dos Estados Unidos) com o elemento estrangeiro, e a forma como esta relação deve ser estabelecida. Inicialmente isolado e avesso ao contato com os vizinhos imigrantes, Walt aproxima-se e passa a travar uma estreita relação com estes. E é interessante que esta relação se desenvolve a partir do momento em que Kowaslki se torna uma espécie de “xerife” da vizinhança, função simbolizada principalmente pelo rifle que aponta para os delinqüentes do bairro. Isso demonstraria que Clint ainda acredita na função dos EUA como guardiões da ordem mundial? Nem tanto. O ponto que o diretor parece atingir é o mesmo proposto pela população norte-americana com a eleição de Barack Obama, ou seja, o distanciar-se de visões genéricas e estereotipadas sobre o estrangeiro, evitando percepções maniqueístas da realidade. A defesa dos valores norteadores da sociedade americana precisa, antes de tudo, enxergar que o estrangeiro não é uma ameaça. A ameaça, segundo o olhar de Clint, parece ser o esquecimento destes mesmos valores, o seu rápido processo de desmoronamento. Nada mais emblemático desta visão do que o momento em que Walt olha para um grupo de jovens que faz gestos obscenos para uma senhora, ao invés de ajudá-la a juntar as compras que haviam se esparramado pelo chão. Ou ainda quando ele chega à constatação de que parece ter mais em comum com seus vizinhos hmong do que com seus próprios filhos. Aliado a isso, vemos que Eastwood, tomando por base o desfecho da trama, continua acreditando que o sistema, apesar de suas falhas, está apto a dirimir os conflitos sociais, não cabendo ao cidadão agir individualmente e fazer justiça com as próprias mãos.

Por outro lado, mais uma vez se torna nítida a facilidade do diretor em estabelecer relações perfeitamente críveis de aproximação entre personagens. Esse elemento já havia sido utilizado de forma belíssima em “Menina de Ouro” (entre o treinador Frank e sua aluna Maggie) e agora é novamente abordado na relação entre Walt e Thao. Talvez não se mostre tão especial quanto no longa citado porque Bee Vang não é uma Hillary Swank, deixando a desejar em alguns momentos que exigem uma maior carga de interpretação. A direção oscilante de atores costuma, inclusive, ser apontada como uma das falhas frequentes do trabalho de Eastwood na direção. Mas, pelo menos aqui, não é nada que chegue a comprometer o conjunto, até mesmo porque o próprio Clint está ótimo na sua interpretação de Kowalski, apresentando um personagem que parece ser uma síntese de todos os outros já encarnados pelo ator.

Ademais, é sempre interessante notar como ele consegue tratar de questões mais amplas a partir de planos mais estreitos e pessoais, e por que não dizer, emocionais. Para Eastwood o macro sempre passa antes pelo micro, o social é resultado do individual. Só os grandes artistas possuem essa perspectiva. Sem astear bandeiras, Clint nos leva à reflexão sem nunca esquecer que somos humanos, seres dotados de emoção. Duro, sim, mas sem jamais perder a ternura.


Cotação: ****1/2 (quatro estrelas e meia)
Nota: 9,5

Um breve pensamento sobre o tempo

Depois de assistir a "Watchmen" reli algumas passagens da HQ, especialmente o diálogo entre o Dr. Manhattan e Laurie, em Marte. Em dado momento, Jon fala: "não existe futuro, não existe passado. Percebe? O tempo é simultâneo(...)"

Sempre considerei esse conceito como extremamente reconfortante. É ótima a ideia de que o passado está sempre acontecendo, levando a imaginar que os melhores momentos da sua vida estão acontecendo de novo, agora. Eternamente, estes episódios estarão registrados na linha do tempo. O que me faz lembrar de uma frase de Renato Russo: "os nossos dias serão para sempre". É verdade. Por mais que os dias prossigam na sua marcha, eles estarão cristalizados, nada mais poderá alterá-los.

Sei que estou divagando, mas, nos últimos dias, ando um tanto nostálgico...

P.S. Se você ainda não leu Watchmen, recomendo fazê-lo o quanto antes. É uma das melhores leituras que você terá na vida. Ah, e eu não estou tendo um ataque "nerd" ao dizer isso.

Watchmen - O Filme

Pronto: segue abaixo a resenha de "Watcmen - O Filme".

Eletrocardiograma


“Watchmen”, sem dúvida, é um triunfo da hoje denominada “nona arte”. Lançada em 1986 pela DC Comics, a obra concebida por Alan Moore e com traços de Dave Gibbons provocou, juntamente com “Batman – O Cavaleiro das Trevas”, de Frank Miller, uma revolução no gênero de super-heróis. Sua repercussão e influência foram tão grandes que a revista Time colocou a obra de Moore-Gibbons entre os romances mais importantes desde o ano da criação da revista (em 1923). Vencedora de inúmeros prêmios, entre eles o mais importante do gênero quadrinhos, o Eisner Awards, tornou-se lugar-comum designá-la como “a graphic novel mais aclamada de todos os tempos”, bordão que inclusive foi utilizado na campanha promocional deste “Watchmen – O Filme”.

Há anos os estúdios de Hollywood pretendiam realizar a transposição da HQ para o cinema, empreitada que se mostrava bastante temerosa pela própria essência da trama concebida por Moore. Este pretendeu, com “Watchmen”, desmistificar a concepção de super-heróis, mostrando-os como seres humanos comuns, destituídos de poderes especiais (à exceção do Dr. Manhattan, claro), cheios de problemas, frustrações e até falhas de caráter como todos os seres humanos. Ademais, seus personagens mostravam-se extremamente bem construídos, densos, dotados não apenas de um presente, mas de toda uma história de vida, tornando-os tridimensionais. Não que neste aspecto isso fosse realmente original. A diferença está no fato de que não foram os momentos traumáticos da vida destes personagens que os levaram a viver como combatentes do crime, ou pelo menos não diretamente (como no exemplo clássico das HQs em Batman, o qual se torna um vigilante por conta do assassinato dos seus pais). É bom até mesmo dizer que um dos “heróis” de “Watchmen” está mais para um psicopata (Rorschach), enquanto outro é completamente destituído de moral (o Comediante). Como levar isso para um público totalmente acostumado com outra ideia de super-heróis, lotando salas para ver as proezas de personagens como Homem-Aranha e Super- Homem? Bom dizer que uma adaptação convincente exigiria não só um bom roteiro, mas também um investimento no melhor padrão “blockbuster”, capaz de tornar crível uma figura como a do Dr.Manhattan, por exemplo.

Depois do sucesso absoluto de “Batman – The Dark Knight”, a Warner tomou coragem e resolveu investir em mais essa adaptação de HQ soturna e, depois de uma enorme pendenga judicial com a Fox pelos direitos sobre a adaptação, tivemos o lançamento do filme no último dia 06 de março, alcançando o topo das bilheterias nos EUA, muito embora numa escala menor do que a esperada.

Devo dizer, até como um “iniciado” na obra original, que os primeiros minutos do longa-metragem realmente empolgam. O diretor Zack Snyder (o mesmo de “300”, outra adaptação de HQ) sabe como criar imagens elegantes e cheias de estilo e isso aparece logo na primeira sequência, que mostra a morte de Edward Blake, o Comediante. Snyder soube ainda utilizar, de forma marcante, músicas de grande apelo pop, pescando o espectador logo de início. Também é verdade, é bom lembrar, que basta jogar alguma música de Bob Dylan na projeção para que qualquer filme ganhe de imediato um tom cabeça-bom-gosto. Aqui, isso acontece nos créditos iniciais, com “The Times They Are A-Changin’” e confesso que comecei a ficar empolgado nesta sequência (muito bem elaborada). Entretanto, os minutos foram passando e comecei a me questionar se o espectador médio, que não tivesse lido anteriormente a matriz, estaria entendendo o que estava se passando na tela. E é nesse ponto que o filme de Snyder começa a padecer de problemas.

A impressão que ficou é que esse objetivo não é atingido. A própria trama concebida por Moore já se mostra enigmática nos quadrinhos. Só no fim vemos tudo fazer sentido, todas as peças se encaixarem. E condensar isso no cinema não se mostrou uma das melhores experiências, mesmo que sejam cerca de 2h40min. de projeção. Vários momentos se mostram rápidos demais, dificultando o entendimento da trama. Além disso, a necessidade de se apresentar vários personagens com o tempo cronometrado acaba tirando a força deles, alguns mais do que outros. Creio que a que mais sofreu foi a personagem de Laurie (a Espectral), cuja relação com Jon (o Dr.Manhattan) foi mostrada de maneira superficial, assim como sua aproximação com Daniel Dreiberg (o Coruja) soa fútil e apressada. Aliás, apressado mostra-se todo o desenvolvimento do roteiro a partir da metade da projeção, quando os fatos vão se sucedendo sem pausas para reflexão. Até um dos melhores momentos da graphic novel, o diálogo excepcional entre Laurie e Jon em Marte, acaba rasteiro e cheio de buracos, sendo impossível que o espectador não iniciado compreenda a real dimensão do texto.

A empatia e vinculação com os personagens também sofre devido ao fator interpretação. Se Billy Crudup interpreta o Dr. Manhattan de forma eficiente, assim como Jackie Earle Haley no papel de Rorscharch e Jeffrey Dean Morgan como o Comediante (este realmente ótimo, na minha opinião o melhor do longa), alguns outros mostram-se bastante fracos, como Matthew Goode, que faz um Ozymandias por demais afetado, e Patrick Wilson, um tanto inexpressivo como o Coruja. Contudo, a Espectral acabou não sendo apenas a mais sacrificada pelo roteiro, mas também pela sua intérprete, Malin Akerman, quase uma boneca de tão inexpressiva (na mesma proporção em que é linda e saborosa).

Vale dizer também que o longa acaba por cair na necessidade de agradar o público do cinemão americano. Snyder (que de “visionário” não tem nada), relembra os seus tiques de “300”, apresentando cenas de ação em que a imagem acelera para logo em seguida aderir ao slow motion e pouco depois apertar na tecla “FF” novamente. Há ainda momentos de ação que se mostram bem mais plásticos e exagerados que nos quadrinhos. Nesse caso em especial, tal recurso mostra-se bastante equivocado, já que, como já ressaltado mais acima, uma das premissas de Watchmen é a de que aquelas pessoas são normais e não super-seres dotados de habilidades sobre-humanas.

Mas também é verdade que não só Snyder como os produtores ousaram em não eliminar do filme as cenas de extrema violência presentes na HQ, bem como algumas cenas de sexo (uma delas foi até bastante amplificada no filme, o que nos permite termos uma visão completa do corpo delicioso de Malin Akerman). Até mesmo o Dr.Manhattan é mostrado em nu frontal, como no original. Uma atitude corajosa dos envolvidos no projeto, mas que acabou por jogar uma tarja de classificação “PG-17” nos EUA (no Brasil, o filme também ganhou classificação etária máxima: 18 anos), o que também acabou contribuindo para que a bilheteria não rendesse tanto quanto desejado. Os efeitos especiais também são louváveis, principalmente aqueles aplicados na figura do Dr. Manhattan, dando-lhe uma veracidade bastante interessante.

Devo reconhecer, no fim das contas, que o esforço foi louvável. Mas a verdade é que “Watchmen” é uma obra que não comporta uma adaptação dentro de um formato tão comercial. Para que tudo fosse levado de forma realmente satisfatória, sua duração teria de ser pelo menos de umas 4h, além de abdicar ainda mais de elementos do cinema-pipoca. O final, um tanto alterado em relação à HQ, é mais um reflexo disso (muito embora não tenha ficado ruim). E a sensação que ficou ao sair da sessão foi a de ter assistido a um filme no melhor estilo eletrocardiograma: cheio de altos e baixos. E ainda saí com a pergunta na cabeça: “será que essas pessoas aí na sala entenderam o filme ou estão frustradas?”. Bem, se você nunca leu a HQ e pretende assistir (ou já tenha assistido) ao filme, favor postar nos comentários a sua impressão.

Cotação: *** (três estrelas)
Nota: 7,5

Sobre Watchmen

Eu ainda não vi "Watchmen". Sim, sei que é estranho para um fã de cinema e também de HQs. Mas a verdade é que a adaptação desta obra de Alan Moore para os cinemas nunca me empolgou. Não porque não goste dos quadrinhos, muito pelo contrário. O problema é que sempre vi Watchmen como uma obra de difícil adaptação para o cinema, até mesmo porque uma boa adaptação exigiria um padrão de custo de blockbuster (e foi o que aconteceu), mas dificilmente conseguiria retorno nas bilheterias (ademais, eu não sou lá muito fã de Snyder, que vejo como um diretor sem muita personalidade). O público que costuma assistir a filmes de super-heróis nos cinemas, à exceção dos "iniciados", dificilmente irá entender a proposta da trama. Não é à toa que há relatos de parte da plateia abandonando as salas bem antes do fim (o filme, além de tudo, é bem longo). E agora vejo a notícia de que o longa rendeu abaixo do esperado nas bilheterias USA, mesmo liderando o fim de semana com US$ 55 milhões. Uma boa renda, sem dúvida. Entretanto, deve cair bastante nas próximas semanas, pois o boca-a-boca não deve lhe favorecer. A teimosia venceu e a decepção será grande para os estúdios.

De qualquer forma, pretendo vê-lo neste próximo fim de semana e, claro, postar a resenha aqui.

Quem Quer Ser Um Milionário?

E a resposta certa é...

A seguir, uma série de perguntas e respostas sobre “Quem Quer Ser Um Milionário?”, filme que papou 8 Oscars e teve sua estreia nacional nesta última sexta-feira, 06 de março.

1 ª Pergunta: sobre o que é o filme?

Reposta: O longa de Danny Boyle mostra as peripécias de Jamal, um garoto saído dos favelões de Mumbai que acaba obtendo grande êxito na versão indiana do programa que ficou conhecido no Brasil como “Show do Milhão”. Quando está para faturar as 20 milhões de rúpias (prêmio máximo), ele é levado a uma sessão de torturas a fim de explicar como um favelado pode ter respondido corretamente a todas as questões. Ah, ele é também apaixonado por Latika, garota também egressa das favelas e que acredita ser o seu destino.

2ª Pergunta: essa trama é bem desenvolvida?

Reposta: se você quer saber se o filme é daqueles que envolvem o espectador, capaz de emocionar as plateias, fazer os namorados saírem abraçadinhos da sala de cinema, a resposta é sim. Danny Boyle volta a conduzir um longa de maneira frenética e estilosa, prendendo todos com uma narrativa fluida e cheia de sequências visualmente bem elaboradas. Mas também estão presentes algumas cenas de gosto bastante duvidoso, além de dispensáveis, como o mergulho de um garoto em um charco de fezes apenas para conseguir um autógrafo de um astro de Bollywood. Boyle, por sinal, parece ter uma obsessão por cocô (lembram de “Trainspotting”?).

3ª Pergunta: então o roteiro dever ser ótimo, não?

Resposta: É muito bem amarrado, cheio de elementos de “recompensa” para o espectador (foi escrito por Simon Beaufoy). O que não significa que seu texto seja rico. Há várias frases feitas ao longo de toda a trama, típicas de entretenimentos adolescentes como “Malhação” ou “High School Musical”. Aliás, coisas como “você é o meu destino” ou “vamos viver de amor” (por mais que características de um romance adolescente) parecem saídas de novelas de Glória Perez (será que ela adivinhou que esse filme iria fazer sucesso e assim começou a escrever sua novela “Caminho das Índias”?). O romance, já percebemos desde o início, está fadado a cumprir “seu destino”, numa previsibilidade atordoante.

4ª Pergunta: é verdade que o filme, como os críticos andam dizendo, tem muito de “Cidade de Deus”?

Resposta: Bem, a estética e o ritmo lembram bastante o filme de Fernando Meirelles, é fato. Além disso, ao mostrar a trajetória de Jamal, Boyle coloca um subtexto social em que explicita vários aspectos da realidade indiana, muito embora de forma superficial, sendo exemplos disso os conflitos religiosos, a situação de extrema pobreza da maior parte da população (as favelas mostradas no filme fazem as brasileiras serem vistas até como “desenvolvidas”) e a violência reinante (não muito diferente da brasileira). Todavia, se em “Cidade de Deus” esse é o tema central, em “Quem Quer Ser Um Milionário?” isso é apenas circunstancial, sendo basicamente um pano de fundo. E essa “realidade” mostrada é vista sob uma ótica de colonizador sobre colonizado, uma espécie de safári sociológico (é bom lembrar que o diretor, bem como a maior parte das fontes de financiamento, são britânicos), onde leões e leopardos são substituídos pelas crianças miseráveis da Índia.

5ª Pergunta: E os aspectos técnicos?

Resposta: São realmente muito bons. Fotografia, som e, principalmente, a edição são excelentes (este último item é outro aspecto que lembra muito “Cidade de Deus”). Neste ponto, ele fez realmente valer os prêmios que recebeu.

6ª Pergunta: o filme é manipulador e maniqueísta, como também a crítica brasileira anda alardeando?

Reposta: É manipulador, muito embora isso não possa sempre ser considerado como um defeito. Steven Spielberg, por exemplo, é mestre em manipulações e conseguiu produzir obras-primas cinematográficas dentro desta cartilha (desde “E.T.” a “A Lista de Schindler”). Existem inúmeros artifícios no filme para fazer o público se emocionar. Aliás, a própria ideia de uma história de “criancinhas sofridas” já induz a isso (esquema que também costuma agradar a Academia). Os personagens parecem saídos de um livro de Charles Dickens, só que em patamares ainda mais exacerbados de sofrimento e redenção. Também se mostra bastante maniqueísta. O vilão-apresentador parece saído de um conto infantil, sendo que a própria ideia da tortura para que Jamal revele os seus “segredos” já se mostra até um tanto “trash”. Ao longo de toda a narrativa, é bom lembrar, as crianças sofrem feito elefantes perseguidos na savana. Uma autêntica via crucis com verniz pop.

7ª Pergunta: os atores são competentes?

Reposta: Sim, a maior parte do elenco tem méritos. Dev Patel, que interpreta Jamal nos seus 18 anos é competente e carismático, assim como Anil Kapoor (astro de Bollywood), o apresentador do programa, desempenha muito bem seu papel. Já Freida Pinto, a intérprete de Latika, é linda e desejável, mas funciona mais como um enfeite cênico, além de ser o objetivo de vida de Jamal, claro. Contudo, o que mais me chamou a atenção foi o grupo de atores mirins recrutados pela produção nas favelas da própria Mumbai. Eles são ótimos e foram até recebidos com festa na Índia depois da cerimônia do Oscar.

8ª Pergunta: o filme mereceu as oito estatuetas que levou pra casa?

Resposta: nesse quesito, dá para afirmar que 8 Oscars me pareceram um certo exagero. Alguns afirmam que a Academia quis premiar “Milionário” pelo fato de ter esquecido “Cidade de Deus”, uma das obras mais influentes da década, em outra oportunidade. Pode haver verdade nessa afirmação, mas com certeza há mais verdade ainda no fato de Hollywood, nestes tempos de abertura da era Barack Obama e, principalmente, de grave crise econômica, estar buscando se aproximar de outras culturas e mercados. Ela já percebeu que boa parte de sua receita hoje está vindo do “resto do mundo” e a tendência só deve crescer, diante da recessão nos EUA. Nada melhor que se aliar aos emergentes para não imergir.

9ª Pergunta: agora, finalmente, responda: o filme é bom ou não?

Resposta: vou responder com as alternativas que seguem abaixo:

a) um filme empolgante, de grudar o espectador na cadeira;

b) uma merda estilizada por Danny Boyle;

c) um conto de fadas adolescente, com direito a número estilo “High School Musical” no final;

d) tudo isso junto.

A resposta certa é... Bem, assista ao filme e escolha sua opção. Creio que a minha talvez seja a letra “d” (creio que realmente há um pouco de cada alternativa no longa), mas... Acho que vou pedir ajuda aos universitários, a um amigo ou, talvez, para as cartas! Pena que acertar a resposta, nesse caso, não me fará um milionário...

Cotação e nota: Sei lá! Eu nem soube responder à pergunta...!!!

Danny Boyle em 007?

Esta semana correu a notícia (originada no "The Sun") de que o oscarizado Danny Boyle já está sendo cotado para assumir a direção do próximo "007". Será mesmo? Ele já afirmou que pretende agora fazer um "filme de meninas", já que tem duas filhas e o próprio considera que até agora só fez muito "filme de menino". De qualquer forma, creio que seu estilo combina bastante com o modelo de ação que vem sendo apresentado nos últimos longas da franquia. Uma boa ideia (caramba, como fica tosca essa palavra sem acento).

Botafogo Campeão da Taça Guanabara!

Abro espaço aqui para repercutir uma notícia de suma relevância: o meu Fogão é o campeão da Taça Guanabra, derrotando o Resende (que eliminou aquele time de camisa feia com listras vermelhas e pretas) por 3x0 e poderiam ter sido até uns 6!!! Isso com um público de 75 mil pessoas no Maracanã!!!!!! Não é à toa que esse blog é alvinegro!!!!!

E NINGUÉM CALA ESSE NOSSO AMOOOOOOOR!!!!!!!!!! E É POR ISSO QUE EU CANTO ASSIM, É POR TI FOGOOO! FOGOOOOOOOO!!!!!!!! FOGOOOOOOOOOOOOOO!!!!!!!!


Saudações da Estrela Solitária a todos!

Foi Apenas Um Sonho

Beleza Americana 2

O diretor Sam Mendes consagrou-se já no seu primeiro longa-metragem, intitulado “Beleza Americana”, conquistando 5 prêmios Oscar ao retratar o vazio da classe média estadunidense, seus sonhos de grandeza abortados e uma existência medíocre naquelas casas com uma grama verdinha e cerca branca. Utilizando uma ironia refinada, Mendes retratou uma família disfuncional onde o pai dava em cima da melhor amiga da filha adolescente, que por sua vez se drogava com um vizinho “esquisito”, enquanto a mãe, fútil, desenvolvia uma relação de semi-prostituição com o chefe no trabalho. Apesar do sarcasmo presente ao longo de toda a película, Mendes concluía com um tom otimista, mostrando que todas as vidas, mesmo as mais medíocres, possuem uma riqueza e beleza ímpares.

E é este mesmo tema que Mendes retoma em “Foi Apenas Um Sonho”, atualmente em cartaz nos cinemas nacionais. As semelhanças com o seu primeiro longa são realmente evidentes. Não seria estranho intitular este filme como “Beleza Americana 2”. Temos novamente um casal frustrado com sua condição. Ele (Leonardo Di Caprio) sempre teve aspirações artísticas, mas acaba em um emprego burocrático na mesma empresa onde seu pai trabalhou a maior parte da vida. Ela (Kate Winslet) é uma atriz fracassada que agora passa os dias na sua atividade de dona de casa. Vivem em um subúrbio, na rua Revolutionary Road (que dá título ao filme em inglês), em uma daquelas casas como a citada mais acima (grama verde, cerca branca...), mas também insatisfeitos com sua condição, muito embora sejam invejados pelos vizinhos como uma espécie de casal-modelo. Uma impressão que pode ficar é de estarmos vendo o mesmo filme, só que ambientado nos anos 50.

Mas nem tudo é tão igual assim. Se no primeiro filme, como já salientado, Mendes dá um tom de comédia sarcástica, neste novo trabalho o que predomina é o tom dramático do início ao fim da projeção. Não há espaço para alívios. Além disso, se o casal central de “Beleza Americana” vive junto apenas por aparências, aqui os dois realmente se amam (mesmo que com eventuais infidelidades), e o projeto de felicidade de um parece sempre incluir o outro. Eles se sentem especiais, destinados a ter uma vida que vá além dessa monotonia suburbana. E é pensando dessa forma que acabam reavivando um antigo sonho de morar em Paris, onde ela trabalharia como secretaria governamental, enquanto ele daria vazão aos seus ideais artísticos.

Apesar da ótima direção de arte, o que mais se destaca no filme são mesmo as atuações, trazendo este aspecto um peso maior que no equilibrado trabalho inicial de Mendes (no qual havia uma inventividade visual marcante). Di Caprio e Winslet (o casal “titânico’) estão excepcionais, carregando o filme nas costas (talvez até o próprio diretor tenha agido desta forma para amplificar o trabalho de sua esposa, Winslet). É até estranho que suas atuações neste longa, embora lembradas no Globo de Ouro, tenham sido esquecidas pela Academia. Winslet, ao menos, foi indicada (e vencedora) por “O Leitor”. Já Di Caprio acabou sendo mesmo esquecido em mais uma das injustiças que os votantes do Oscar lhe aprontam. Outro destaque vai para Michael Shannon, que faz o papel do filho da corretora que vendeu o imóvel ao casal (interpretada por Kathy Bates, mais uma de “Titanic”). Com problemas psiquiátricos, ele funciona como o elemento que expõe as verdades, que traduz abertamente em palavras aquilo que as pessoas “sãs” não têm coragem de falar. Embora a atuação de Shannon esteja ótima (o que lhe valeu uma indicação para a cerimônia), seu personagem constitui uma muleta narrativa já muito desgastada - quando não são pessoas com problemas psiquiátricos, freqüentemente se utilizam crianças para representar essa “consciência”.

Todavia, Mendes fecha a trama de uma forma bem mais pessimista nesta empreitada, não encontrando saída possível para seus personagens. O que talvez se torne frustrante para alguns que, após duas horas observando um casal que necessita de terapia, esperam algo mais em seu desfecho. Aliás, falando em terapia: talvez o filme até funcione como uma boa terapia de casal para aqueles que estejam precisando, mas não sigam tudo à risca, hein? Vocês saberão do que estou falando ao término da sessão...

Cotação: *** (três estrelas)
Nota: 7,5

P.S. Os espectadores presentes à sessão eram de uma extrema falta de educação. Cheios de piadinhas e conversas bobas em um filme em que absolutamente isso não cabe. O pior é que não se tratavam de adolescentes, mas de adultos que, pela idade mental, deveriam estar na 5ª série. Haja paciência. Mais um pouco eu levantava e quebrava a cara de um idiota que estava na minha fila. Palhaços!

Framboesa de Ouro - "Premiados"

Já havia até esquecido do "Framboesa de Ouro". A grande "premiada" este ano acabou sendo Paris Hilton por suas "excepcionais" interpretações no ano de 2008, além do novo filme de Mike Myers, "O Guru do Amor", com 3 Framboesas cada. Mas, querem saber de uma coisa? Esses prêmios de "piores" do ano já estão ficando muito metidos a besta e chatinhos, vide o prêmio de pior continuação para "Indiana Jones e O Reino da Caveira de Cristal". Como um filme com aprovação de mais de 70% da crítica pode ser considerado como um dos piores do ano? Há um ditado popular que diz: "quem caga na pia é pra aparecer". Acho que se aplica bem ao caso. Segue abaixo a lista completa.

Pior Filme
Super-Heróis - A Liga da Injustiça e Espartalhões
Fim dos Tempos
The Hottie and the Nottie
Em Nome do Rei
O Guru do Amor



Pior Ator
Larry the Cable Guy, Witless Protection
Eddie Murphy, O Grande Dave
Mike Myers, O Guru do Amor
Al Pacino, 88 Minutos e As Duas Faces da Lei
Mark Wahlberg, Fim dos Tempos e Max Payne

Pior Atriz
Jessica Alba, O Guru do Amor e O Olho do Mal
O elenco de Mulheres...O Sexo Forte (Annette Bening, Meg Ryan, Jada Pinkett-Smith, Debra Messing e Eva Mendes)
Cameron Diaz, Jogo de Amor em Las Vegas
Paris Hilton, The Hottie and the Nottie
Kate Hudson, Um Amor de Tesouro e Amigos, Amigos, Mulheres à Parte

Pior Ator Coadjuvante
Uwe Boll (como ele mesmo), Postal
Pierce Brosnan, Mamma Mia!
Ben Kingsley, O Guru do Amor, The Wackness e War, Inc.
Burt Reynolds, Deal e Em Nome do Rei
Verne Troyer, O Guru do Amor e Postal

Pior Atriz Coadjuvante
Carmem Electra, por Super-Heróis - A Liga da Injustiça e Espartalhões
Paris Hilton, por Repo: The Genetic Opera
Kim Kardashian, por Super-Hérois - A Liga da Injustiça
Jenny McCarthy, Witless Protection
Leelee Sobieski, 88 Minutos e Em Nome do Rei

Pior Dupla
Uwe Boll & qualquer ator, câmera ou roteiro
Cameron Diaz & Ashton Kutcher, Jogo de Amor em Las Vegas
Paris Hilton & Christine Lakin ou Joel David Moore, The Hottie and the Nottie
Larry the Cable Guy & Jenny McCarthy, Witless Protection
Eddie Murphy dentro de Eddie Murphy, O Grande Dave

Pior Remake, Continuação, Pré-Continuação ou Imitação
O Dia em Que a Terra Parou
Super-Heróis - A Liga da Injustiça e Espartalhões
Indiana Jones e o Reino da Caveira de Cristal
Speed Racer
Star Wars: The Clone Wars

Pior Diretor
Uwe Boll, Em Nome do Rei, Postal e Tunnel Rats
Jason Friedberg & Aaron Seltzer, Super-Heróis - A Liga da Injustiça e Espartalhões
Tom Putnan, The Hottie and the Nottie
Marco Schnabel, O Guru do Amor
M. Night Shyamalan, Fim dos Tempos

Pior Roteiro
Super-Heróis - A Liga da Injustiça e Espartalhões, Jason Friedberg & Aaron Seltzer
Fim dos Tempos, M. Night Shyamalan
The Hottie and the Nottie, Heidi Ferrer
Em Nome do Rei, Douglas Taylor
O Guru do Amor, Mike Myers e Graham Grody

Pior Carreira no Cinema
Uwe Boll

No Carnaval

Há alguns anos que sempre reservo o período do Carnaval para, ao menos, tentar me atualizar um pouco com minha própria coleção de DVDs. Existem mais de 50 filmes na minha videoteca aos quais ainda não assisti por pura falta de tempo. Bem, agora nesta festa de Momo de 2009, acabei vendo 4 bons filmes e vou procurar resumi-los em comentários mais breves do que minhas costumeiras resenhas. Vamos a eles:

Disque M Para Matar – Um dos melhores exemplares da obra de um dos mais conhecidos gênios do cinema: Alfred Hitchcock. Fruto de sua melhor fase (meados dos anos 50 até o início dos 60), trata-se do primeiro trabalho do mestre do suspense com Grace Kelly, que então ainda era uma estrela em ascensão (ela ainda faria “Janela Indiscreta” e “Ladrão de Casaca”). A trama gira em torno de um marido, muito bem interpretado por Ray Milland, que planeja o assassinato de sua bela e adúltera esposa (Kelly). Adaptado de um texto teatral, o roteiro é redondo e cheio de diálogos espirituosos e afiados, que ajudam bastante a disfarçar uma certa asfixia pelo fato do filme se passar quase que inteiramente dentro de um apartamento. De qualquer forma, mesmo que com pouco “espaço”, Hitchcock consegue ainda imprimir sua tradicional aula de narrativa visual, como na famosa sequência em que o assassino ataca a personagem de Kelly. Esta, por sinal, está estonteante, seja de vestido vermelho ou camisola, encarnando a obsessão do diretor por belezas loiras. E uma curiosidade: este é um dos primeiros filmes feitos em 3D. Sim, essa tecnologia já vem sendo desenvolvida há mais tempo do que você imagina e o velho Hitch adorava essas novidades tecnológicas.

Nota: 9,5



A Queda – As Últimas Horas de Hitler – Este já estava há muito tempo na minha prateleira, mas sempre acabava deixando para depois. Não deveria ter agido assim. É um filme realmente estupendo. Como muitos devem saber, o longa mostra os momentos finais da alta cúpula nazista quando da invasão de Berlim pelos soviéticos em maio de 1945. Bruno Ganz interpreta de forma brilhante Adolf Hitler, em seus momentos de loucura e até afetividade. Esse lado mais “humano” do ditador foi motivo de muita polêmica quando do seu lançamento, vez que muitos não gostavam de vislumbrar um lado “simpático” nesse personagem. Uma preocupação exagerada e desnecessária, pois em nenhum momento deixamos de perceber que Hitler era alguém totalmente desequilibrado e nefasto, ao mesmo tempo em que destituído de caráter, uma vez que em nenhum momento assumiu a responsabilidade pela derrota alemã. Outro aspecto interessante é observar a idolatria totalmente desmedida de muitos pelo “führer”, o qual havia se transformado numa espécie de deus pelo qual se devia matar ou morrer. O filme teve como uma de suas fontes os relatos da secretária de Hitler, Traudl Junge, interpretada no filme por Alexandra Maria Lara e que aparece em imagens reais já bastante idosa, pouco antes de seu falecimento. Dirigido por Oliver Hirschbiegel, trata-se de uma obra de relevância inquestionável.

Nota: 10,0.

O Estranho Sem Nome – O primeiro western dirigido por Clint Eastwood, sendo o seu segundo longa como diretor (o primeiro foi “Perversa Paixão”). É um trabalho ainda com altas doses de influência de Sergio Leone, inevitavelmente um dos grandes mentores de Clint. Desde o roteiro, passando pela trilha sonora e ambientação da trama, tudo lembra Leone neste longa que mostra a chegada de um forasteiro (o próprio Clint) ao vilarejo de Lago, onde há alguns anos um estranho e violento crime foi cometido contra um homem que, como descobrimos no decorrer dos fatos, parece ter alguma ligação com esse estranho visitante. Violento e com certas doses de misoginia, o filme lembra muito “Por Um Punhado de Dólares”, do já citado Leone, o qual por sua vez já foi uma adaptação de “Yojimbo – O Guarda-Costas”, do mestre Akira Kurosawa. Alguns chegam a indetificar nele uma conotação sobrenatural, mas que não me parece a interpretação correta. Embora esteja longe de ser um filme ruim, vale mais pelo interesse de observar Eastwood em seus primórdios como diretor. Assista ser for cinéfilo, fã do Clint Eastwood ou fã do gênero western.

Nota: 7,5.

Hannah e Suas Irmãs – Só agora fui descobrir porque este é considerado um dos mais memoráveis e queridos filmes de Woody Allen. Realmente, um dos mais sensíveis momentos da longa e prolífica carreira desse gênio da sétima arte. A impressão que temos é de não estarmos assistindo a personagens fictícios na tela, mas a verdadeiros seres humanos, todos dotados de suas fraquezas, complexidades e muita, muita beleza. Com um mosaico de tipos que inclui a sua querida Nova York, Allen está em um momento inspirado ao mostrar o dia-a-dia de Hannah (Mia Farrow, a então Sra. Allen), a mais forte e equilibrada integrante de uma família em que parece servir de arrimo emocional a todos, o que faz com que todos imaginem que ela não tem as suas próprias fraquezas e necessidades. É mesmo incrível como Allen sempre consegue criar tipos com quem nos identificamos em vários aspectos, ao mesmo tempo em que joga na tela as suas próprias neuroses, que neste filme parecem mais hilárias do que nunca. Bom lembrar que este longa foi premiado com 3 prêmios Oscar: melhor roteiro original, melhor ator coadjuvante (Michael Caine, ótimo) e melhor atriz coadjuvante (Diane Wiest). Um filme leve, mas que fala muito bem dos nossos pequenos dramas (algo que Allen conseguiu retomar no recente “Vicky Cristina Barcelona”). Não deixe de tê-lo em sua coleção.

Nota: 10,0.

Oscar 2009 - Conteúdo previsível, novidade na forma

Há menos de dez minutos terminou a 81ª edição do Oscar. Logo de antemão, já adianto: nenhuma grande surpresa entre os premiados. À exceção da categoria de filme estrangeiro, todos os demais “oscarizados” estavam bastante cotados para receber seus respectivos prêmios. O grande vencedor da noite foi “Quem Quer Ser Um Milionário?”, com nada menos que 8 estatuetas, entre elas as de melhor filme, diretor e roteiro adaptado. E até uma absurda premiação de melhor canção, intitulada “Jai-ho”, bastante chata por sinal.

Mas, se a cerimônia não teve surpresas em seu conteúdo, teve na forma. A Academia procurou inovar bastante na apresentação dos prêmios e também na condução de todo o evento. Hugh Jackman mostrou-se um ótimo apresentador, com certeza o melhor dos últimos anos. A sua abertura, com um número musical que abrangia mencionava quase todos os filmes indicados a estatuetas (não apenas de melhor filme), foi muito divertida, inclusive com uma interação com a plateia poucas vezes vista. Em certo ponto do número ele carrega uma das indicadas, a Anne Hathaway, para o palco, onde esta fez uma “interpretação” de Richard Nixon numa menção ao indicado a melhor filme “Frost/Nixon”. Até as piadas de Jackman foram muito espirituosas e pensadas para que qualquer espectador, de qualquer parte do mundo, pudesse entender. Também muito bom o número que Jackman fez ao lado da Beyoncé, valorizando a nova safra de musicais, principalmente porque pudemos babar com o corpão e as pernas lindas da famosa estrela pop (para dar uma compensada, pois eu não estava vendo os desfiles do Rio, né?).

Muito interessante a forma que a academia encontrou de inovar na apresentação dos Oscars para as interpretações. Normalmente, sempre o vencedor do prêmio de melhor ator apresentava o de melhor atriz e vice-versa (a mesma coisa com os coadjuvantes). Pois agora eles convidaram 5 atores e atrizes que já venceram em suas respectivas categorias para apresentá-las. A categoria de melhor atriz teve como apresentadoras ninguém menos que Sophia Loren, Shirley MacLaine, Nicole Kidman, Marin Cotillard e Halle Barry. A ideia foi tão interessante que fazia os assistentes presentes se empolgarem de aplaudirem de pé as apresentadoras. O mesmo sucedeu com os apresentadores de melhor ator (Robert De Niro, Ben Kingsley, Adrien Brody, Anthony Hopkins e Michael Douglas).

Falando em melhor atriz e ator, quando recebeu o prêmio, Kate Winslet (sim, ela finalmente ganhou) estava com uma cara de choro meio forçada, expressão que ostentou ao longo de toda a cerimônia, parecendo até que ela também estava interpretando ali. As garotas que acompanharam pela TV dirão que o vestido dela “era lindo”, mas eu me decepcionei, pois ela não ostentava um decote tão portentoso como na entrega do SAG. Uma pena... Já Sean Penn levou aquela que talvez fosse a indicação mais disputada da noite, o prêmio de melhor ator, mas ele não esqueceu de elogiar Mickey Rourke por sua fantástica interpretação em “O Lutador”. E m seu discurso, ele também falou da relevância de se fazer filmes como “Milk” e deu um puxão de orelhas nos eleitores da Califórnia, que recentemente votaram contra a legalização do casamento gay. Também mencionou o novo momento que os EUA vivem com a eleição de Barack Obama. Ou seja, Penn venceu não apenas por sua grande atuação, mas creio que também pelo seu engajamento político, algo obviamente bastante “na moda” no atual momento da sociedade americana.

Quanto as prêmios dos coadjuvantes, nada de surpresa. Penélope Cruz levou uma estatueta com méritos (boa forma de premiar “Vicky Cristina Barcelona”) e Heath Ledger levou o Oscar póstumo na maior barbada da noite. Sua família (pai, mãe e irmã) recebeu o prêmio em um momento que emocionou a todos. Muitos presentes estavam com lágrimas nos olhos (inclusive Angelina Jolie-Pitt).

Outra novidade no Oscar foi a mudança de cenário de acordo com os prêmios a serem entregues. O cenário mais interessante foi aquele utilizado para a algumas categorias técnicas, como Direção de Arte e Maquiagem. A Academia está procurando mesmo dar uma recauchutada no conceito da festa, para subir os índices de audiência. Teve um bom começo, mas algumas coisas ainda precisam melhorar, como a sua longa duração (é, a festa continuou muito extensa). De qualquer forma, novos ares estão surgindo.

Houve ainda uma homenagem inviesada para Jerry Lewis. Em vez de premiá-lo por sua genial carreira, a Academia resolveu entregar-lhe um prêmio pela seu incentivo à filantropia, através de projetos como o Teletom. Hein? Será que os americanos nunca irão reconhecer Lewis como um cineasta de grande relevância? Coisas de Hollywood...

Mas, e o resultado foi justo? Olha, acho que a Academia lembrou que “Cidade de Deus” não havia sido premiado há alguns anos e resolveu jogar uma montanha de prêmios para cima de “Quem Quer Ser Um Milionário?”. Imagino que o Fernando Meirelles deve estar pensando nisso neste momento (e o meu preferido era o Benjamin Button).

Segue abaixo a lista completa dos vencedores.

Melhor Filme
"Quem Quer Ser Um Milionário?"

Melhor direção
"Quem Quer Ser Um Milionário?", Danny Boyle

Melhor ator
Sean Penn, "Milk - A Voz da Igualdade"

Melhor atriz
Kate Winslet, "O Leitor"

Melhor ator coadjuvante
Heath Ledger, "Batman - O Cavaleiro das Trevas"

Melhor atriz coadjuvante
Penélope Cruz, "Vicky Cristina Barcelona"

Melhor Filme de Animação
"Wall-E"

Melhor roteiro original
"Milk - A Voz da Igualdade", Dustin Lance Black

Melhor roteiro adaptado
"Quem Quer Ser Um Milionário?", Simon Beaufoy

Melhor filme estrangeiro
"Partidas" (Japão)

Melhor direção de arte
"O Curioso Caso de Benjamin Button", Donald Graham Burt, Victor J. Zolfo

Melhor fotografia
"Quem Quer Ser um Milionário?", Anthony Dod Mantle

Melhor figurino
"A Duquesa", Michael O’Connor

Melhor documentário em longa-metragem
"O Equilibrista", James Marsh, Simon Chinn

Melhor documentário em curta-metragem
"Smile Pinki", Megan Mylan

Melhor montagem
"Quem Quer Ser Um Milionário?", Chris Dickens

Melhor maquiagem
"O Curioso Caso de Benjamin Button"

Melhor trilha sonora original
"Quem Quer Ser um Milionário?", A.R. Rahman

Melhor canção
"Quem Quer Ser Um Milionário?", com "Jai Ho"

Melhor curta-metragem de animação
"La Maison de Petits Cubes", Kunio Kato

Melhor curta-metragem
"Spielzeugland", Jochen Alexander Freydank

Melhor edição de som
"Batman - O Cavaleiro das Trevas", Richard King

Melhor mixagem de som
"Quem Quer Ser um Milionário?"

Melhores efeitos visuais
"O Curioso Caso de Benjamim Button"

Os vencedores?

Essa imagem que você está vendo acima seria a lista de vencedores do Oscar deste ano. Ela está circulando na net desde quinta-feira e tem todos aqueles elementos de um documento oficial (como a assinatura do presidente da Academia). De qualquer forma, obviamente a Academia já tratou de classificar o documento como uma fraude. Bem, só resta esperar até amanhã para saber (não vai demorar muito).

Em tempo: toda a família de Heath Ledger estará presente à cerimônia. O que se cogita é que seu pai, Kim Ledger, deve subir ao palco para receber o prêmio.

Novo Visual

Olá, povo!

Como podem perceber, o blog está com novo visual!

Já fazia uma tempo que estava querendo mudar. Apesar do visual antigo me agradar bastante, eu estava querendo dar um tom mais "característico" ao blog! Mas não sei se gostei muito... Talvez mude daqui a alguns dias. Muito embora, devido ao trabalho que dá, talvez não seja tão rápido assim. Bem, se quiserem, podem deixar suas opiniões nos comentários.

Indicados ao Oscar - Comentários Parte 3

Hoje, farei minha última sessão de comentários com relação aos indicados ao Oscar. A festa já é neste domingo de Carnaval, competindo com os desfiles das escolas de samba e com a própria folia (para quem gosta). A Globo não irá transmitir ao vivo. Ao que tudo indica, ele deve entrar com flashs durante os desfiles e exibir um compacto em um horário ainda a definir.Para quem tem TV a Cabo, o TNT irá exibir a cerimônia a partir das 22h30min, com comentários do Rubens Ewald Filho.

Bem, vamos a mais algumas categorias.

Melhor filme estrangeiro - Só vejo esse prêmio nas mãos de "Valsa Com Bashir", dificilmente ocorrerá alguma coisa diferente. O filme já recebeu o mesmo prêmio no Globo de Ouro e, tendo em vista a sua temática, tem tudo mesmo para levar o Oscar neste domingo.

Melhor Fotografia - "Benjamim Button" tem uma fotografia belíssima, mas "Quem Quer Ser Um Milionário?" já vem levando alguns prêmios nesta categoria (incluindo o Bafta), o que me faz crer que ele será o vencedor.

Melhor Maquiagem e Melhores efeitos visuais - Nessas, se não der "Benjamim Button" , a Academia acabará entrando em descrédito. Um dos pontos altos do filme é justamente o impressionante "envelhecimento" de Brad Pitt.

Melhor edição - Com sua edição estilo "Cidade de Deus", "Quem Quer Ser Um Milionário?" deve levar também este. Aliás, isso só mostra o que sempre afirmei: "Cidade de Deus" merecia ter tirado o prêmio de melhor edição da mãos de "O Retorno do Rei", naquele ano em que concorreram. Baita injustiça. Por melhor que seja, "O Retorno do Rei" tem uma edição convencional, nada demais.

Melhor Animação - Apesar de no "Annie" (prêmio exclusivo para as melhores animações do ano) ter dado "Kung-Fu Panda", creio que "Wall - E" leva o Oscar. E se não levar é injustiça!

Melhor Documentário - Vai dar "Man On wire", documentário que já arrebatou inúmeros prêmios ao redor do mundo. Tem até média de 100% no Rotten Tomatoes.

Bem, é isso aí. A demais categorias são muito técnicas e não tenho como opinar. Só resta agora conferir a cerimônia no domingo (tomara que a Mangueira não desfile nesse dia), com apresentação do Hugh Jackman. Até a próxima!

Urso de Ouro

E foram entregues neste sábado, 14/02, os prêmios da 59ª edição do Festival de Berlim. O vencedor do Urso de Ouro foi "La Teta Asustada", filme peruano sobre a violência perpetrada às mulheres durante os períodos de conturbação política no país. O título se refere à crença popular de que os filhos de mulheres estupradas no Peru cresceram assustados porque estas lhes davam o peito para mamar. A diretora (essa beldade aí ao lado) é Claudia Llosa (não me perguntem se ela tem parentesco com o Mario Vargas Llosa), a qual dedicou o prêmio ao Peru. Será que há uma tendência da Berlinalle em premiar filmes latino-americanos, já que no ano passado tivemos o nosso "Tropa de Elite" com o Urso de Ouro? A pergunta soa ainda mais pertinente se lavarmos em consideração que o Grande Prêmio do Júri foi para "Gigante", do argentino Adrián Biniez, juntamente com "Alle anderen", do alemão Maren Ade. Segue abaixo a lista completa de premiados:

Urso de Ouro: "La Teta asustada", de Claudia Llosa, uma co-produção de Peru e Espanha

Prêmio Especial do Júri: "Gigante", de Adrián Biniez, uma co-produção de Uruguai, Alemanha, Argentina e Holanda; e "Alle Anderen", de Maren Ade, da Alemanha.

Urso de Prata de melhor diretor: Asghar Farhadi, por "Darbareye Elly", do Irã.

Urso de Prata de melhor ator: Sotigui Kouyaté, por "London River", do Reino Unido.

Urso de Prata de melhor atriz: Birgit Minichmayr por "Alle Anderen", de Maren Ade, da Alemanha.

Urso de Prata de melhor roteiro: "The Messenger", de Oren Moverman e Alessandro Camon, dos Estados Unidos.

Prêmio Alfred Bauer: "Gigante", de Adrián Biniez, de Uruguai, Alemanha, Argentina e Holanda, e "Tatarak", de Andrzej Wajda, da Polônia.

Prêmio de melhor estreia: "Gigante", Adrián Biniez, de Uruguai, Alemanha, Argentina e Holanda.

Urso de Ouro de melhor curta-metragem: "Please Say Something", de David O'Reilly, da Irlanda.

Urso de Cristal ao Cinema Juvenil Generation 12plus: "My Suicide", de David Lee Miller, dos Estados Unidos.

Urso de Cristal ao Cinema Infantil Generation Kplus: "C'est pas moi, je le jure!", de Philippe Falardeau, do Canadá.

Prêmio Caligari da seção Fórum: "Ai no mukidashi" ("Love Exposure"), de Sono Sion, do Japão.

Prêmio do Público da seção Panorama: "The Yes Men Fix the World", de Mike Bonanno, Andy Bichlbaum e Kurt Engfehr, dos Estados Unidos.

Prêmio Teddy ao cinema homossexual: "Rabioso sol, rabioso cielo", de Julián Hernández, do México.

Prêmio C.I.A.C. (Confederação Internacional de Cinema de Arte e Ensaio): "Ander", de Roberto Castón, da Espanha.

A Troca

Não é só a mamãe Jolie...

Desde que apresentado no último Festival de Cannes, “A Troca” vem sendo acusado de ser um filme menor de Clint Eastwood, um longa que fugiria às próprias características do diretor, o qual teria carregado nas tintas emocionais em favor do trabalho de sua atriz, Angelina Jolie, abrindo espaço para que esta demonstrasse todos os seus dotes interpretativos no papel de uma mãe ferida. Há algo de verdade e também de exagero nessas afirmações, além de uma certa miopia.

Miopia porque os críticos pareceram não enxergar que este é um filme legítimo de Clint Eastwood. Vários de seus velhos temas são retomados nessa trama, baseada em fatos reais, onde é mostrada a história de Christine Collins (Jolie), uma mãe solteira na Los Angeles do final dos anos 20 cujo filho, Walter, desaparece misteriosamente de sua residência enquanto ela trabalhava. O caso ganha grande repercussão na cidade e, após 5 meses de investigações, a polícia apresenta um garoto como sendo o filho de Christine. Esta, todavia, vê de imediato que não é o seu filho, mas é convencida pelos policiais a levá-lo para casa. Contudo, ao longo dos dias que se seguem, Christine insiste na sua afirmação e acaba sendo acusada de louca pelos agentes que veem na solução deste caso uma forma de recuperar o prestígio abalado da polícia de L.A., acusada de enormes casos de corrupção.

Clint mais uma vez volta ao tema da mulher que enfrenta um mundo eminentemente masculino. Essa experiência já havia sido feita em “Menina de Ouro”, onde a personagem de Hillary Swank é a única mulher em uma academia de boxe, tentando obter sucesso em um esporte dominado por homens. Aqui, Christine, numa sociedade em que ainda não havia ocorrido a emancipação feminina, desafia uma corporação corrupta também dominada por homens. Eastwood até sublinha de forma acentuada esse choque ao mostrar o ambiente de trabalho da personagem, a qual é coordenadora de uma central telefônica onde há um predominante contingente feminino e, pouco depois, mostrar a mesma Christine cercada por policiais. Por outro lado, o septuagenário diretor também retorna ao tema da violência cometia contra crianças, algo que já havia feito em “Sobre Meninos e Lobos”. E mais: a farsa engendrada pelo próprio Estado já havia sido tema de “A Conquista da Honra”, onde verdades são fabricadas como forma de propaganda de guerra, e aqui como meio de tentar recuperar a imagem de uma instituição. Até mesmo a forma da narrativa mostra-se inegavelmente concebida por Clint, com seu estilo clássico por excelência, sem invencionices ou virtuosismos desnecessários, com trilha sonora (composta pelo próprio) amena e nunca invasiva, e roteiro (de J. Michael Straczynski) claro e direto. Há, realmente, muito do cinema de outras eras aqui, até no logo inicial da Universal Pictures, reproduzido tal como o era nos anos em que se passa a narrativa (em preto e branco, bem distante do hoje colorido e vistoso símbolo do estúdio).

Por outro lado, é verdade que o filme parece cair um pouco no apelo melodramático, algo incomum na carreira de Eastwood, mas que pode ser explicado pela própria temática abordada. Afinal, trata-se uma mãe em busca da sua prole, e o que esperar de uma mãe nessas circunstâncias? Que ela reaja com um grande autocontrole? Que contenha suas emoções? Convenhamos, responder positivamente a estas questões soaria até infantil. O que realmente acaba incomodando é o fato de Clint ter caído em alguns clichês narrativos para realçar ainda mais a atuação da senhora Pitt (bate um martelo no tribunal, close para a imagem de Christine sob impacto). Falando na atuação de Angelina, convém afirmar que ela está realmente ótima, merecendo sua indicação à estatueta do careca. Sua atuação não me pareceu excessiva, com seus arroubos emocionais perfeitamente adequados às situações mostradas na tela. O que talvez retire um pouco do brilho é que Jolie, inevitavelmente, deve ter representado a ela mesma em cena, deixando transbordar o seu público e notório lado maternal. Em vários momentos da projeção, não me saiu da cabeça a ideia de que ela deve ter imaginado como seria a sua própria reação caso um de seus filhos desaparecesse. Não que isso seja exatamente um demérito, mas trabalhar com emoções e sentimentos que lhe são familiares facilita o trabalho de qualquer ator.

Outro ponto que incomoda é uma certa perda do fio condutor na segunda metade da projeção, quando o filme deixa um pouco de lado o drama de sua protagonista para assumir um certo ar de thriller ao tentar esclarecer a resolução do mistério. Neste ponto, novos personagens surgem e alguns deles com atuações pouco convincentes, exageradas até. É importante até afirmar que o roteiro acaba interligando a história de Christine com outros acontecimentos também reais (eles , de fato, se conectaram), mas este segundo ato acaba sendo mal desenvolvido , sendo dirigido de forma meio apressada por Clint e com resoluções que mais parecem vindas de alguém que não sabe terminar o que começou.

De qualquer forma, vale afirmar novamente que aqueles que não enxergam nesta obra um filme de Eastwood precisam urgentemente consultar o oftalmologista. Pode-se afirmar, claro, que não é uma das suas melhores direções, mas também está longe de ser apenas um veículo para que a estrela Jolie pudesse mostrar como é uma boa mãe também nas telas. Eastwood é um dos diretores que mais conhecem a essência da sociedade norte-americana (juntamente com Martin Scorsese) e continuou a estudá-la mais uma vez com este “A Troca”, mesmo que o estudo não tenha rendido uma obra-prima.

Classificação: ***1/2 (três estrelas e meia)
Nota: 8,5.