Michael Jackson's This Is It

Belo Epitáfio

Em 25 de junho do corrente ano, qualquer ser humano vivo e pensante sabe o que sucedeu neste planeta Terra. Michael Joseph Jackson, o denominado “Rei do Pop”, faleceu vítima de uma overdose de medicamentos. Nomes como Propofol e Demerol caíram na boca do povo enquanto a necropsia era realizada e, mais importante, uma comoção tomou conta do mundo inteiro, que finalmente parecia esquecer as esquisitices do ídolo do pop para enxergá-lo como o grande artista que sempre foi e, principalmente, como um ser humano, não apenas uma espécie de “ET” que servia de chacota em programas humorísticos e tabloides sensacionalistas.

Quando de seu falecimento, MJ havia finalizado os ensaios para o início de sua nova temporada de shows, após anos fora dos palcos. Seriam 50 apresentações em Londres, todas com ingressos esgotados com meses de antecedência. Tristemente, o astro não chegou a realizar sequer uma apresentação. Felizmente, a sequência enorme de ensaios, os quais, segundo a mídia, teriam levado o astro a uma estafa e a sentir fortes dores (consequência do ritmo forte da preparação aliado a problemas reumáticos), foi registrada em mais de 80 horas de gravações, um tesouro que, obviamente, poderia ser lapidado e levado aos fãs como um presente. Obviamente, tal iniciativa não substituiria os shows que a estrela faria e que foram cancelados pelo destino. Entretanto, a ideia era boa e foi exatamente isso que aconteceu. Alguns podem afirmar que “This Is It”, o documentário resultado da edição das mencionadas 80 horas de gravações, seja oportunista e caça-níquel. É uma afirmação que tem seu teor de verdade, principalmente se levarmos em consideração o caráter da família Jackson, mercenária até a raiz da alma. Mas também é verdade que o material merecia mesmo ser levado ao público, tal o conteúdo emocional e verdadeiro que se percebe ao longo de toda exibição do longa.

Dirigido com muita competência por Kenny Ortega, as escolhas das cenas levadas à projeção não poderiam ser mais felizes. Inicia-se com os depoimentos de vários daqueles que integraram a produção do show. Diretores, assistentes, dançarinos, todos vão falando sobre a experiência que era trabalhar com o mega-astro. E não há como negar a sinceridade das palavras e emoção. Afinal, quando das declarações, Michael ainda estava vivo e, é preciso dizer, num momento de grande baixa na carreira, gerado pelo processo judicial em que foi acusado de abuso sexual contra menores e o fracasso comercial do seu último trabalho, o álbum “Invincible”. O depoimento de alguns dançarinos, ao afirmarem que MJ foi a razão deles trilharem essa profissão, realmente atinge o coração do público. Em seguida, vemos o desenvolvimento dos ensaios como se fosse o próprio show. Vamos passando por vários clássicos do artista, como “You Make Me Feel”, “They Don’t Care About Us”, ‘I’ll Be There”, entre outros. Mas alguns merecem ser destacados. A execução de “Thriller” ganha novos ares com a exibição do vídeo em 3D que estava sendo elaborado para o espetáculo. Já “Beat It” tem sua coreografia minuciosamente detalhada e, mais ainda, conta com uma grande participação da loura-gata e guitarrista Orianthi Panagaris, que rouba mesmo a cena em várias sequências (tenho a impressão que essa menina vai receber uma profusão de propostas de trabalho a partir de agora). Um grande momento é a execução de “Smooth Criminal”, com MJ inserido nas imagens de “Gilda” (bom ver a Rita Hayworth)e contracenando com Humphrey Bogart. Outro ponto marcante é a apresentação solo da coreografia de Michael para Billie Jean, aplaudida entusiasmadamente por toda a equipe presente. Aliás, a ideia concebida por Ortega foi justamente a de elaborar o documentário como se fosse realmente o show que os fãs não tiveram oportunidade de assistir. Em determinado ponto, são mostrados até mesmo os efeitos especiais que seriam vistos apenas em Londres, quando alguns dançarinos têm suas imagens multiplicadas centenas de vezes. Uma das grandes curiosidades, ademais, é ver o Michael dos bastidores, com seu jeito extremamente exigente, mas sempre educado (ao contrário de muitas estrelas pop por aí que, com bem menos talento, são grosseiros e estúpidos com aqueles que os cercam).

É impressionante também notar algumas coincidências. No documentário, percebemos que os ensaios já haviam sido concluídos e que Michael morreu exatamente entre o fim dos preparativos e a estreia da série de shows. A despedida e agradecimentos ao fim soam estranhamente como um adeus do ídolo, e a conclusão se torna extremamente triste quando nos damos conta que todo aquele esforço foi despendido por um show que nunca aconteceu (vale ressaltar inclusive a boa forma de Michael, que nunca denotaria um estado de saúde comprometido).

A experiência se tornou ainda melhor ao pegar uma das primeiras sessões de exibição, repleta de fãs. Ao término, vários dos presentes aplaudiram de maneira empolgada o que viram e, se agradou desta forma aos muito exigentes fãs do astro, o longa deve ter mesmo atingido o pleno objetivo de tentar eternizar o momento que acabou se tornando o epitáfio de um gênio da cultura popular. E o seu título, “É isso” em português, também soa como o resumo de uma ópera que foi acompanhada pelo mundo inteiro desde a infância de Michael Jackson. Mesmo que você não seja fã, vale muito à pena conferir. Não será sem méritos se o filme vier a receber o Oscar na categoria melhor documentário ano que vem (e o trabalho se torna ainda mais impressionante se lembrarmos o pouco tempo que levou para ser realizado). Parabéns, Michael, pelo imenso talento que teve e pelo ser humano que foi. E, mesmo que sua família procure apenas os bônus financeiros do tesouro é que seu legado, se ao menos continuar entregando aos cuidados de gente competente como no caso deste “This Is It”, sua memória estará bem protegida.

Cotação: * * * * * (cinco estrelas)
Nota: 10,0

Terror independente no topo das bilheterias

E o terror "Atividade Paranormal" alcançou, após um mês de exibição, o topo das bilheterias norte-americanas no último de fim de semana. Um feito raro, já que o mais comum são as produções começarem no topo e irem gradativamente reduzindo seus ganhos. Mais raro ainda se lembrarmos que o custo da produção foi de meros e rasos 15 mil dólares... O filme é mais um daqueles no estilo video-verdade de "A Bruxa de Blair", baseado nas experiências do próprio diretor (novato) Oren Peli com barulhos estranhos ao se mudar para uma nova casa. Com os 22 milhões arrecadados no último fim de semana, o longa alcançou a quantia de 62,5 milhões no total. Que lucro, hein? A estreia no Brasil está prevista para 4 de dezembro. Confira o trailer abaixo.

Te Amarei Para Sempre

Amor, tempo e ficção-científica

Filmes românticos não costumam primar pela originalidade. Não estou querendo dizer, com esta afirmação, que filmes românticos sejam sempre carentes de bons roteiros, não é isso. A questão reside no fato de que os textos deste gênero baseiam-se principalmente na força dos diálogos e em situações limite que colocam à prova o amor do casal. As diferenças costumam residir apenas na natureza de tais situações. Em um momento, pode ser a oposição das famílias, em outro uma longa distância a ser superada ou, até mesmo, uma guerra a ser lutada (como no caso emblemático de “Casablanca”). Neste “Te Amarei Para Sempre”, as dificuldades ao amor eterno do casal de protagonistas surgem de uma situação inusitada. O rapaz é portador de uma anomalia genética que o faz viajar no tempo da mesma forma que um epiléptico tem as suas crises. Ou seja, desaparece e ressurge em diversos momentos cronológicos de forma alheia à sua vontade, sem poder determinar quando isso irá acontecer.

Roteirizada por Bruce Joel Rubin (o mesmo de “Ghost”, ou seja, um especialista na área), que realiza uma adaptação do livro de Audrey Niffenegger, esta situação limite traz um sopro de originalidade a esta película (que teve produção executiva de Brad Pitt), fazendo-nos respirar novos ares em um gênero que vinha sendo um tanto maltratado nos últimos tempos. É verdade que, para isso, utilize um elemento já consagrado no mainstream hollywoodiano: a viagem no tempo (vide as séries “De Volta Para o Futuro” e “O Exterminador do Futuro”). Mas o fato é que essa mistura de romance e ficção-científica surte um ótimo efeito.

As próprias circunstâncias da ação acabam por nos apresentar ótimos personagens. Vivido por Eric Bana (em sua melhor presença desde “Munique”, de Steven Spielberg), Henry DeTamble é um homem que parece trazer em si uma constante melancolia. Devido ao poder-doença que possui, ele visita inúmeras vezes a ocasião em que sua mãe faleceu, quando ainda era garoto. Entretanto, o acidente jamais tem o seu desfecho transformado, já que não consegue interferir no curso dos acontecimentos quando viaja através do tempo. Por outro lado, consegue conviver com as pessoas dentro do fluxo temporal, o que lhe permite sempre rever e conversar com sua mãe (mesmo que esta não saiba que aquele é o seu filho já crescido). E, ainda, conhecer Clare Abshire (Rachel McAdams, atriz que já está se tornando figura constante em filmes melados de açúcar, basta lembrar de “Diário de Uma Paixão”), sua futura esposa (e isso não é um spoiler, pois a tradução literal do título em inglês é “A Esposa do Viajante do Tempo”). Esta última personagem também se mostra extremamente interessante, já que tem de conviver com um homem que pode sumir e reaparecer na sua vida a qualquer momento. E isso é uma metáfora perspicaz, pois as pessoas, de fato, podem entrar e sair de nossas vidas a qualquer instante, apenas não nos damos conta disso.


No entanto, nem tudo são maravilhas. As idas e vindas temporais geram furos no roteiro (como acontece na maioria dos filmes que lidam com viagens no tempo) e, a partir da segunda metade do longa, acabam tornando a trama um tanto confusa. Cabe até uma interrogação: por que Henry só viaja para momentos cronológicos a partir de sua existência? Um ilogismo do roteiro que pode causar um certo incômodo para aqueles mais atentos aos pormenores das tramas. Contudo, a direção segura de Robert Schwentke cuida para que o espectador não perca o envolvimento emocional ao longo da projeção. Ressalte-se, inclusive, a sua direção de atores. Como pincelei acima, Eric Bana consegue uma boa atuação, traduzindo sempre o tom melancólico característico do personagem. Já Rachel McAdams faz de Clare uma mulher forte, emotiva e romântica que lembra bastante a sua persona no mencionado “Diário de Uma Paixão” (e, convenhamos, ela tem um rostinho lindo que faria qualquer um se derramar). A fotografia também se mostra bela e adequada à temática, bem como a trilha sonora (prestem atenção, inclusive, na inserção de “Love Will Tear Us Apart”, do Joy Division, em certo momento, com um arranjo bem diferente).

Schwentke, assim, realizou uma boa demonstração de que é possível fazer um filme água com açúcar pouco previsível, muita embora ele ainda encontre uma forma de jogar um happy end. Entretanto, mesmo este final feliz é pouco convencional e, vamos admitir, dotado de muita beleza e sensibilidade. E que faz com que o título nacional para o longa também se torne bastante adequado. Um filme feito “com açúcar, com afeto” e boas pitadas de competência.

Cotação: * * * ½ (três estrelas e meia)
Nota: 8,5

O novo de Eastwood

Clint Eastwood é um daqueles diretores que conseguem reunir um ótimo elenco, mesmo que seja apenas "por um punhado de dólares" (Woody Allen é outro caso notório no atual cinema americano). Este cartaz acima, divulgado hoje pela Warner, é o de seu novo filme, intitulado "Invictus", com as estrelas Morgan Freeman (que também é o produtor) e Matt Damon no elenco. O filme trata das circunstâncias em que ocorreu a Copa do Mundo de rugby na África do Sul, em 1995, e de como Nelson Mandella (interpretado por Freeman no longa), então presidente, procurou usar o evento para unir brancos e negros logo após o fim do apartheid. Damon faz o papel do capitão do time sul-africano (os Springboks, como é conhecida a equipe). O longa tem estreia nos EUA em dezembro e no fim de janeiro no Brasil. Ou seja, é bem aquela época propícia para filmes que têm pretensões ao Oscar. De qualquer forma, já tem meu ingresso na contabilidade. É sempre bom ver um filme do velho Clint.

Distrito 9

Apartheid alienígena

Na última década, vem ganhando força uma forma de se fazer cinema surgida a partir de alguns filmes de horror. Trata-se de narrar uma trama ficcional de uma forma semelhante a documentários ou programas jornalísticos. São os casos de filmes como o famoso “A Bruxa de Blair” e a recente produção espanhola “[Rec]”, onde a apresentadora de um programa jornalístico, juntamente com seu cinegrafista, mostra os acontecimentos em uma madrugada em um prédio residencial, tudo dentro de um estilo vídeo-verdade que procura transmitir aos espectadores a sensação de que tudo aquilo realmente está acontecendo. Essa fórmula vem encontrando êxito junto ao grande público e trazendo uma enorme rentabilidade, já que tais produções costumam ter baixo orçamento, fazendo a alegria dos estúdios.

Agora, este “Distrito 9” traz esse formato vídeo-verdade para o terreno de outro gênero cinematográfico, a ficção-científica. E não apenas isso. Insere um contexto de crítica social que poucas vezes se vê no gênero, o qual se tornou terreno fértil para os diretores explorarem questões existenciais e até mesmo teológicas (vide o clássico absoluto “2001 – Uma Odisséia no Espaço”), mas que pouco é utilizado como ambiente para tratar de discussões de caráter mais sociológico.

Dirigido pelo novato Neill Blomkamp e ostentando como produtora a grife de Peter Jackson, o longa foi desenvolvido a partir de uma curta-metragem que acabou caindo nas graças do famoso diretor de “O Senhor dos Anéis”. Na trama, alienígenas vivem em guetos-favelas na cidade de Johanesburgo, África do Sul, uma vez que sua nave não possui mais combustível para retornar e flutua há 20 anos sobre a metrópole. Os aliens são semelhantes a crustáceos gigantes e por isso são apelidados pejorativamente pelos humanos de “camarões”, sofrendo todo tipo de discriminações e humilhações. Uma clara alegoria do regime do apartheid sul-africano e também das várias formas de marginalização de grupos étnicos ou sócio-econômicos existentes no mais diversos agrupamentos humanos. Tudo isso mostrado de forma realista em uma estrutura documental, onde especialistas falam sobre os fatos mostrados na tela, além de repórteres e câmeras de TV noticiarem os fatos. A ausência de atores conhecidos só reforça a sensação de realidade, aliada a uma fotografia que lembra muito as imagens televisivas e, em outros momentos, remetem às técnicas usadas por Fernando Meirelles para filmar as favelas gigantes em “O Jardineiro Fiel”. Uma certa estranheza domina a primeira metade de projeção, jogando o espectador num amontoado de sensações atípicas.

Contudo, é necessário estabelecer links emocionais entre a plateia e a narrativa (afinal, apesar da estrutura documental, é bom lembrar que não se trata de um documentário). E é nesse ponto que o roteiro (escrito pelo próprio Blomkamp em parceria com Terri Tatchell) começa a apresentar suas oscilações. Busca-se estabelecer a ligação com o espectador através do personagem de Wikus Van De Merwe, um funcionário da MNU (uma espécie de ONU deste mundo fictício), incumbido de realizar o remanejamento da população de aliens das favelas onde eles vivem para um assentamento mais afastado do centro de Johanesburgo, num toque que lembra bastante as origens da Cidade de Deus no Rio de Janeiro (e, obviamente, isso não é mera coincidência). Durante sua missão, Wikus entra em contato com uma substância alienígena que afeta seu DNA, o que o leva a se aliar inevitavelmente com os aliens para obter sua possível cura (esse é um ponto em que “A Mosca”, de David Cronnenberg, vem logo à mente). A figura do mocinho que antes era meio-vilão, mas que passa a enxergar as coisas de uma outra forma após se sentir como aqueles a quem perseguia já se tornou um tanto clichê, muito embora o intérprete de Wikus, Sharlto Copley (amigo de longa data do diretor), seja bastante convincente em sua atuação.

A segunda metade do filme, desta forma, acaba se tornando um tanto previsível em várias nuances, principalmente porque parece esquecer a crítica social e mergulhar no cinema de ação de forma irrefreável e, assim, os furos de roteiro vão se tornando cada vez mais aparentes (afinal, se as armas dos aliens funcionavam, porque eles não as usavam contra os humanos?). O longa só não cai na pasmaceira total porque várias seqüências são mesmo bem realizadas e os efeitos especiais (obviamente vindos da Weta de Peter Jackson) são extremamente eficientes (mesmo com um alardeado baixo orçamento de US$ 30 milhões), muito embora caiba destacar aqui um certo excesso de violência desnecessária (sangueira e corpos partidos são freqüentes). Outro fator que depõe contra “Distrito 9” é sua trilha sonora, a qual também bebe da fonte de filmes como “O Jardineiro Fiel” e “Diamante de Sangue”, mas que aqui soa deslocada, querendo dar a impressão de estarmos vendo um filme denúncia e não uma ficção científica (o que para alguns pode ser considerado um mérito, tendo em vista as pretensões do diretor).

De qualquer forma, trata-se de um bom começo para Blomkamp, mostrando que Peter Jackson parece ter faro para encontrar novos talentos. E, dentro do quadro atual de Hollywood, alguém que tenha novas ideias, com a de trazer a crítica social mais direta para o terreno da ficção científica, é sempre bem-vindo. Confesso, além disso, que gostei mais do estilo ficção-documentário neste gênero do que no terror, o qual sempre perde em envolvimento ao assumir esta forma. Uma mistureba interessante que vale uma passadinha no cinema mais próximo.

Obs. As legendas estão um lixo. Em alguns momentos os aliens falam e simplesmente não aparece a tradução na tela (só as legendas originais em inglês). Pra completar, o(a) tradutor(a) parece ser fã de “Tropa de Elite”, já que coloca termos como “BOPE” e “Caveirão” na tradução, em uma mediocridade escandalosa (e mesmo idiota).

Cotação: * * * (três estrelas)
Nota: 7,5

Musas do Escurinho #10

Sessão dupla do "Musas do Escurinho". E homenagem à mais nova e poderosa obra de Tarantino, seguem imagens da duas musas do seu filme. A primeira é Diane Kruger, a linda agente dupla loira e fatal Bridget Von Hammersmarck (como sempre há em todo filme de Segunda Guerra).

A seguir, a bela francesinha Mélanie Laurent, a qual encarna uma personagem já detinada à imortalidade: a judia Shossana Dreyfuss. As francesas...ah, as francesas!

Trilha Sonora #8

"Come Fly With Me" é um dos standards da música americana e uma das grandes interpretações do velho Frank Sinatra. E ela também faz parte da trilha sonora de "Prenda-me Se For Capaz", um daqueles filmes que são feitos sem muitas pretensões, mas que, talvez por isso mesmo, resultam ótimos. E esse é o caso desta pequena grande obra de Steven Spielberg. Delicie-se com a voz de Old Blue Eyes.

Bastardos Inglórios

Catarse tarantinesca

É sempre bom ver um filme de um cineasta como Quentin Tarantino. Ele é, hoje, uma dos grandes representantes do chamado cinema de autor, concepção criada pelos mentores da Nouvelle Vague e que perdura até hoje. Pode-se criticá-lo pelo excesso de violência em suas películas, sua verborragia desnecessária e, segundo outros, uma certa superficialidade nos temas abordados e personagens apresentados. Mas não há como negar: Tarantino é um cineasta diferenciado, realizando obras com características próprias e, especialmente em um ano que vem se apresentando especialmente fraco como este de 2009, um alívio de qualidade e inteligência pairando em cima de um mar de mediocridade.

Já havia um certo tempo, ele vinha prometendo conceber o seu “filme de Segunda Guerra Mundial”. Após um enorme período elaborando o roteiro (normalmente a etapa mais demorada de seu processo de criação), eis que surge este “Bastardos Inglórios”, uma produção que pode representar o início de um amadurecimento em sua carreira, principalmente porque, desta feita, Tarantino parece mesmo querer extrapolar os limites de sua cinefilia e trazer uma contribuição um tanto heterodoxa: a realização de uma vingança, mesmo que de forma ficcional, contra os nazistas (especialmente para o público judeu).

A vingança, inclusive, como sabido por muitos, não é tema novo na sua obra. O maior exemplo são os dois volumes de “Kill Bill” (sua melhor obra, na minha opinião), onde a Noiva ia à forra contra os antigos membros do esquadrão das Víboras Assassinas. Agora, Tarantino parece querer filmar uma espécie de vingança global contra os nazistas, colocando como executores da tarefa exatamente aqueles que mais sofreram sob o jugo alemão - os judeus – e concretizando uma espécie delírio de toda uma etnia com imagens fortes e que, digamos, “lavam a alma”.

Acima, mencionei que Tarantino, aqui, foge da mera cinefilia. Mas isso não quer dizer que ela não esteja presente. O filme transborda de referências com a velha utilização do seu liquidificador pop. O próprio título, “Bastardos Inglórios”, é uma referência a um desconhecido filme de guerra italiano de 1978 e as homenagens ao Western Spaghetti de Sergio Leone permeiam toda a trama. Trama esta que se inicia magnificamente (com trilha de Ennio Morricone) em uma seqüência de um longo e impecável diálogo entre o coronel nazista Hans Landa (Christoph Waltz, brilhante!) e o fazendeiro La Paditte (Denis Menochet, com participação pequena, mas memorável), cenas estas que parecem ser uma mistura de seqüências de “Rastros de Ódio” e “Era Uma Vez No Oeste”. Em consequência desta conversa, a jovem judia Shosanna Dreyfus (Mélanie Laurent, linda) tem a sua família assassinada, conseguindo escapar por mero acaso. Anos mais tarde, ela assume uma nova identidade como dona de um cinema na França ocupada pelos nazistas.

Paralelamente, vemos o grupo de soldados judeus caçadores de nazistas comandado pelo tenente Aldo Raine (Brad Pitt, divertidíssimo, e o nome do personagem é uma homenagem ao ator Aldo Ray), os tais Bastardos do título, dizimar patrulhas alemãs com extrema violência. Um deles, o “Urso Judeu” (Eli Roth), costuma abater nazistas a golpes com bastões de beisebol. A fama do grupo faz com que ele seja recrutado para participar da “Operação Kino” (“kino” é cinema em alemão), a qual terá como objetivo o assassinato de toda a cúpula nazista. Para o sucesso da operação, eles terão que contar com a ajuda da atriz alemã Bridget Von Hammersmarck (Diane Kruger, belíssima), uma espiã que faz jogo duplo.

A chuva de referências não pára por aí. São feitas várias citações que vão de Leni Riefensthal (no letreiro do cinema de Shosanna) a François Truffaut (as referências à Nouvelle Vague são claras no terceiro capítulo da trama) e provavelmente há várias outras que nem percebi. Alguns podem acusar Tarantino, inclusive, de fazer filmes para cinéfilos, mas a verdade é que isto não prejudica o espectador médio em acompanhar e se envolver com a trama. Por sinal, o envolvimento emocional é algo que o diretor vem aprimorando ao longo do tempo. Acusado de realizar obras meramente estéticas, aqui a personagem de Shosanna mostra-se plenamente capaz de cativar a plateia e algumas de suas cenas batem mesmo no coração. A direção de atores, ademais, é possivelmente a melhor da carreira do cineasta. Todos estão bem, sem exceção, mas cabendo ainda um destaque especial para Cristoph Waltz. O seu oficial nazista é um dos melhores vilões dos últimos anos, chegando a rivalizar até mesmo com o Coringa de Heath Ledger, e entra de pronto para aquela galeria de tipos que amamos odiar. Tarantino apenas peca em alguns diálogos excessivamente longos, como o travado em um bar-porão entre infiltrados e nazistas, o qual pode cansar um pouco a plateia.

Mas, creio que, desta oportunidade, o mundo nerd de Tarantino presta-se a realizar uma espécie de catarse coletiva em relação aos horrores perpetrados pelo nazismo no passado. [SPOILER] A cena em que o Urso Judeu fuzila Adolf Hitler é sintomática disso [FIM DE SPOILER] e o fato de Aldo Raine marcar com um facão a testa dos nazistas que não usam uniformes é uma ótima metáfora para o fato de que jamais devemos esquecer dos horrores cometidos durante a Segunda Grande Guerra e, talvez, de forma ainda mais abrangente, seja uma forma de dizer que todos aqueles portadores de preconceitos e ódios desmotivados deveriam ter escrito isso na testa como forma de nos precavermos. É sabido que os nazistas marcavam os judeus à ferro quente, como gado. Aqui, Quentin Tarantino marca os nazistas à faca. E fico me perguntando qual a reação dos alemães ao verem este filme.

Cotação: * * * * 1/2 (quatro estrelas e meia)
Nota: 9,5

Salve Geral

Esse não se salva

O enorme sucesso de crítica e público alcançado por “Cidade de Deus” gerou uma sucessão de filmes voltados a mostrar às plateias o mundo cão da criminalidade brasileira, todos com um viés de “análise sociológica” destinada a fazer a o espectador refletir sobre a realidade nacional. Na realidade, só tivemos dois filmes que, de fato, alcançaram de forma satisfatória este intuito, quais sejam, o próprio “Cidade de Deus”, de Fernando Meirelles, e “Tropa de Elite”, de José Padilha (isso no terreno ficcional, pois o documentário “Ônibus 174”, também de Padilha, é simplesmente excelente). Entretanto, a maior parte dos exemplares navega em mares de mediocridade, casos de “Carandiru” e “Última Parada 174”, este último o longa brasileiro escolhido pela comissão do Ministério da Cultura em 2008 para concorrer a uma das indicações ao Oscar de melhor filme estrangeiro, passando longe dessa pretensão, todavia.

Agora, eis que o Ministério indica este “Salve Geral”, filme de Sérgio Rezende que trata dos ataques realizados pelo Primeiro Comando da Capital – PCC a várias delegacias, bancos, lojas e ônibus no dia das mães do ano de 2006, como uma forma de reação às medidas mais duras que a Secretaria de Segurança Pública de São Paulo estava tomando com relação às lideranças criminosas e presos de maior periculosidade. Obviamente, como já se tornou praxe no gênero, são apresentados personagens e circunstâncias ficcionais com uma forma de estabelecer um link maior com o público, procurando envolvê-lo na trama. No presente caso, a personagem que tem essa função primordial é a de Lúcia (Andréa Beltrão), uma professora de piano diante de sérias dificuldades financeiras após a morte do marido, as quais a levam a mudar-se de bairro (para outro bem menos nobre), acompanhada do filho Rafael (Lee Thalor), ainda bastante jovem. O rapaz é um tanto irresponsável e se envolve em um crime durante um racha, fato que o leva a ser condenado a 8 anos de prisão. Diante desta nova dificuldade, Lúcia, buscando ao máximo tirar o filho da prisão, acaba conhecendo “A Ruiva” (Denise Weinberg, a melhor do elenco), uma advogada de porta de cadeia que faz o típico trabalho sujo para os detentos, servindo como elo entre estes e o mundo exterior. A advogada é responsável pela frase que se torna meio que um mote do filme: “um péssimo juiz pode ser mais eficiente que um bom advogado”.

À parte alguns furos jurídicos, este início do longa até que transcorre de forma satisfatória. O trabalho do elenco é competente, gerando empatia. O roteiro (do próprio Rezende em parceria com Patrícia Andrade) transcorre com fluidez e bons diálogos, e o diretor se preocupa, através de pequenos detalhes, em nos mostrar características interessantes dos personagens (com as várias fotos de Ayrton Senna no quarto de Rafael que denotam sua paixão pelo automobilismo). Os aspectos sociais também nos são mostrados sem cair no didatismo. Entretanto, a partir do momento em que Lúcia passa a fazer serviços para a Ruiva, levando e trazendo informações aos presídios, a coisa começa a desandar e descamba totalmente quando ela se envolve com um dos líderes do “Partido”, um tal “Professor” (Bruno Perillo), que o filme se esforça para mostrar como homem bonito e inteligente, meio que para justificar a atitude da protagonista. Por sinal, o caso entre os dois tem início de uma hora pra outra com uma cena de sexo totalmente anticlimática, meio sem pé nem cabeça, salvando-se apenas pela sensualidade que Andréa Beltrão consegue conferir à sua performance.

Nesse ponto, o filme investe em aspectos que lembram dramalhões televisivos. Toda a trama “social” adentra em um didatismo superficial, como se não tivéssemos conhecimento dos vários meandros e esquemas levados a efeito pelas facções criminosas, além das situações vividas internamente nos presídios por detentos, os quais têm que se submeter aos caprichos dos líderes de tais facções. Nada que já não tivesse sido visto em filmes-presídio como o citado “Carandiru”, por exemplo. O pior de tudo é que as intenções de Rezende parecem ser as de realizar uma grande análise das origens e manutenção do ciclo da violência no Brasil, no que fracassa totalmente. Suas ambições naufragam num roteiro que, além dos aspectos novelísticos, parece também querer investir em tramas de ação (SPOILER: a perseguição da polícia a Rafael, já quase ao fim da projeção, é exemplo claro disso FIM DE SPOILER). A própria trilha sonora traz essa marca: há vários temas muito mais adequados a sequências de ação ou suspense do que a uma proposta de reflexão sobre o que está sendo mostrado na tela. Corolário de tudo isso é o desfecho do personagem da Ruiva, patético e maniqueísta.

Trata-se aqui de mais um caso de equívoco na escolha de nosso concorrente à estatueta do careca dourado. Mais uma obra medíocre que passará longe dos 5 finalistas. E aí vem sempre a mesma pergunta: foi isso que o Brasil conseguiu produzir de melhor no corrente ano? O país já conseguiu até ser sede de Olimpíada (Rio 2016, lá vou eu!), mas parece que ainda não entendeu como realizar filmes de boa qualidade, sobrevivendo apenas de momentos criativos de diretores diferenciados como Meirelles, Walter Salles e José Padilha. Ainda muito pouco, infelizmente.


Cotação: * * ½ (duas estrelas e meia)
Nota: 6,0

A Verdade Nua e Crua

Mais do mesmo

Recentemente, tivemos em “Se Beber, Não Case” um ótimo exemplo de como revitalizar o desgastado gênero das comédias voltadas ao grande público. Com uma pegada mais masculina, além de contar com uma boa dose de gags politicamente incorretas, o filme, em boa parte, procura fugir dos clichês e mergulha o espectador em situações inteiramente non sense. O longa foi um enorme sucesso por onde passou, mas quem disse que os produtores estão dispostos a arriscar sempre?

Um bom exemplo de acomodação é este “A Verdade Nua e Crua”. Estão lá os velhos chavões da comédia romântica, repetidos a esmo ao longo de décadas. Desde o início sabemos como tudo vai terminar, quem irá se apaixonar; que o casal vai começar se detestando, mas depois vai acabar se amando. O que difere um pouco são as circunstâncias, mas a essência é sempre a mesma.

No presente caso, temos uma jornalista produtora de um programa de TV, Abby Ritcher (Katherine Heigl, bonitinha, mas um tanto insossa), uma mulher moderna-executiva, mas que não entende nada de homens (como a maioria das mulheres modernas-independentes-executivas, é bem verdade). Um belo dia, ela descobre que terá que trabalhar como produtora de Mike Chadway (Gerard Butler, o único que se salva no elenco), o machão apresentador do programa que dá título ao longa, destinado a aconselhar mulheres que têm dificuldades em arranjar namorados. Como parece já dito acima, eles de início se odeiam e depois... preciso mesmo contar o final?

O que difere um pouco este exemplar e o retira da inteira mesmice é um certo tom picante das piadas e situações, elemento geralmente ausente da maioria das comédias românticas. Dirigido por Robert Luketic e roteirizado por 3 mulheres (Nicole Eastman, Karen McCullah Lutz e Kirsten Smith) , no longa há algumas referências explícitas a atos como masturbação, fetiches, calcinhas vibratórias etc. O palavreado também é mais direto e desbocado que o habitual (é interessante ver em uma CR uma mulher falando coisas com “pau” ou “dar”), mas nem nesse aspecto o filme consegue ser inteiramente original. Uma certa cena de orgasmo de Abby em um restaurante é nitidamente xerocopiada da famosa sequência em que Meg Ryan finge um orgasmo em “Harry e Sally – Feitos Um Para o Outro”. A diferença é que Meg Ryan consegue realizar o orgasmo fingido mais competente da história do cinema. Já Katherine Heigl não consegue convencer nem a ela mesma... No fim das contas, “A Verdade Nua e Crua” pode ser menos puritano que as comédias voltadas para o público feminino, mas a falta de criatividade continua lá presente, como atestado de que os produtores ainda estão longe de perceber que os riscos podem gerar grandes frutos. Filme bom apenas para você levar a namorada/ficante para uns amassos, afinal você nem precisa prestar muita atenção para entender o que está acontecendo... Talvez, mais interessante em toda a projeção seja a frase de Mike (uma das poucas realmente verdadeiras sobre os homens): “nenhum homem vai se apaixonar à primeira vista por sua personalidade”. Isso pode doer um pouco em vocês, garotas, mas há muito de verídico nela.

Resenha curta, não? A verdade é que não há muito o que comentar sobre “A Verdade Nua e Crua”.

Cotação: * *1/2 (duas estrelas e meia)
Nota: 5,5

Cidade Maravilhosa, cheia de encantos mil...

Parabéns, Rio! Parabéns, Brasil! Quem sabe agora a Cidade Maravilhosa não volta a desfrutar do prestígio que sempre mereceu?

O Cinema com Pimenta presta sua homenagem disponibilizando o clipe promocional dirigido pelo nosso grande cineasta Fernando Meirelles!

É isso aí! Espero estar lá em 2016. Afinal, isso é viver!

Eu quero esse pôster # 3

Sempre gostei do sutil erotismo do pôster de "Beleza Americana". Um ótimo filme, por sinal! Que diferença entre este e o último filme de Sam Mendes, o chato "Foi Apenas Um Sonho"...

Roman Polanski: os gênios também erram...

Ontem foi preso na Suíça Roman Polanski, o genial diretor de filmes icônicos como “O Bebê de Rosemary”, “Chinatown” e “O Pianista”. Como muitos devem saber, Polanski, em 1977, foi acusado de manter relações sexuais como uma menina de 13 anos, Samantha Geimer, além de tê-la drogado para atingir esse fim. Condenado pela justiça americana, Polanski, que admitia o sexo com a garota, mas sem o uso de drogas, jamais voltou a colocar os pés nos Estados Unidos desde então. Fiquei sabendo da notícia ainda ontem à noite, mas hoje, durante sua veiculação no “Bom Dia Brasil”, um cidadão suíço deu uma entrevista falando sobre o ocorrido que me levou a uma reflexão. Abre aspas: “Tenho vergonha do que o governo do meu país está fazendo. Polanski é um gênio! Não merece ser tratado assim por algo que já ocorreu há tanto tempo...”. Fecha aspas.

É verdade que o crime já tem mais de 30 anos. No Brasil, mesmo levando em consideração a interrupção da prescrição que ocorre com a propositura da ação penal (e mais algumas possibilidades que seriam desnecessárias mencionar aqui, por favor), dificilmente este crime não estaria prescrito (assim como a pretensão executória). No caso dos EUA, inclusive, está se discutindo por lá se a pretensão executória já estaria prescrita ou não*. Também é verdade que a vítima, mesmo reiterando que foi violentada, “perdoou” publicamente o cineasta pelo ocorrido. Entretanto, apesar dessas verdades que amenizam a importância do erro cometido por Polanski, será que, como disse o entrevistado suíço, a sociedade deveria relevar o erro do diretor pelo fato do mesmo ser um gênio?

Isso é uma afirmação perigosa. Aqui mesmo, no Brasil, estamos sempre a nos queixar que as leis são aplicadas com dois pesos e duas medidas, agindo com rigor com relação a uns e com pouca eficácia em relação a outros, principalmente quando os réus são poderosos/abonados/famosos. A relativização de regras que devem ser aplicadas indistintamente a todos acaba sempre sendo nociva para a democracia, a qual tem por base justamente a igualdade de todos perante a lei. Se a lei americana ainda determinar a aplicação da pena (caso em que a prescrição não ocorreu), creio que o melhor será mesmo executá-la, não sendo saudável que o presidente Barack Obama conceda o perdão presidencial, como já estão pugnando os governos da França e Polônia (Polanski é cidadão franco-polonês). Falo isso com dor no coração, pois eu concordo com o fã suíço: ele é um gênio. “O Bebê de Rosemary” e “O Pianista” podem entrar facilmente em listas de melhores de todos os tempos. Já passou por dramas terríveis, como a vivência em uma Polônia ocupada pelo horror nazista (sua mãe morreu em Auschwitz e, quando menino, era comum os soldados de Hitler atirarem em sua direção só para vê-lo com medo...) e o assassinato brutal de sua esposa Sharon Tate pelo fanático psicótico Charles Manson. Mas também os gênios são seres humanos como eu e você e cometem seus erros (no caso, um erro bastante grave, já que se pode até classificá-lo como um ato de pedofilia). E, como todos, devem suportar as suas consequências...

* Se alguém da área jurídica quiser discutir essa minúcias, fique à vontade. O fato é que estou de férias e sem vontade, no momento, de buscar um livro de Direito Penal apenas para escrever esse texto. Não é o intuito aqui descer a tantos detalhes.

Nas férias

Atualmente, encontro-me em período de férias (!!!!!!!!!!!!!) e, obviamente, estou também aproveitando para ver e rever alguns filmes, fazendo uma atualização do meu “repertório”. Abaixo, seguem alguns desses filmes com os respectivos comentários, mais breves do que as costumeiras resenhas, mas que, até mesmo por isso, talvez deixe tudo menos “cansativo”. Vamos a eles.

O Lutador – Talvez a maior injustiça no Oscar deste ano tenha acontecido com este longa de Darren Aronofsky. O filme sequer recebeu a indicação para o prêmio de melhor filme, num daqueles casos de franca estupidez da Academia. O drama de Randy “The Ram” Robinson (Mickey Rourke, ressuscitando das cinzas e indicado ao Oscar), é ao mesmo tempo triste e emocionante, sensível e reflexivo. Ele é um famoso lutador profissional de “Wrestling”, aquela luta livre encenada que é vista por muitos como brega e idiota justamente por ser “fake”. Entretanto, nem tudo é tão falso assim, já que várias das contusões e ferimentos acabam sendo verdadeiros. Randy já está em decadência, sendo admirado apenas pelos lutadores lado B dos confrontos em que ainda participa, quando tem diagnosticado um problema cardíaco que o impedirá de lutar de forma permanente. Paralelo a isso, vemos que a vida pessoal de Randy também é um desastre. Não fala com a filha (a lindinha Evan Rachel Wood) há muito tempo e procura manter laços com a stripper Cassidy (Marisa Tomei, ótima no papel e um vulcão de erotismo), a qual possui um filho. O retrato de um ser humano que parece não ter mais saída, mas sem apelar para o sentimentalismo fácil. Muitos afirmam que Rourke não mereceria o Oscar por estar meio que representando a si mesmo no papel. Entretanto, talvez seja mais difícil dar vida a um personagem que nitidamente tem semelhanças com o próprio ator, pois que é fácil descambar para a caricatura nesta situação. Filme para ser visto e revisto e talvez ele é que deveria ter recebido o prêmio de melhor filme em 2009 (embora eu também tenha gostado muito de “Benjamim Button”). Merecidamente, recebeu o Leão de Ouro no Festival de Veneza do ano passado.
Nota: 10,0.

...E Deus Criou a Mulher – Filme que catapultou a sensualíssima e linda Brigitte Bardot ao estrelato. Com apenas 22 anos na ocasião,o diretor (e seu marido) Roger Vadim a transformou num símbolo sexual atemporal, adquirindo um status semelhante a Marilyn Monroe, numa das maiores “histórias de corno” já filmadas, no melhor estilo Santelmo (lembram do personagem de Chico Anysio?). Ela faz o papel de Julliette, uma órfã de 18 anos que se envolve com dois irmãos. Ela é apaixonada pelo mais velho, Antoine (Christian Marquand), mas se casa com Michell (Jean-Louis Trintignant), gerando um triângulo amoroso fadado à tragédia. Aliás, um quadrilátero, já que o empresário Eric Carradine (Curd Jürgens) também é apaixonado por Julliette. Brigitte faz o papel de uma personagem que é uma verdadeira força da natureza. Ressalte-se que, até para os padrões de hoje, não dá para classificar o filme como “recatado” (para se ter uma ideia, na primeira sequência do filme ela aparece nua). Dá para entender então o furor que causou à época do seu lançamento (em 1956). O visual de Bardot no longa iria influenciar, inclusive, a moda feminina que se seguiu e até hoje continua inspirando a indústria e fazendo a cabeça de muita mulher por aí. A seqüência de Julliette dançando mambo, descalça, já ao fim do longa, é memorável (e capaz de levantar até defunto)!
Nota: 8,5.



Tarde Demais Para Esquecer – Já este aqui é uma das grandes histórias “de mulherzinha” da história do cinema. Um clássico com os astros Cary Grant e Deborah Kerr que serviu de inspiração para milhares de comédias românticas posteriores (a mais notável delas, “Sintonia de Amor”). Na realidade, trata-se de uma refilmagem de “Duas Vidas”, filme de 1939 dirigido pelo mesmo diretor, Leo McCarey, mas com muito mais charme na segunda oportunidade. Nickie Ferrante e Terry McKay, ele um playboy e ela uma ex-cantora, se encontram e se apaixonam em um cruzeiro. Entretanto, ambos estão noivos. Apesar disso, combinam um encontro no alto do Empire State Building para dali a 6 meses, tempo suficiente para terem certeza de seus sentimentos e acabarem com seus respectivos compromissos. Entretanto, um acidente coloca em risco o encontro e a felicidade do casal. Sofrido e choroso, mas sem jamais descambar para o pieguismo barato, esse é um daqueles filmes para se ver de preferência bem acompanhado (a). Mas mesmo sozinho vai funcionar. Seu romantismo assumido, pontuado pela memorável canção indicada ao Oscar “A Love Affair To Remember”, é muito bem vindo nestes tempos cínicos em que vivemos. Como demérito, apenas alguns números musicais com crianças bonitinhas, mas que ficam bem deslocados na trama, fazendo perder o ritmo do romance. Meninas, preparem os lenços...
Nota: 9,5.

Em breve, postarei mais comentários sobre os filmes das férias. Aguardem!

Woody Allen no Brasil - Mais um capítulo

Mais uma parcial do possível filme de Woody Allen no Brasil. Ao que parece, está praticamente confirmado. Os produtores Stephen Tenenbaum e Letty Aronson, que já vinham considerando a possibilidade de trazer uma produção de Woody Allen ao país há dois anos, viajarão dia 3 de outubro a São Paulo para estudar locações e, dois dias depois, viajam ao Rio de Janeiro - onde possivelmente Allen rodará o longa-metragem em 2011. A coprodução do longa está sendo disputada entre a O2 (de Fernando Meirelles) e a Conspiração Filmes. É possível que ambas participem.

Especula-se ainda que Alice Braga, sua tia Sônia Braga e Rodrigo Santoro podem ter papeis no longa, mas a verdade é que esses são os nomes brasileiros mais conhecidos em Hollywood e os primeiros a serem lembrados em projetos como esse. Também acho demais 3 brazucas no elenco (basta lembrar que em "Vicky Cristina Barcelona" tivemos 2 nomes da Espanha). Nada está confirmado até o momento.

Festival do Rio 2009

Começa amanhã, 24/09, o 11º Festival de Cinema do Rio, a maior profusão de filmes de uma vez só exibida anualmente no país. O longa que abrirá o evento este ano será "Aconteceu Em Woodstock", o mais novo trabalho de Ang Lee. Entre os maiores destaques, há ainda "Bastardos Inglórios", novo de Tarantino (o qual inclusive já confirmou presença no evento); "O Desinformante", de Steven Soderbergh, com Matt Damon no papel principal (recentemente exibido em Veneza); "Doce Perfume", o mais novo longa do lendário Andrzej Wajda, além de "Abraços Partidos", de Pedro Almodóvar. Ao todo, serão mais de 3oo filmes, de 60 países, exibidos em 40 locais diferentes da Cidade Maravilhosa. A programação completa pode ser conferida no site do Festival. A lista dos filmes que serão exibidos segue abaixo (é muita coisa mesmo...).

Panorama do Cinema Mundial

London River, de Rachid Bouchareb (França)
Corações em Conflito (Mammoth), de Lukas Moodysson (Suécia)
Ricky, de François Ozon (França)
Doce Perfume (Tatarak), de Andrzej Wajda (Polônia)
It Might Get Loud, de Davis Guggenheim (Estados Unidos)
Singularidades de Uma Rapariga Loura, de Manoel de Oliveira (Portugal)
Barba Azul (Barbe Bleue), de Catherine Breillat (França)
A Doutrina de Choque (The Shock Doctrine), de Michael Winterbottom, Mat Whitecross (Reino Unido)
The White Ribbon, de Michael Haneke (Alemanha)
A Casa Nucingen (La Maison Nucingen), de Raoul Ruiz (França)
35 Doses de Rum (35 Rhums), de Claire Denis (França)
O Maravilhoso Mundo Da Lavanderia (Die Wundersame Welt der Waschkraft), de Hans-Christian Schmid (Alemanha)
Mother (Madeo), de Bong Joon-ho (Coréia do Sul)
Amália, de Carlos Coelho da Silva (Portugal)
As praias de Agnes (Les Plages d'Agnès), de Agnès Varda (França)
Maradona (Maradona by Kusturica), de Emir Kusturica (Espanha)
Bastardos Inglórios (Inglourious Basterds), de Quentin Tarantino (EUA)
Abraços Partidos (Los Abrazos Rotos), de Pedro Almodóvar (Espanha)
Distante Nós Vamos (Away We Go), de Sam Mendes (EUA)
Coco Antes de Chanel (Coco Avant Chanel), de Anne Fontaine (França)
(500) Dias com ela ((500) Days of Summer), de Marc Webb (EUA)
Fais-moi Plaisir, de Emmanuel Mouret (França)
Les Herbes Folles, de Alain Resnais (França)
Aconteceu em Woodstock (Taking Woodstock), de Ang Lee (EUA)
Brilho de Uma Paixão (Bright Star), de Jane Campion (Reino Unido)
A Batalha dos 3 Reinos (Chi Bi), de John Woo (China)
O Desinformante! (The informant!), de Steven Soderbergh (EUA)
Nova York, Eu Te Amo (New York, I Love You), de Mira Nair, Fatih Akin, Yvan Attal, Allen Hughes, Shekhar Kapur, Shunji Iwai, Joshua Marston, Natalie Portman, Brett Ratner, Wen Jiang, Randall Balsmeyer (França)
Viagem aos Pireneus (Le Voyage aux Pyrénées), de Jean-Marie, Arnaud Larrieu (França)
Julie & Julia, de Nora Ephron (Estados Unidos)
Parada, de Marco Pontecorvo (Itália)
Che 2 - A Guerrilha (Che: Part Two), de Steven Soderbergh (Espanha)
Eterno feitiço (Forever Enthralled), de Chen Kaige (China)
The messenger, de Oren Moverman (EUA)
Pequeno soldado (Lille soldat), de Annette K. Olesen (Dinamarca)
Storm (Sturm), de Hans-Christian Schmid (Dinamarca/Alemanha)
John Rabe, de Florian Gallenberger (Alemanha/França)
An education (Na education), de Lone Scherfig (Reino Unido)
O dia da saia (Le journee de la Jupe), de Jean-Paul Lilienfeld (França/Bélgica)
Marching band, de Claude Miller (França)
Coco Channel & Igor Stravinsky, de Jan Kounen (França)
Ainda a caminhar (Aruitemo, aruitemo), de Hirokazu Kore-eda (Japão)
Doze jurados e uma sentença (12 razgnevannyh muzhchin), de Nikita Mikhalkov (Rússia)
24 city (Er shi si cheng ji), de Jia Zang-Ke (China)
Khamsa, de Karim Dridi (França)
Jericó (Jerichow), de Christian Petzold (Alemanha)
Five minutes of heaven, de Oliver Hirschbiegel (Reino Unido)
Erótica aventura (À l'aventure), de Jean-Claude Brisseau (França)
Tiro a cabeça (Tiro en la cabeza), de Jaime Rosales (Espanha/França)
Uma barragem contra o Pacífico (Un barrage contre lê pacifique), de Rithy Pahn (França)
Mamãe foi ao salão (Maman est chez le coiffeur), de Lea Pool (Canadá)
Lulu & Jimi, de Oskar Roehler (Alemanha)
Vegas: baseado em fatos reais (Vegas: based on a true story), de Amir Naderi (EUA)
The time that remains, Elia Suleiman (Palestina/França)
Politist, Adjectiv, de Corneliu Porumboiu (Romênia)
Whisky com vodka (Whisky mit vodka), de Andreas Dresen (Alemanha)
Aquário (Fish Tank), de Andrea Arnold (Reino Unido)
Vincere, de Marco Bellocchio (Itália/França)
Como desenhar um círculo perfeito, de Marco Martins (Portugal)
Distrito 9 (District 9), de Neill Blomkamp (África do Sul)
Sexo quiabo e manteiga com sal (Sexe gombo & beurre salé), de Mahamat Saleh Haroun (França)
Tokyo!, de Bong Joon-ho, Michel Gondry e Leos Carax (França/Japão/Alemanha/Coréia do Sul)
Hachiko: a dog's story, de Lasse Hallstrom (EUA)
Bad Lieutenant: Port of Call New Orleans, de Werner Herzog (EUA)
The burning plain, de Guillermo Arriaga (México/EUA)
Mia et le migou, de Jacques-Rémy Girerd (França/Itália)
Amor extremo (The edge of love), de John Maybury (Reino Unido)
Adam, de Max Mayer (EUA)
Embarque imediato, de Allan Fitterman (Brasil)
Partir, de Catherine Corsini (França)
3 mulheres (Seh zan), de Manijeh Hekmat (Irã)
City island, de Raymond De Felitta (EUA)
O corredor noturno (El corridor nocturno), de Gerardo Herrero (Espanha/Argentina)
Os vigaristas (The brothers Bloom), de Rian Johnson (EUA)
Flordelis - Basta uma palavra para mudar, de Marco Antonio Ferraz & Anderson Correa (Brasil)
White material, de Claire Denis (França)
Vida vertiginosa, de Luis Carlos Lacerda (Brasil)
A física da água (La fisica dell'ácqua), de Felice Farina (Itália)

Expectativa 2009

Só quero caminhar (Sólo Quiero Caminar), de Augustín Díaz Yanes (México)
A Procura da Paz (Pokoj v dusi), de Vladimir Balko (Eslováquia)
About Elly (Darbareye Elly), de Asghar Farhadi (Irã)
Altiplano, de Peter Brosens e Jessica Woodworth (Bélgica/Alemanha)
DongBei, DongBei - Uma Chinesa Do Norte (Dongbei), de Zou Peng (China)
Tandoori Love - Um Romance À Indiana (Tandoori Love), de Oliver Paulus (Suíça)
Seraphine, de Martin Provost (França)
Sem Você Não Sou Ninguém (Bergfest), de Florian Eichinger (Alemanha)
Amreeka, de Cherien Dabis (EUA/Kuwait)
A Terceira Parte Do Mundo (La Troisième Partie Du Monde), de Eric Forestier (França)
Porco Cego Quer Voar (Babi Buta Yang Ingin Terbang), de Edwin (Indonésia)
Águas Turvas (De Usynlige), de Erik Poppe (Noruega)
O Poder do Soul (Soul Power), de Jeffrey Levy-Hinte (Estados Unidos)
Piquenique (Pescuit Sportiv), de Adrian Sitaru (Romênia)
Shirley Adams, de Oliver Hermanus (África do Sul/EUA)
Tráfico de Almas (Cold Souls), de Sophie Barthes (EUA)
Trio de Damas & Hábitos Nupciais (Tris di Donne & Abiti Nuziali), de Vincenzo Terracciano (Itália)
Tulpan, de Sergey Dvortsevoy (Casaquistão)
Yang Yang, de Cheng Yu-Chieh (China)
Um Outro Homem (Un Autre Homme), de Lionel Baier (Suíça)
O Homem que Comeu as Cerejas (Mardi ke gilass hayash ra khord), de Payman Haghani (Irã)
Polytechnique, de Denis Villenueve (Canadá)
Jalainur (Zha Lai Nuo Er), de Zhao Ye (China)
Zion e Seu Irmão (Zion and his Brother), de Eran Merav (Israel/França)
Quelque chose a te dire, de Cécile Telerman (França)
Queridinho da Mamãe (Momma's Man), de Azazel Jacobs (EUA)
Katalin Varga, de Peter Strickland (Romênia/Reino Unido)
Machan, de Uberto Passolini (Itália/Sri Lanka)
O Amor Escondido (L'Amour Caché), de Alessandro Capone (Itália/Bélgica)
A Pequenina (La Pivellina), de Tizza Covi, Rainer Frimmel (Áustria)
Retorno a Hansala, de Chus Gutierrez (Espanha)
Nada Pessoal (Rien de Personnel), de Mathias Gokalp (França)
Uma Vida Nova Em Folha (Une Vie Toute Neuve), de Ounie Lecomte (França)
Eu Matei A Minha Mãe (J'ai tué ma mère), de Xavier Dolan (Canadá)
Jaffa, de Keren Yedaya (França)
O Dia Da Transa (Humpday), de Lynn Shelton (EUA)
Ramata, de Léandre-Alain Baker (Senegal)
O Pai Dos Meus Filhos (Le père de mes enfants), de Mia Hansen-Love (Alemanha)
Coco, de Gad Elmaleh (França)
A Siciliana Rebelde (La Siciliana Ribelle), de Marco Amenta (Itália)
27 Cenas sobre Jorgen Leth, de Amir Labaki (Brasil)

O Brasil do Outro

Rio Breaks, de Justin Mitchell (EUA)
Sergio, Um Brasileiro no Mundo, de Greg Barker (EUA)
Só Quando Eu Danço (Only When I Dance), de Beadie Finzi (Reino Unido)
O Areal, de Sebastian Sepulveda (Chile)
Dançando com o diabo (Dancing with the Devil), de Jon Blair (Reino Unido)
I Am Happy, de Soraya Umewaka (Japão)
Parajuru (Une semaine a Parajuru), de José Huerta (Brasil)
Os Gracies e o Nascimento do Vale Tudo (The Gracies and the Birth of Vale Tudo), de Victor Cesar Bota (Brasil)
Trópico da Saudade, Claude Lévi-Strauss e a Amazônia (Claude Lévi-Strauss, auprès de l'Amazonie), de Marcelo Fortaleza Flores (França)

Premiére Latina

A Próxima Estação (La próxima estación), de Fernando E. Solanas (Argentina)
O Segredo Dos Seus Olhos (El Secreto De Sus Ojos), de Juan José Campanella (Argentina)
Cinco dias sem Nora (Cinco Días sin Nora), de Mariana Chenillo (México)
Deuses (Dioses), de Josue Mendez (Peru)
A Criada (La Nana), de Sebastian Silva (Chile)
Histórias Extraordinárias (Historias extraordinarias), de Mariano Llinás (Argentina)
Arranca-me a Vida (Arráncame la vida), de Roberto Sneider (México)
Um Namorado para Minha Esposa (Un Novio Para Mi Mujer), de Juan Taratuto (Argentina)
As Viagens Do Vento (Los Viajes del Viento), de Ciro Guerra (Colômbia)
Navidad, de Sebastian Lelio (Chile)
Chuva (Lluvia), de Paula Hérnandez (Argentina)
Luisa, de Gonzalo Calzada (Argentina)
A Beleza Da Luta (Lo Bello de la Pelea), de John Urbano (EUA)
O presente de Pachamama (El Regalo de la Pachamama), de Toshifumi Matsushita (Japão)
Boogie (Boogie, El Aceitoso), de Gustavo Cova (Argentina) (animação)
Lake Tahoe, de Fernando Eimbcke (México)
O menino peixe (El niño pez), de Lucía Puenzo (Argentina/Espanha)
A sereia e o mergulhador (La sirena y el buzo), Mercedez Mocanda Rodríguez (México/Espanha)
Cornucópia (El Cuerno de la abundancia), de Juan Carlos Tabío (Espanha/Cuba)
Turistas, de Alicia Scherson (Chile)
Purgatório (Purgatorio), de Roberto Rochin (México)
O último verão de La Boyita (El último verano de la Boyita), de Julia Solomonoff (Argentina/Espanha)
Para quem você ligaria? (A quien Llamarias?), de Martin Viaggio (Argentina)

Isabelle Huppert

A Comédia do Poder (L'ivresse du pouvoir), de Claude Chabrol (França)
8 Mulheres (8 Femmes), de François Ozon (França)
Um amor tão fácil (La Dentellière), de Claude Goretta (França)
Mulheres diabólicas (La Cérémonie), de Claude Chabrol (França)
A Separação (La Séparation), de Christian Vincent (França)
Entre nós (Coup de foudre), de Diane Kurys (França)
A Lei De Quem Tem Poder (Coup de Torchon), de Bertrand Tavernier (França)

Jeanne Moreau - A Grande Dama do Cinema

Jeanne Moreau - Um Retrato Íntimo (Jeanne M. Côté Cour, Côté Coeur), de Josée Dayan, Pierre-André Boutang e Annie Chevallay (França)
Jeanne Moreau, conversas (Jeanne M. Conversations), de Josée Dayan (França)
Mais tarde, você vai entender... (Plus tard, tu comprendras...), de Amos Gitaï (França)
O Tempo Que Resta (Le Temps qui Reste), de François Ozon (França)

Imagens da Turquia

Mommo, de Atalay Tasdiken (Turquia)
O Mercado (Pazar - Bir ticaret masali), de Ben Hopkins (Turquia)
A Caixa de Pandora (Pandora'nin Kutusu), de Yesim Ustaoglu (Turquia)
Leite (Süt), de Semih Kaplano lu (Turquia)
Meu Raio De Sol (Hayat Va), de Reha Erdem (Turquia)
10 para as 11 (11' e 10 Kala), de Pelin Esmer (Turquia)

Mundo Gay

Ander, de Roberto Castón (Espanha)
O Fim do Amor (The End of Love), de Simon Chung (Hong Kong)
An Englishman in New York, de Richard Laxton (Reino Unido)
Árvores com Figos (Fig Trees), de John Greyson (Canadá)
Fantasma (Ghosted), de Monika Treut (Alemanha)
Os Tempos de Harvey Milk (The Times of Harvey Milk), de Rob Epstein (EUA)
Sinos Silenciosos (Wu Sheng Feng Ling), de Kit Hung (Suíça)
Morrer Como Um Homem, de João Pedro Rodrigues (Portugal)
Fúria (Outrage), de Kirby Dick (Estados Unidos)
Boy, de Auraeus Solito (Filipinas)
Homens, de Lucia Caus e Bertrand Lira (Brasil)
Depois de Tudo, de Rafael Saar (Brasil)

Midnight Movies

Human Zoo, de Rie Rasmussen (França)
Os Yes Men Consertam o Mundo (The Yes Men Fix the World), de Andy Bichlbaum, Mike Bonanno, Kurt Engfehr (EUA)
Sede de Sangue (Bak-Jwi), de Park Chan-wook (Coréia do Sul)
Vogue - A Edição De Setembro (The September Issue), de R.J. Cutler (EUA)
Big River Man, de John Maringouin (EUA)
Idoru, de João de Mendonça (Brasil/China)
Black Dynamite, de Scott Sanders (EUA)
Uma Moda Transgressora (Ein Traum In Erdbeerfolie), de Marco Wilms (Alemanha)
O Clone Volta Para Casa (Kuron Wa Kokyo Wo Mezasu), de Kanji Nakajima (Japão)
Tyson, de James Toback (EUA)
Hair India, de Raffaele Brunetti, Marco Leopardi (Itália)
A Town Called Panic (Panique au Village), de Stéphane Aubier, Vincent Patar (Bélgica)
Amargo (Amer), de Hélène Cattet, Bruno Forzani (Bélgica)
Em Busca do Paraíso (Heaven Wants Out), de Robert Feinberg (EUA)
Além do Jogo (Beyond the Game), de Jos de Putter (Holanda)
O Rei Da Fuga (Le roi de l?evasion), de Alain Guiraudie (França)
American Boy: o retrato de Steven Prince (American Boy: A Profile of Steven Prince), de Martin Scorsese (EUA)
American Prince, de Tommy Pallotta (EUA)
A Gruta, de Filipe Gontijo (Brasil)
When You're Strange, de Tom DiCillo (EUA)
Matadores de Vampiras Lésbicas (Lesbian Vampire Killers), de Phil Claydon (Reino Unido)
The Chaser (Choo Gyeok Ja), de Hong-jin Na (Coréia do Sul)

Dox

211: Anna, de Giovanna Massimetti, Paolo Serbandini (Itália)
Teto de vidro (The Glass House), de Hamid Rahmanian (Irã)
Nollywood Babilônia (Nollywood Babylon), de Ben Addelman, Samir Mallal (Canadá)
Os Sonhos Sobrevivem Ao Poder? (Le Pouvoir détruit-il le rêve?), de Jihan El-Tahri (Egito)
Amor, Sexo e Mobilete (Amour, sexe et mobylette), de Maria Silvia Bazzoli, Christian Lelong (França)
A China Continua Distante (China Is Still Far), de Malek Bensmail (França)
Rip: Um Manifesto Remixado (Rip: A remix manifesto), de Brett Gaylor (Canadá)
American Casino, de Leslie Cockburn (EUA)
Teatro de Guerra (Theater of War), de John Walter (EUA)
O Cerco Neoliberal (L'Encerclement - La démocratie dans les rets du néolibéralisme), de Richard Brouillette (Canadá)
Limites e Fronteiras

Por um instante, a liberdade (Pour un instant, la liberte), de Arash T. Riahi (França)
Rachel, de Simone Bitton (França)
A Madrugada do Mundo (L'aube du monde), de Abbas Fahdel (França)
Teza, de Haile Gerima (Etiópia)
A Batalha para o Tribunal (The Reckoning), de Pamela Yates (EUA)
Fixer: O Sequestro De Ajmal Naqshbandi (Fixer: The Taking of Ajmal Naqshbandi), de Ian Olds (EUA)
Lentes abertas: Iraque (Our emotions take the pictures: Open Shutters Iraq), de Maysoon Pachachi (Reino Unido)
O Menino e o Cavalo (The Horse Boy), de Michel Orion Scott (EUA)
Sussurros ao Vento (Sirta la gal ba), de Shahram Alidi (Iraque)
O Fogo Sob a Neve (Fire Under the Snow), de Makoto Sasa (EUA)
Estado de Emergência (Living in Emergency), de Mark N. Hopkins (EUA)
Playground (Playground / Playground), de Libby Spears (EUA)
Meio Ambiente

Pelo amor à água (Flow: For Love of Water), de Irena Salina (EUA)
Nossos filhos nos acusarão (Nos enfants nous accuseront), de Jean Paul Jaud (França)
Petróleo bruto (Crude), de Joe Berlinger (EUA)
Vamos Ganhar Dinheiro (Let's Make Money), de Erwin Wagenhofer (Áustria)
No Impact Man, de Laura Gabbert, Justin Schein (EUA)
Plastic Planet, de Werner Boote (Áustria)
Katanga Business, de Thierry Michel (França)
Roleta da fortuna (Good Fortune), de Landon Van Soest (EUA)

Mostra Geração

Quem tem medo do lobo? (Kdopak by se vlka Bál), de Maria Procházková (República Tcheca)
Eu Sei Que Você Sabe (I Know You Know), de Justin Kerrigan (Reino Unido)
O Lar Das Borboletas Escuras (Tummien Perhosten Koti), de Dome Karukoski (Finlândia)
Cadê meu irmão? (Mein Bruder ist ein Hund), de Peter Timm (Alemanha)
Somos Todos Diferentes (Taare Zameen Par), de Aamir Khan (Índia)
Valo, de Kaija Juurikkala (Finlândia)
As aventuras de Gui & Estopa, de Mariana Caltabiano (Brasil)

50 anos com Asterix

Asterix & Obelix: Operação Cleópatra (Astérix & Obélix: Mission Cléopâtre), de Alain Chabat (França)
Asterix & Obelix contra César (Astérix et Obélix contre César), de Claude Zidi (França)
Asterix nos Jogos Olímpicos (Astérix aux Jeux Olympiques), de Frédéric Forestier e Thomas Langmann (França)

Homenagem a ARTE

A Agenda (L'Emploi du temps), de Laurent Cantet (França)
A Criança (L'Enfant), de Jean-Pierre Dardenne e Luc Dardenne (Bélgica)
A Noiva Síria (La Fiancée syrienne), de Eran Riklis (Israel)
ABC Colômbia (ABC Colombia), de Enrica Colussu (Itália/França)
As Luzes de um Verão (Mua he chieu thang dung), de Anh Hung Tran (Vietnã)
Bem-vindo à Europa (Welcome Europa), de Bruno Ulmer (França)
Bom trabalho (Beau travail), de Claire Denis (França)
Carmel, de Amos Gitai (Israel)
Claude Lévi-Strauss por ele mesmo (Claude Lévi-Strauss par lui-même), de Pierre-André Boutang e Annie Chevallay (França)
Cuba, uma odisséia africana (Cuba, une odyssée africaine), de Jihan El Tahri (França)
Dançando no Escuro (Dancer in the Dark), de Lars von Trier (Dinamarca)
De volta à Normandia (Retour en Normandie), de Nicolas Philibert (França)
Elogio ao amor (Éloge de l'amour), de Jean-Luc Godard (França)
O Mundo segundo a Monsanto (Le Monde selon Monsanto), de Marie Monique Robinf (França/Canadá)
Salamandra, de Pablo Aguero (Argentina)
Venho de um avião que caiu nas Montanhas (Stranded: I've Come from a Plane That Crashed on the Mountains), de Gonzalo Arijon (França)

SELEÇÃO BRASILEIRA

Longas de Ficção - competição

Bellini e o Demônio, de Marcelo Galvão
Cabeça a Prêmio, de Marco Ricca
O Sol do Meio Dia, de Eliane Caffé
Histórias de Amor Duram Apenas 90 Minutos, de Paulo Halm
Hotel Atlântico, de Suzana Amaral
Natimorto, de Paulo Machline
O Amor Segundo B. Schianberg, de Beto Brant
Os Famosos e os Duendes da Morte, de Esmir Filho
Os Inquilinos, de Sérgio Bianchi
Sonhos Roubados, de Sandra Werneck
Viajo Porque Preciso, Volto Porque Te Amo, de Karim Aïnouz e Marcelo Gomes

Longas Documentários - competição

Belair, de Noa Bressane e Bruno Safadi
Dzi Croquettes, de Tatiana Issa e Raphael Alvarez
Penas Alternativas, de Lucas Margutti e Joao Valle
Reidy, A Construção da Utopia, de Ana Maria Magalhães
Sequestro, de Wolney Atalla
Tamboro, de Sergio Bernardes
Luto como Mãe, de Luiz Carlos Nascimento

Curtas - competição

25, de Vera Egito
A Ilha, de Ale Camargo
A Montanha Mágica, de Petrus Cariry
A Pensão dos Caranguejos, de Marcel Presotto
Ana Beatriz, de Clarissa Cardoso
Bom Dia, meu Nome é Sheila, de Ângelo Defanti
Doce Amargo, de Rafael Primot
Groelândia, de Rafael Figueiredo
O Coração às Vezes Para de Bater, de Maria Camargo
O Nome do Gato, de Pedro Ribeiro Coutinho
O Troco, de André Rolim
Olhos de Ressaca, de Petra Costa
Predileção, de Márcio Garcia
Quase todo Dia, de Gandja Monteiro
Sildenafil, de Clovis Mello
Um Dia de Sorte, de Beto Moreira

HORS CONCOURS

Longas de Ficção

Antes que o Mundo Acabe, de Ana Luiza Azevedo
Insolação, de Daniela Thomas e Felipe Hirsch
Olhos Azuis, de José Joffily
Longas Documentários

À Margem do Lixo, de Evaldo Mocarzel
Alô Alô Terezinha, de Nelson Hoineff
Cidadão Boilesen, de Chaim Litewski

Curtas
O Príncipe Encantado, de Sérgio Machado
O teu Sorriso, de Pedro Freire

MOSTRA NOVOS RUMOS - mostra criada especialmente para revelar jovens talentos
A Falta Que Nos Move, de Christiane Jatahy
Fluidos, de Alexandre Carvalho
Intruso, de Paulo Fontenelle
Inversão, de Edu Felistoque
Morgue Story - Sangue, Baiacu e Quadrinhos, de Paulo Biscaia Filho
O Paraíba, de Samir Abujamra
Sem Fio, de Tiaraju Aronovich
Vida de Balconista, de Cavi Borges e Pedro Monteiro

MOSTRA RETRATOS - sobre personalidades que se destacam na história do Brasil

A Raça Síntese de Joãosinho Trinta, de Paulo Machline e Giuliano Cedroni
B1 - Tenório em Pequim, de Felipe Braga e Eduardo Hunter Moura (sobre o judoca profissional Antonio Tenório, um dos poucos deficientes visuais no mundo a competir tanto em campeonatos paraolímpicos quanto regulares)
Caro Francis, de Nelson Hoineff (sobre o jornalista Paulo Francis)
Cildo, de Gustavo Moura (sobre o artista plástico Cildo Meireles)
Em Quadro, de Luiz Antonio Pilar (sobre os atores Milton Gonçalves, Zezé Mota, Ruth de Souza e Léa Garcia)
Notas Soltas sobre um Homem Só, de Carlos de Moura Ribeiro Mendes (sobre o maestro e compositor Camargo Guarnieri)
O Pequeno Burguês - Filosofia de Vida, de Edu Mansur (sobre Martinho da Vila)

MÚSICA - uma edição especial com quatro filmes sobre a música brasileira

Beyond Ipanema: Ondas Brasileiras na Música Global, de Guto Barra e Béco Dranoff.
Continuação, de Rodrigo Pinto (A intimidade da criação do compositor brasileiro Lenine)
Herbert de Perto, de Roberto Berliner e Pedro Bronz
Rock Brasileiro - História em Imagens, de Bernardo Palmeiro


Ufa! Conseguiu ler tudo? Eu não! ;=)

O representante brasileiro

Eu já deveria ter postado essa notícia desde sexta-feira, mas a verdade é que andei meio preguiçoso e com o tempo um tanto tomado nesses últimos dias. De qualquer forma, vai o registro. Conforme já noticiado até pelo Jornal Nacional, o longa brasileiro que tentará uma vaga entre os indicados ao Oscar de filme estrangeiro em 2010 é "Salve Geral", filme de Sérgio Rezende protagonizado por Andréa Beltrão que tem como enfoque o terror que o PCC provocou em São Paulo em maio de 2006. Mais um filme, portanto, com a temática da "violência social". Vamos esperar que dessa vez eles tenham acertado, pois foi uma piada a escolha de "Última Parada 174" no ano passado. O filme estreia dia 02 de outubro em circuito comercial. Os indicados ao Oscar serão divulgados no dia 02 de fevereiro e a entrega dos prêmios será no dia 07 de março de 2010.

Musas do Escurinho #9

Olhando assim essa foto discreta talvez você não perceba todo o potencial de Marisa Tomei, essa mulher que tem um corpaço. Veja "O Lutador" e comprove essa afirmação. Ah, e o filme é ótimo também!

Goiamum Audiovisual - Mostra Glauber

Pedro Fiúza, um dos coordenardores do Goaimum Audiovisual, esclareceu as datas da mostra Glauber Rocha. Os dias para cada longa do genial criador do Cinema Novo são os seguintes:

Barravento - 15.08.09
Ficção, longa-metragem, 35mm, preto e branco, 80 minutos, 1961
http://www.tempoglauber.com.br/f_barravento.html

Deus e o Diabo na Terra do Sol - 16.08.09
Ficção, longa-metragem, 35mm, preto e branco. 125 minutos, 1963
http://www.tempoglauber.com.br/f_deus.html

Terra em Transe - 17.08.09
Ficção, longa-metragem, 35mm, preto e branco, 115 minutos, 1967
http://www.tempoglauber.com.br/f_terra.html

O Dragão da Maldade Contra o Santo Guerreiro - 18.08.09
Ficção, longa-metragem, 35mm, colorido, 95 minutos, 1969
http://www.tempoglauber.com.br/f_dragao.html

Sempre às 19h, no auditório da Biblioteca Zila Mamede (UFRN).

Valeu pelo esclarecimento, Pedro! Um abraço e apareça sempre por aqui!

Patrick Swayze: 1952 - 2009

Faleceu ontem, 14/09/2009, o ator Patrick Swayze, protagonista de dois dos filmes mais queridos entre as mulheres: "Ghost" e "Dirty Dancing". O eterno galã foi vitimado por um câncer de pâncreas, contra o qual lutava há 20 meses, e morreu ao lado da família. Que Deus o receba em paz.

No link abaixo você pode conferir uma das performances mais famosas do bailarino Swayze:

Time Of My Life.