Jennifer Garner é, na realidade, o que de melhor há em "Minhas Adoráveis Ex-Namoradas", comédia romântica atualmente em cartaz no circuitão nacional.
quinta-feira, 18 de junho de 2009
terça-feira, 16 de junho de 2009
"Cidade de Deus" entre os 25 melhores da década
“Universalmente aclamado por sua honestidade visceral em descrever o crime organizado no Rio de Janeiro, o filme é o melhor tipo de obra de arte: aquela que vem de um talento não conhecido em um lugar improvável”.
É assim que a publicação americana "Paste" justificou a 4ª colocação de "Cidade de Deus" entre os 25 filmes essenciais da presente década produzidos fora dos Estados Unidos. O longa de Fernando Meirelles ficou à frente até mesmo de obras de queridinhos da crítica como Pedro Almodóvar e Wong Kar-Wai, perdendo apenas para "O Labirinto do Fauno" (de Guillermo Del Toro), "O Tigre e o Dragão" (Ang Lee) e "O Escafandro e a Borboleta" (de Julian Schnabel). No geral, como você pode conferir abaixo, a lista ficou bem boa (só acho bem discutível "Fale com Ela" na quinta colocação, mas...Fazer o que?).
1. “O Labirinto do Fauno”
2. “O Tigre e o Dragão”
3. “O Escafandro e a Borboleta”
4. “Cidade de Deus”
5. “Fale com ela”
6. “A Viagem de Chihiro”
7. “Amor À Flor da Pele”
8. “A Vida dos Outros”
9. “Amores Brutos"
10. “Caché”
11. “4 meses, 3 semanas e 2 dias”
12. “O Fabuloso Destino de Amélie Poulain”
13. “E Sua mãe Também”
14. “The Best of Youth”
15. “Ninguém Pode Saber”
16. “Entre os Muros da Escola”
17. “Yesterday”
18. “Paradise now”
19. “A Queda – As Últimas Horas de Hitler”
20. “Gomorra”
21. “Oldboy”
22. “Deixe Ela Entrar”
23. “Volver”
24. “Persépolis”
25. “Maria Cheia de Graça”
domingo, 14 de junho de 2009
O Exterminador do Futuro: A Salvação
Mais um blockbuster mais ou menos
Você já leu, ou por acaso já ouviu falar, de uma HQ dos X-Men chamada “Dias de Um Futuro Esquecido”? Não? Pois me deixe contar alguns detalhes da trama desse clássico do grupo mutante. Produto da fase espetacular da parceria entre Chris Claremont e John Byrne, a trama mostrava os mutantes, já envelhecidos, vivendo em um mundo dominado pelos sentinelas, super-robôs programados para caçar mutantes que terminaram por se rebelar e se colocar também contra a humanidade. Para tentar alterar o passado, mudando os acontecimentos que acabariam por levar o governo a reativar os sentinelas, a mente de Kitty Pride, já uma mulher madura, é transportada para a da jovem Kitty, ainda uma adolescente (numa dessas “viagens” típicas dos quadrinhos). A morte de um senador é então evitada e isso traz esperança de que o futuro possa ser melhor. A narrativa acima lhe parece familiar? A mim, sempre pareceu. Lembra muito a trama de um certo filme que se tornou cult nos anos 80, “O Exterminador do Futuro”, longa que acabou sendo responsável por catapultar Arnold Schwarzenegger ao estrelato. Imagino que James Cameron, seu diretor, um assumido fã de quadrinhos, deve ter se inspirado na famosa estória dos X-Men para realizar o filme, até porque a HQ foi escrita algum tempo antes do lançamento da produção.
Bem, a verdade é que “Terminator” acabou se tornando um marco tanto no quesito ação, quanto no gênero da ficção científica. E a sua continuação, lançada em 1991, acabou não apenas por se tornar o filme mais caro de todos os tempos até então, mas, principalmente, foi um enorme sucesso de público e crítica. No segundo episódio, Cameron depurou ainda mais a sua técnica, transformando a película em um dos melhores filmes de ação de todos os tempos. Aliás, arrisco a dizer que Cameron talvez seja o melhor diretor de cenas de ação na história, além de ter um faro pop quase infalível. Não é à toa que, anos mais tarde, ele viria a dirigir o maior sucesso comercial da história de Hollywood (“Titanic”, claro). Entretanto, o terceiro episódio da franquia (2003) acabou se tornando uma baita decepção para aqueles já acostumados ao virtuosismo de Cameron. Dirigido por Jonathan Mostow, o longa não apenas repetiu a fórmula do segundo filme (dois exterminadores lutando), como também deixou muito a desejar nas cenas de correria, sempre tremidas, com cortes abruptos, que muitas vezes faziam os espectadores não entenderem o que se passava na tela. A única lembrança mais forte do filme é a da robô-mulher correndo pelada pelas ruas...
Mas eis que agora surge este “O Exterminador do Futuro: A Salvação”, buscando recuperar o prestígio perdido dos robozões. Dirigido por McG (de “As Panteras” e “As Panteras Detonando”), o longa tem como ponto forte finalmente mostrar o tal mundo dominado pelas máquinas tão citado nas outras produções. Podemos, assim, ver no que a Terra se transformou, em imagens que emulam obras já clássicas como “Mad Max”. Ademais, McG parece ter se tornado um bom aluno de Cameron no quesito ação. Várias são as sequências memoráveis ao longo da projeção, com destaque especial para aquela onde surgem os motoexterminadores.
Seria tudo ótimo e perfeitinho não fosse o roteiro fraquejar em diversos momentos. Escrito por John Brancato e Michael Ferris (os mesmos do terceiro longa), a trama mostra John Connor (Christian Bale, cujo faniquito durante as filmagens virou hit no Youtube) já como um líder respeitado da “Resistência” (muito embora o filme não mostre o porquê disso). Ele está em busca do seu pai, Kyle Reese (Anton Yelchin), ainda um adolescente (pra quem não se lembra, Kyle é o membro da resistência que volta ao passado para proteger Sarah Connor, no primeiro longa, a acaba por se tornar o pai de John Connor), já que o mesmo está sendo perseguido pelas máquinas da Skynet. Ao mesmo tempo, vemos surgir um novo personagem, Marcus Wright (Sam Worthington, ótimo), um condenado à morte que é submetido a uma experiência em 2003 e acaba acordando em 2018, sem entender nada do que lhe aconteceu. Até aqui, nenhum grande problema. A mistura desanda no seu desenvolvimento. Os diálogos são ruins (como o péssimo texto do encontro entre Marcus e Kylle) e as relações entre os personagens são apressadas e mal desenvolvidas. Blair (Moon Bloodgood, bonita), a integrante da Resistência que encontra Marcus, se afeiçoa rápido demais pelo mesmo e trama, como mostrada, acaba dando mais enfoque ao personagem de Marcus do que ao de John Connor e, pelo menos dessa vez, Bale não teve culpa de seu desempenho acabar esmaecido pelo do coadjuvante. Além disso, como não poderia deixar de ser, tendo em vista a cronologia embolada da franquia (é bom dizer que não vi qualquer episódio da série “Sarah Connor Chronicles”), existem muitos elementos que não ficam claros e o filme, é bom de antemão falar, não é recomendado para quem não assistiu aos demais episódios. Talvez até isso explique porque ele não está indo muito bem nas bilheterias USA.
Com um final um tanto exagerado e descambando para o melodrama, McG , contudo, sabe como fisgar os fãs da série colocando referências bem encaixadas (estão lá a frase “I’ll be back” e a famosa trilha do Guns para “Terminator 2”) e, principalmente, como já dito acima, com ação e efeitos especiais eficientes (bem melhores que os de “Wolverine”). A verdade é que a atual safra de blockbusters está bem decepcionante, com longas apenas razoáveis, bem diferente da safra 2008, que teve filmes empolgantes como “Homem de Ferro” e, principalmente, “O Cavaleiro das Trevas”. Esperemos que a do próximo ano traga melhores frutos.
Ah, há uma participação especial do Arnoldão. Fique de olho.
Classificação: * * * (três estrelas)
Nota: 7,5
Você já leu, ou por acaso já ouviu falar, de uma HQ dos X-Men chamada “Dias de Um Futuro Esquecido”? Não? Pois me deixe contar alguns detalhes da trama desse clássico do grupo mutante. Produto da fase espetacular da parceria entre Chris Claremont e John Byrne, a trama mostrava os mutantes, já envelhecidos, vivendo em um mundo dominado pelos sentinelas, super-robôs programados para caçar mutantes que terminaram por se rebelar e se colocar também contra a humanidade. Para tentar alterar o passado, mudando os acontecimentos que acabariam por levar o governo a reativar os sentinelas, a mente de Kitty Pride, já uma mulher madura, é transportada para a da jovem Kitty, ainda uma adolescente (numa dessas “viagens” típicas dos quadrinhos). A morte de um senador é então evitada e isso traz esperança de que o futuro possa ser melhor. A narrativa acima lhe parece familiar? A mim, sempre pareceu. Lembra muito a trama de um certo filme que se tornou cult nos anos 80, “O Exterminador do Futuro”, longa que acabou sendo responsável por catapultar Arnold Schwarzenegger ao estrelato. Imagino que James Cameron, seu diretor, um assumido fã de quadrinhos, deve ter se inspirado na famosa estória dos X-Men para realizar o filme, até porque a HQ foi escrita algum tempo antes do lançamento da produção.
Bem, a verdade é que “Terminator” acabou se tornando um marco tanto no quesito ação, quanto no gênero da ficção científica. E a sua continuação, lançada em 1991, acabou não apenas por se tornar o filme mais caro de todos os tempos até então, mas, principalmente, foi um enorme sucesso de público e crítica. No segundo episódio, Cameron depurou ainda mais a sua técnica, transformando a película em um dos melhores filmes de ação de todos os tempos. Aliás, arrisco a dizer que Cameron talvez seja o melhor diretor de cenas de ação na história, além de ter um faro pop quase infalível. Não é à toa que, anos mais tarde, ele viria a dirigir o maior sucesso comercial da história de Hollywood (“Titanic”, claro). Entretanto, o terceiro episódio da franquia (2003) acabou se tornando uma baita decepção para aqueles já acostumados ao virtuosismo de Cameron. Dirigido por Jonathan Mostow, o longa não apenas repetiu a fórmula do segundo filme (dois exterminadores lutando), como também deixou muito a desejar nas cenas de correria, sempre tremidas, com cortes abruptos, que muitas vezes faziam os espectadores não entenderem o que se passava na tela. A única lembrança mais forte do filme é a da robô-mulher correndo pelada pelas ruas...
Mas eis que agora surge este “O Exterminador do Futuro: A Salvação”, buscando recuperar o prestígio perdido dos robozões. Dirigido por McG (de “As Panteras” e “As Panteras Detonando”), o longa tem como ponto forte finalmente mostrar o tal mundo dominado pelas máquinas tão citado nas outras produções. Podemos, assim, ver no que a Terra se transformou, em imagens que emulam obras já clássicas como “Mad Max”. Ademais, McG parece ter se tornado um bom aluno de Cameron no quesito ação. Várias são as sequências memoráveis ao longo da projeção, com destaque especial para aquela onde surgem os motoexterminadores.
Seria tudo ótimo e perfeitinho não fosse o roteiro fraquejar em diversos momentos. Escrito por John Brancato e Michael Ferris (os mesmos do terceiro longa), a trama mostra John Connor (Christian Bale, cujo faniquito durante as filmagens virou hit no Youtube) já como um líder respeitado da “Resistência” (muito embora o filme não mostre o porquê disso). Ele está em busca do seu pai, Kyle Reese (Anton Yelchin), ainda um adolescente (pra quem não se lembra, Kyle é o membro da resistência que volta ao passado para proteger Sarah Connor, no primeiro longa, a acaba por se tornar o pai de John Connor), já que o mesmo está sendo perseguido pelas máquinas da Skynet. Ao mesmo tempo, vemos surgir um novo personagem, Marcus Wright (Sam Worthington, ótimo), um condenado à morte que é submetido a uma experiência em 2003 e acaba acordando em 2018, sem entender nada do que lhe aconteceu. Até aqui, nenhum grande problema. A mistura desanda no seu desenvolvimento. Os diálogos são ruins (como o péssimo texto do encontro entre Marcus e Kylle) e as relações entre os personagens são apressadas e mal desenvolvidas. Blair (Moon Bloodgood, bonita), a integrante da Resistência que encontra Marcus, se afeiçoa rápido demais pelo mesmo e trama, como mostrada, acaba dando mais enfoque ao personagem de Marcus do que ao de John Connor e, pelo menos dessa vez, Bale não teve culpa de seu desempenho acabar esmaecido pelo do coadjuvante. Além disso, como não poderia deixar de ser, tendo em vista a cronologia embolada da franquia (é bom dizer que não vi qualquer episódio da série “Sarah Connor Chronicles”), existem muitos elementos que não ficam claros e o filme, é bom de antemão falar, não é recomendado para quem não assistiu aos demais episódios. Talvez até isso explique porque ele não está indo muito bem nas bilheterias USA.
Com um final um tanto exagerado e descambando para o melodrama, McG , contudo, sabe como fisgar os fãs da série colocando referências bem encaixadas (estão lá a frase “I’ll be back” e a famosa trilha do Guns para “Terminator 2”) e, principalmente, como já dito acima, com ação e efeitos especiais eficientes (bem melhores que os de “Wolverine”). A verdade é que a atual safra de blockbusters está bem decepcionante, com longas apenas razoáveis, bem diferente da safra 2008, que teve filmes empolgantes como “Homem de Ferro” e, principalmente, “O Cavaleiro das Trevas”. Esperemos que a do próximo ano traga melhores frutos.
Ah, há uma participação especial do Arnoldão. Fique de olho.
Classificação: * * * (três estrelas)
Nota: 7,5
sexta-feira, 12 de junho de 2009
Problemas no Micro
A ausência de posts nos últimos dias se deve à tecnologia. Meu micro resolveu dar piti (se bem que ele já vinha dando "sinais") esta semana e me impossibilitou de produzir qualquer coisa para este espaço. Prometo me esforçar para dar uma compensada nesta semana que vem. Pelo menos, agora, meu velho companheiro (já tem 3 anos) parece estar recuperado (parece...). Existe algo mais irritante que micro com problema?
domingo, 7 de junho de 2009
A Mulher Invisível
A mulher ideal pode ser visível
A comédia romântica é, historicamente, um gênero voltado para o público feminino. Normalmente são as namoradas, esposas, “amigas” ou ficantes (ou qualquer outra coisa mais moderna que exista) que convencem os marmanjos a irem ao cinema assistir a esse tipo de filme, costumeiramente repleto de clichês românticos e previsível no desenrolar do roteiro. Um lugar seguro para os produtores e diretores pouco corajosos que têm, nesse gênero, uma quase certeza de retorno do investimento feito. No Brasil não é diferente. A Globo Filmes rotineiramente tem jogado no circuito cinematográfico comercial longas nessa linha, com ainda maiores requintes de mediocridade, já que gosta de transformar filmes em episódios de suas séries televisivas. É a TV no circuitão, com o que ela tem de bom e de ruim (mais dessa última alternativa).
Pois bem, no meio desse quadro desesperançado da comédia romântica brasileira, eis que surge este “A Mulher Invisível”, longa-metragem que me chamou a atenção pela sua sinopse um tanto original (apesar de ser uma produção Globo Filmes). Eu, pelo menos, não lembro de nenhum outro filme que tenha tido como premissa o namoro de um homem com uma mulher perfeita: linda, deliciosa, que gosta de futebol (acompanha o campeonato até da 3ª divisão), faz a faxina da casa de lingerie e não tem ataques de ciúme com eventuais traições. Uma mulher ideal que se materializa, mas que só ele vê e ouve, pois ela não existe, ou melhor, só existe em sua mente. Essa premissa, por si só diferente, me levou ao cinema neste domingo. Meus instintos cinematográficos me diziam que talvez eu fosse gostar do que eu iria ver (não só pela presença da Luana Piovani, a tal mulher invisível). E acabei não me arrependendo da escolha.
Dirigido por Cláudio Torres (de “Redentor”) e protagonizado pelo maior astro do cinema nacional atual, Selton Mello, “A Mulher Invisível” consegue quebrar dois dos parâmetros que apontei acima. Como afirmado no parágrafo anterior, ele consegue fugir dos clichês do gênero e, em segundo lugar, apresenta um raro viés masculino na sua abordagem. A perspectiva mostrada é a de um homem traído a abandonado pela esposa (Maria Luíza Mendonça), que fica grávida de um gringo alemão e vai embora com ele. Até a amizade a que se dá maior enfoque é a masculina, num ótimo timing obtido entre Selton e Vladimir Brichta, que interpreta o melhor amigo, numa abordagem que não poupa as típicas conversas masculinas. Mas, calma garotas, o filme está longe de ser misógino. Pedro é, antes de tudo, um homem romântico, um apaixonado que parece não conseguir mais superar a sua desilusão. E é por isso que surge a mulher invisível. E, antes que comecem a pensar que a única personagem feminina relevante da trama é a Amanda da Luana Piovani, devo lhes dizer que há outra igualmente relevante, Vitória (interpretada pela ótima Maria Manoella), uma vizinha que sempre foi apaixonada por Pedro, mas que ele nunca enxergou.
O roteiro (escrito a oito mãos por Cláudio Torres, Adriana Falcão, Cláudio Paiva e Maria Luísa Mendonça) se desenvolve redondamente e todo o elenco está afiado. É bom até ressaltar que os coadjuvantes estão longe de ser aquelas figuras que existem apenas para ouvir os personagens principais. Todos eles acabam interferindo diretamente nos rumos da trama e são personagens muito bem desenvolvidos. Claro, Luana Piovani está ali para ser a gostosa, transpirando sensualidade por todos os poros, um deleite para os olhos, tendo uma atuação que lembra bastante as de Marilyn Monroe. Mas, se em alguns momentos sua beleza e sensualidade hipnotizam, é mesmo Selton Mello quem rouba a cena. Embora repetindo alguns tiques e facetas de atuações anteriores, Selton dá um verdadeiro show ao longo de toda a película. Vários são os momentos hilários ao longo da projeção e isso se deve, em muito, à sua atuação. É vendo Selton nesse filme que entendemos o porquê do mesmo ser considerado a grande estrela do cinema brasileiro na atualidade.
Mas tudo se mostra a contento no filme. Bem dirigido e editado, também é possível afirmar que este é um dos raros exemplares em que uma produção nacional soube usar adequadamente uma trilha sonora pop. Estão lá canções de Janis Joplin a Ramones (não vou dizer quais para não perder a graça) todas perfeitamente adequadas aos momentos em que são inseridas e elas tornam a experiência ainda mais divertida. Ademais, a fuga dos clichês se dá também na resolução do longa. São apresentados novos caminhos e é interessante como o diretor resistiu à tentação de cair na pieguice até mesmo na cena final. Registre-se que há um clima de sensualidade bastante agradável na película, sem ao mesmo tempo ser apelativo.
No fim, Cláudio Torres conseguiu realizar um filme que vai agradar tanto ao público masculino, quando ao feminino. Há ingredientes suficientes para agradar a todos e tudo isso sem apelar para a mesmice. Não que vá fazer história, nada disso. Mas é uma ótima diversão, que vai fazer os namorados saírem abraçados do cinema e provavelmente bem dispostos para uma noite “caliente”. Aliás, se você, rapaz, está procurando um programinha ameno, mas que pode render bons frutos, para levar aquela gatinha que aceitou sair com você, esta é uma boa opção. Quem sabe ela não pode ser a sua mulher ideal? E quem, sabe, menina, ele não pode ser o seu príncipe encantado? As maiores surpresas podem estar bem próximas de você.
Classificação: * * * * (4 estrelas)
Nota: 9,0.
Pois bem, no meio desse quadro desesperançado da comédia romântica brasileira, eis que surge este “A Mulher Invisível”, longa-metragem que me chamou a atenção pela sua sinopse um tanto original (apesar de ser uma produção Globo Filmes). Eu, pelo menos, não lembro de nenhum outro filme que tenha tido como premissa o namoro de um homem com uma mulher perfeita: linda, deliciosa, que gosta de futebol (acompanha o campeonato até da 3ª divisão), faz a faxina da casa de lingerie e não tem ataques de ciúme com eventuais traições. Uma mulher ideal que se materializa, mas que só ele vê e ouve, pois ela não existe, ou melhor, só existe em sua mente. Essa premissa, por si só diferente, me levou ao cinema neste domingo. Meus instintos cinematográficos me diziam que talvez eu fosse gostar do que eu iria ver (não só pela presença da Luana Piovani, a tal mulher invisível). E acabei não me arrependendo da escolha.
Dirigido por Cláudio Torres (de “Redentor”) e protagonizado pelo maior astro do cinema nacional atual, Selton Mello, “A Mulher Invisível” consegue quebrar dois dos parâmetros que apontei acima. Como afirmado no parágrafo anterior, ele consegue fugir dos clichês do gênero e, em segundo lugar, apresenta um raro viés masculino na sua abordagem. A perspectiva mostrada é a de um homem traído a abandonado pela esposa (Maria Luíza Mendonça), que fica grávida de um gringo alemão e vai embora com ele. Até a amizade a que se dá maior enfoque é a masculina, num ótimo timing obtido entre Selton e Vladimir Brichta, que interpreta o melhor amigo, numa abordagem que não poupa as típicas conversas masculinas. Mas, calma garotas, o filme está longe de ser misógino. Pedro é, antes de tudo, um homem romântico, um apaixonado que parece não conseguir mais superar a sua desilusão. E é por isso que surge a mulher invisível. E, antes que comecem a pensar que a única personagem feminina relevante da trama é a Amanda da Luana Piovani, devo lhes dizer que há outra igualmente relevante, Vitória (interpretada pela ótima Maria Manoella), uma vizinha que sempre foi apaixonada por Pedro, mas que ele nunca enxergou.
O roteiro (escrito a oito mãos por Cláudio Torres, Adriana Falcão, Cláudio Paiva e Maria Luísa Mendonça) se desenvolve redondamente e todo o elenco está afiado. É bom até ressaltar que os coadjuvantes estão longe de ser aquelas figuras que existem apenas para ouvir os personagens principais. Todos eles acabam interferindo diretamente nos rumos da trama e são personagens muito bem desenvolvidos. Claro, Luana Piovani está ali para ser a gostosa, transpirando sensualidade por todos os poros, um deleite para os olhos, tendo uma atuação que lembra bastante as de Marilyn Monroe. Mas, se em alguns momentos sua beleza e sensualidade hipnotizam, é mesmo Selton Mello quem rouba a cena. Embora repetindo alguns tiques e facetas de atuações anteriores, Selton dá um verdadeiro show ao longo de toda a película. Vários são os momentos hilários ao longo da projeção e isso se deve, em muito, à sua atuação. É vendo Selton nesse filme que entendemos o porquê do mesmo ser considerado a grande estrela do cinema brasileiro na atualidade.
Mas tudo se mostra a contento no filme. Bem dirigido e editado, também é possível afirmar que este é um dos raros exemplares em que uma produção nacional soube usar adequadamente uma trilha sonora pop. Estão lá canções de Janis Joplin a Ramones (não vou dizer quais para não perder a graça) todas perfeitamente adequadas aos momentos em que são inseridas e elas tornam a experiência ainda mais divertida. Ademais, a fuga dos clichês se dá também na resolução do longa. São apresentados novos caminhos e é interessante como o diretor resistiu à tentação de cair na pieguice até mesmo na cena final. Registre-se que há um clima de sensualidade bastante agradável na película, sem ao mesmo tempo ser apelativo.
No fim, Cláudio Torres conseguiu realizar um filme que vai agradar tanto ao público masculino, quando ao feminino. Há ingredientes suficientes para agradar a todos e tudo isso sem apelar para a mesmice. Não que vá fazer história, nada disso. Mas é uma ótima diversão, que vai fazer os namorados saírem abraçados do cinema e provavelmente bem dispostos para uma noite “caliente”. Aliás, se você, rapaz, está procurando um programinha ameno, mas que pode render bons frutos, para levar aquela gatinha que aceitou sair com você, esta é uma boa opção. Quem sabe ela não pode ser a sua mulher ideal? E quem, sabe, menina, ele não pode ser o seu príncipe encantado? As maiores surpresas podem estar bem próximas de você.
Classificação: * * * * (4 estrelas)
Nota: 9,0.
sábado, 6 de junho de 2009
Filmes Para Ver Antes de Morrer
Alfred Hitchcock: 7 Filmes Essenciais
Há algum tempo, eu estava na banca de DVDs de Ronaldo, lá na Av. Rio Branco, quando me deparei com o clássico “A Dama Oculta” por um preço bastante convidativo: apenas R$ 9,00. Pedi ajuda a um rapaz que trabalha na banca para pegar o DVD, pois que estava embaixo de vários outros e poderia acabar derrubando a pilha inteira caso fosse tentar sozinho. Ao ver o nome do diretor estampado em letras garrafais na caixa, o rapaz exclamou:
- Esse é um filme daquele Hitch... Hitchcock?
Eu disse:
- Sim, de Alfred Hitchcock. Um gênio!
- Já ouvi falar muito nos filmes dele. São muito bons, né?
- São excelentes! Sempre que tiver oportunidade, assista a um filme dele.
- É, né? Obrigado pela dica!
- De nada!
Esse breve diálogo serve para exemplificar o tamanho da fama e popularidade atingida por Alfred Hitchcock, o lendário diretor que praticamente criou o gênero do suspense. Ídolo de vários outros grandes cineastas (o exemplo clássico é o de François Truffaut), a simples presença do seu nome nos créditos de um filme já desperta curiosidade e mesmo familiaridade até mesmo entre aqueles que nunca viram um dos seus longas, até mesmo entre pessoas pouco habituadas com a freqüentar sala escura ou mesmo a assistir a filmes em casa. Mesmo após quase 30 anos de seu falecimento, em 1980, seu nome continua lembrado, rivalizando em popularidade com Steven Spielberg. Dono de um estilo inconfundível, primando por uma narrativa eminentemente visual, Hitchcock também é responsável por uma obra prolífica, que resultou em mais de 50 longas apenas para o cinema (é bom lembrar que ele também realizou filmes para TV, além de dirigir uma série televisiva).
Pensando nessa quantidade absurda de longas, resolvi elaborar uma lista de 7 filmes essenciais deste diretor também essencial. Não sei afirmar se são os melhores, realmente, vez que também ainda não consegui, até hoje, assistir a todos os seu filmes (muito embora alguns desta lista sejam indiscutíveis obras-primas, com toda certeza). De qualquer forma, serve como um norte para aqueles que quiserem iniciar sua apreciação da obra do grande mestre. Vamos a eles então (a lista não tem ordem de preferência).
- Psicose – Verdadeiro marco na história do cinema, “Psicose” é um daqueles filmes que despertam lembranças mesmo em quem nunca o viu. Afinal, quem nunca assistiu pelo menos uma vez na vida à famosa seqüência do assassinato no chuveiro (para a qual foram necessárias mais de 70 posições de câmera e 7 dias de filmagem)? Ou sequer tenha escutado a famosa trilha sonora com os estridentes violinos de Bernard Herrmann (um dos maiores compositores de trilhas em todos os tempos)? O interessante é que “Psycho” foi recebido de forma um tanto fria pela crítica da época (provando que muitas vezes os críticos erram feio em suas avaliações). Por outro lado, foi um gigantesco sucesso de público, o qual se apinhava em filas que dobravam quarteirões para assistir a uma sessão. A história do assassino Norman Bates tornou-se parte do inconsciente coletivo mundial deste então, marcando irremediavelmente a carreira de Anthony Perkins, que jamais conseguiu se livrar da sombra do personagem. Alerta: fique sempre com esse aqui e fuja das continuações e mesmo do remake inútil do Gus Van Sant. Quem avisa amigo é.
- Janela Indiscreta – Outro marco da carreira do diretor, “Rear Window” traduz em imagens aquele lado voyeur que todos nós temos ao narrar os dias ociosos de um fotógrafo que tem a sua perna quebrada e mata o tempo observando a vida alheia em seu condomínio. Um belo dia, ele começa a desconfiar que um de seus vizinhos matou a esposa e a enterrou no pátio do edifício e busca solucionar o mistério com a ajuda de sua amiga/namorada linda e loira, além de sua enfermeira. Com magnífica interpretação de James Stewart e a presença estonteante de Grace Kelly (a sua primeira cena no filme é de uma beleza impactante), o filme não só trata do voyeurismo, mas também, como de hábito nos filmes de Hitchcock, das tensões e jogos sexuais homem-mulher. Só não dá pra entender como o personagem de Stewart consegue se manter frio diante de Grace Kelly e ficar mais interessado em observar o que acontece nas janelas alheias. Esse cara é louco ou é gay?
- Um corpo Que Cai – Filme genial de atmosfera estranha e assombrada, onde Hitchcock trabalha abertamente com elementos sobrenaturais. Nele, vemos o personagem de um ex-policial (mais uma vez James Stewart), que deixou a carreira por não ter conseguido salvar um colega devido à sua fobia de altura (daí o título original, “Vertigo”), tornar-se detetive particular e ser contratado por um amigo para investigar sua esposa (Kim Novak, representando a loira gélida, uma das famosas obsessões do diretor). Após a morte desta, que se suicida se jogando de um campanário, o detetive acaba encontrando uma outra mulher, sósia da falecida, a qual ele tenta transformar aos poucos em uma verdadeira reencarnação da anterior. Cheio de imagens que beiram o surrealismo e com uma trilha sonora inspirada e adequadamente sombria de Bernard Herrmann, “Vertigo” é uma obra que cresce em sua mente à medida que o tempo passa, até mesmo porque seu desfecho não é exatamente claro. Para ver e rever.
- Os Pássaros – Talvez a obra de Hitchcock que mais se aproxime de um autêntico filme de terror, ao lado do mencionado “Psicose”. Sem qualquer explicação, milhares de pássaros passam a atacar e matar os moradores da pequena cidade litorânea de “Bodega Bay”. Protagonizado pela ex-modelo Tippi Hendren, escolhida a dedo pelo diretor, este é dos longas mais enigmáticos do mestre. Muitos acreditam que seja uma manifestação de misoginia do mesmo, uma vez que “birds” também é uma gíria para mulheres em inglês. A irritação de Hitchcock talvez viesse da aposentadoria precoce de Grace Kelly, sua atriz favorita e amor inconfesso, que deixou a carreira para se tornar princesa de Mônaco. Também possui o final mais aberto de toda a sua longa carreira (o que pode deixar alguns insatisfeitos). Depois de assistir a esse filme, talvez você nunca mais veja os pássaros, estes animais tão belos e puros, da mesma forma.
- O Homem Que Sabia Demais (versão de 1956) – Refilmagem que o próprio diretor realizou de um de seus filmes ainda da fase inglesa, e que mostra o quanto ele aprimorou sua técnica narrativa e imagética. Considero este seu melhor filme sobre um tema recorrente em sua carreira, o do homem errado, aquele que é acusado/perseguido por ser confundido com outra pessoa ou que se envolve involuntariamente em tramas povoadas por reviravoltas e peripécias. É ainda melhor que “Intriga Internacional”, com o Cary Grant, que costuma ser mais reverenciado pela crítica. Mais uma vez com Stewart como protagonista, o trama mostra um médico americano em férias no Marrocos com sua esposa (Doris Day) e filhos. Por acaso, ele acaba descobrindo uma trama de assassinato internacional e tem seu filho seqüestrado por um casal de agentes ingleses, que se passavam por turistas, numa forma de garantir que ele vai manter sua boca fechada. Tem uma das melhores sequências já filmadas pelo mestre, no Albert Hall, durante um concerto sob regência do próprio Bernard Herrmann. Empolgante, também nos presenteia com os talentos vocais de Doris Day.
- Frenesi – Mais um a abordar a mencionada temática do “homem errado”. Neste Hitchcock temporão (um dos últimos da carreira do diretor), Jon Fich é acusado de ser o “Assassino da Gravata”, serial killer que vem aterrorizando Londres estuprando e estrangulando mulheres com essa peça do vestuário masculino. O filme é repleto de humor negro, além de ser visualmente bastante explícito em sua violência, sendo os assassinatos mostrados em detalhes mórbidos. Há ainda uma subtrama pra lá de divertida, onde o inspetor de polícia encarregado do caso se vê às voltas com os terríveis jantares “gourmet” preparados por sua esposa que está fazendo um curso de culinária. Uma excelente retomada do tema abordado pelo cineasta em um dos seus primeiros filmes, “O Inquilino”.
- Disque M Para Matar – O primeiro filme de Hitchcock com Grace Kelly, então uma estrela em ascensão. Já comentei sobre ele neste blog. A narrativa aborda o plano de um marido para matar sua esposa adúltera e ficar com o dinheiro do seguro. O roteiro se desenvolve quase que por completo em um único ambiente, o apartamento do casal, mas é extremamente envolvente e divertido. Este esquema narrativo lembra bastante “Festim Diabólico”, longa anterior que se passa completamente no interior de um apartamento. Todavia, “Disque M” resulta mais eficiente e bem acabado. O filme é uma das primeiras experiências cinematográficas em 3D (é, a coisa é bem antiga mesmo).
Ah, e não esqueça de procurar pelas aparições do velho mestre em cada uma dessas películas. Bons hitchcocks para você!
sexta-feira, 5 de junho de 2009
RC 50 anos de Sucesso: Detalhes do Show em Natal
Pausa no cinema para a descrição deste show especial!
- Cheguei cedo ao Machadinho. O show estava previsto para as 21h, mas já estava lá pouco mais de 19:30h. Show de Roberto é sempre bom madrugar para garantir um lugar decente, pois chegar tarde é sinônimo de lugar ruim.
- A verdade é que o Rei atrasou bastante. O show só começou quase uma hora além do previsto. Ou seja, acabei esperando mais de duas horas pelo início. Mas não foi tão chato. Quase ao meu lado, um degrau mais abaixo, sentou uma gata de primeira linha. Eu até pedi para bater uma foto dela, mas ela, toda sem jeito, acabou dizendo que não, pois sempre sai “feia em fotos”. Eu acabei não insistindo, pois ela estava com a família (pais ao lado) e era melhor evitar situações constrangedoras (aliás, bastante comum famílias inteiras no show do Rei).
- Também foi possível ver que até os “sósias” de Roberto acabam tendo seus momentos de fama. Dois deles ficaram transitando entre as mesas e muita gente pedia para tirar fotos com os mesmos. A verdade é que pelo menos um era mesmo muito parecido com o ídolo, ao menos à distância (opa, “À Distância” é uma canção do disco de 1972).
- Depois de muita espera, as luzes se apagam e começam a ser mostradas nos telões imagens marcantes da trajetória cinquentenária do artista mais popular do país, tudo culminando com a execução daquela música que não falta em nenhuma de suas apresentações: “Emoções”.
- Em seguida, uma sucessão de clássicos como “Eu Te Amo, Te Amo, Te Amo”, “Além do Horizonte”, “Cavalgada” (com uma execução primorosa, é bom dizer) além, claro, daquela que ele considera sua melhor música: “Detalhes”. A cada canção, mostrava-se o ano de sua composição nos telões.
- Mas foi ótimo deparar com algumas surpresas, músicas que eu não imaginava que ele fosse cantar. Uma delas foi “Do fundo do meu coração”, precedida por uma declaração de Roberto em que ele admitiu ter composto essa música num momento de grande fossa. “Seria bom sempre cantar músicas de amores felizes, mas nem sempre é assim”, falou. Outra foi na seqüência de músicas da “Jovem Guarda”. Não esperava por “Quando” e, menos ainda, por “E Por Isso Estou Aqui”.
- Momento cômico: mulher sobe na grade que separa a arquibancada da quadra, já empolgada pelo álcool, e realiza um número à parte ao som de “Mulher Pequena”, a canção mais dispensável do show (creio que cantou por estar no Nordeste).
- Melhor momento: “Como È Grande o Meu Amor Por Você”. Aqui o coro se tornou ainda mais ensurdecedor. E são nesses momentos que você percebe a grandeza de um artista. Realmente emocionante!
- Frase do show: “A gente nunca sofre sozinho. Há sempre alguém que também sente a mesma dor”.
- No fim, a famosa distribuição de rosas ao som de “Jesus Cristo”. Para quem nunca foi a um show de Roberto, saiba que esse momento é editado nos shows mostrados na TV. As flores são distribuídas ao longo de uns 10 minutos. Quando você pensa que terminou, surge algum assistente com mais rosas ainda.
- Na saída, uma certeza: estarei lá novamente na próxima oportunidade! É, acho que talvez eu seja mesmo um romântico incorrigível... ;=)
- A verdade é que o Rei atrasou bastante. O show só começou quase uma hora além do previsto. Ou seja, acabei esperando mais de duas horas pelo início. Mas não foi tão chato. Quase ao meu lado, um degrau mais abaixo, sentou uma gata de primeira linha. Eu até pedi para bater uma foto dela, mas ela, toda sem jeito, acabou dizendo que não, pois sempre sai “feia em fotos”. Eu acabei não insistindo, pois ela estava com a família (pais ao lado) e era melhor evitar situações constrangedoras (aliás, bastante comum famílias inteiras no show do Rei).
- Também foi possível ver que até os “sósias” de Roberto acabam tendo seus momentos de fama. Dois deles ficaram transitando entre as mesas e muita gente pedia para tirar fotos com os mesmos. A verdade é que pelo menos um era mesmo muito parecido com o ídolo, ao menos à distância (opa, “À Distância” é uma canção do disco de 1972).
- Depois de muita espera, as luzes se apagam e começam a ser mostradas nos telões imagens marcantes da trajetória cinquentenária do artista mais popular do país, tudo culminando com a execução daquela música que não falta em nenhuma de suas apresentações: “Emoções”.
- Em seguida, uma sucessão de clássicos como “Eu Te Amo, Te Amo, Te Amo”, “Além do Horizonte”, “Cavalgada” (com uma execução primorosa, é bom dizer) além, claro, daquela que ele considera sua melhor música: “Detalhes”. A cada canção, mostrava-se o ano de sua composição nos telões.
- Mas foi ótimo deparar com algumas surpresas, músicas que eu não imaginava que ele fosse cantar. Uma delas foi “Do fundo do meu coração”, precedida por uma declaração de Roberto em que ele admitiu ter composto essa música num momento de grande fossa. “Seria bom sempre cantar músicas de amores felizes, mas nem sempre é assim”, falou. Outra foi na seqüência de músicas da “Jovem Guarda”. Não esperava por “Quando” e, menos ainda, por “E Por Isso Estou Aqui”.
- Momento cômico: mulher sobe na grade que separa a arquibancada da quadra, já empolgada pelo álcool, e realiza um número à parte ao som de “Mulher Pequena”, a canção mais dispensável do show (creio que cantou por estar no Nordeste).
- Melhor momento: “Como È Grande o Meu Amor Por Você”. Aqui o coro se tornou ainda mais ensurdecedor. E são nesses momentos que você percebe a grandeza de um artista. Realmente emocionante!
- Frase do show: “A gente nunca sofre sozinho. Há sempre alguém que também sente a mesma dor”.
- No fim, a famosa distribuição de rosas ao som de “Jesus Cristo”. Para quem nunca foi a um show de Roberto, saiba que esse momento é editado nos shows mostrados na TV. As flores são distribuídas ao longo de uns 10 minutos. Quando você pensa que terminou, surge algum assistente com mais rosas ainda.
- Na saída, uma certeza: estarei lá novamente na próxima oportunidade! É, acho que talvez eu seja mesmo um romântico incorrigível... ;=)
segunda-feira, 1 de junho de 2009
Trilha Sonora #3
Está chovendo bastante essa semana aqui em Natal o que, inevitavelmente, me fez lembrar deste clássico e inesquecível musical. A interpretação é do Jamie Cullum.
Jamie Cullum - Singin´ in the rain
sexta-feira, 29 de maio de 2009
O país do cinema mauricinho?
Cena de "E Se Eu Fosse Você 2", o maior sucesso do "cinema mauricinho"Alguém conhece Neville de Almeida? Não? Ele é o diretor brasileiro responsável por filmes como “A Dama do Lotação”, “Matou a Família e Foi Ao Cinema” e “Navalha na Carne, produtos típicos de um período em que o cinema nacional quase não era visto, sempre associado a roteiros pífios, produção capenga e erotismo fácil e apelativo. Pois bem, esta semana uma declaração do “cineasta” causou um certo burburinho no meio artístico brasileiro. Ela segue abaixo transcrita:
“O cinema que triunfou no Brasil é careta, não mostra nada, é um Cinema Mauricinho, que só se preocupa em agradar o público e tentar adivinhar o seu gosto. Esta é uma pretensão ridícula. São filmes bonitinhos, mas que não dizem nada, não mostram nada. E são totalmente feitos com o dinheiro do contribuinte, ninguém mais coloca a mão no bolso! Além disso, os cineastas que conseguem filmar são sempre os mesmos, um grupo de bem nascidos. Vivemos nas trevas da hipocrisia! Eu acho que hoje as novelas da televisão estão melhores que os filmes brasileiros!”.
Há uma parcela de verdade nas palavras de Neville. O cinema brasileiro está se mostrando bastante comercial após a chamada “retomada”, muito voltado para um público de classe média que não busca no cinema algo além de duas horas de entretenimento escapista. Não é à toa que o padrão Globo de se fazer filmes tem obtido enorme sucesso, vide o recente “E Se Eu Fosse Você 2”, o maior sucesso do cinema nacional no período após a citada “retomada”, superando até mesmo “Dois Filhos de Francisco” (longa que conseguiu aliar público e crítica). Isso talvez explique o fato de o Brasil ainda não ter atingido o nível de respeitabilidade que, por exemplo, o cinema argentino, eminentemente autoral, adquiriu ao redor do mundo. Os registros respeitados do cinema tupiniquim sempre se limitam a espasmos criativos pontuais, como aconteceu com “Cidade de Deus” e “Tropa de Elite” (este último vencedor do Urso de Ouro em Berlim). No mais, a produção nacional limita-se a querer reproduzir aqui um estilo Hollywood de se fazer cinema, tendo como capitães diretores como Daniel Filho.
Mas, se há uma parcela de verdade na afirmação, há duas parcelas de mentira nas palavras do diretor fanfarrão. O cinema brasileiro é financiado pelo contribuinte? Sim, mas isso acontece devido à quase completa ausência de investimentos privados em cultura no país. O empresariado brasileiro é, historicamente, tacanho e pouco ousado, sempre com atitudes que lembram em muito os antigos donatários das capitanias hereditárias. “Cultura não dá retorno”, esse é o pensamento corrente na iniciativa privada brasileira. Resultado: os cineastas, em boa parte, se veem atrelados ao sistema público de produção cultural, e não creio que isto se deva à vontade deles. Não é fácil enfrentar burocracia e não imagino alguém que, em sã consciência, preferisse encarar os trâmites administrativos a um direto patrocínio privado. Além disso, a dependência do dinheiro público não é uma exclusividade nossa. Boa parte da produção de países como França e Alemanha também necessita de ajuda do contribuinte para sair do papel. A diferença é que na França as pessoas valorizam a cultura e não veem o financiamento público como um mal (ao contrário do pensamento brasileiro, que sempre enxerga cultura como algo sem relevância).
E a afirmação de que as novelas brasileiras são melhores que os filmes soa, no mínimo, ridícula. Talvez ele só veja os filmes do Daniel Filho esqueça de apreciar obras como as do “mauricinho bem-nascido” Walter Salles...Mas o que esperar do diretor de “Navalha na Carne”?
“O cinema que triunfou no Brasil é careta, não mostra nada, é um Cinema Mauricinho, que só se preocupa em agradar o público e tentar adivinhar o seu gosto. Esta é uma pretensão ridícula. São filmes bonitinhos, mas que não dizem nada, não mostram nada. E são totalmente feitos com o dinheiro do contribuinte, ninguém mais coloca a mão no bolso! Além disso, os cineastas que conseguem filmar são sempre os mesmos, um grupo de bem nascidos. Vivemos nas trevas da hipocrisia! Eu acho que hoje as novelas da televisão estão melhores que os filmes brasileiros!”.
Há uma parcela de verdade nas palavras de Neville. O cinema brasileiro está se mostrando bastante comercial após a chamada “retomada”, muito voltado para um público de classe média que não busca no cinema algo além de duas horas de entretenimento escapista. Não é à toa que o padrão Globo de se fazer filmes tem obtido enorme sucesso, vide o recente “E Se Eu Fosse Você 2”, o maior sucesso do cinema nacional no período após a citada “retomada”, superando até mesmo “Dois Filhos de Francisco” (longa que conseguiu aliar público e crítica). Isso talvez explique o fato de o Brasil ainda não ter atingido o nível de respeitabilidade que, por exemplo, o cinema argentino, eminentemente autoral, adquiriu ao redor do mundo. Os registros respeitados do cinema tupiniquim sempre se limitam a espasmos criativos pontuais, como aconteceu com “Cidade de Deus” e “Tropa de Elite” (este último vencedor do Urso de Ouro em Berlim). No mais, a produção nacional limita-se a querer reproduzir aqui um estilo Hollywood de se fazer cinema, tendo como capitães diretores como Daniel Filho.
Mas, se há uma parcela de verdade na afirmação, há duas parcelas de mentira nas palavras do diretor fanfarrão. O cinema brasileiro é financiado pelo contribuinte? Sim, mas isso acontece devido à quase completa ausência de investimentos privados em cultura no país. O empresariado brasileiro é, historicamente, tacanho e pouco ousado, sempre com atitudes que lembram em muito os antigos donatários das capitanias hereditárias. “Cultura não dá retorno”, esse é o pensamento corrente na iniciativa privada brasileira. Resultado: os cineastas, em boa parte, se veem atrelados ao sistema público de produção cultural, e não creio que isto se deva à vontade deles. Não é fácil enfrentar burocracia e não imagino alguém que, em sã consciência, preferisse encarar os trâmites administrativos a um direto patrocínio privado. Além disso, a dependência do dinheiro público não é uma exclusividade nossa. Boa parte da produção de países como França e Alemanha também necessita de ajuda do contribuinte para sair do papel. A diferença é que na França as pessoas valorizam a cultura e não veem o financiamento público como um mal (ao contrário do pensamento brasileiro, que sempre enxerga cultura como algo sem relevância).
E a afirmação de que as novelas brasileiras são melhores que os filmes soa, no mínimo, ridícula. Talvez ele só veja os filmes do Daniel Filho esqueça de apreciar obras como as do “mauricinho bem-nascido” Walter Salles...Mas o que esperar do diretor de “Navalha na Carne”?
quinta-feira, 28 de maio de 2009
Musas do Escurinho #4
Megan Fox declarou recentemente ser bissexual, numa jogada de marketing dos novos tempos (parece que agora todas as mulheres são bi! Não que eu seja contra, muito pelo contrário, mas algumas devem estar forçando a barra, com certeza!). Mas... será que ela precisa mesmo de marketing?????!!!!!
domingo, 24 de maio de 2009
Cannes - Vencedores
Haneke recebe o abraço de Isabelle HuppertNão vou entrar no mérito se o filme de Michael Haneke merecia ou não o prêmio, mas a verdade é que a Palma de Ouro ficou com um forte gosto de marmelada (Isabelle Huppert é amiga de Haneke e participou do filme "A Professora de Piano"). Segue abaixo a lista de premiados:
Palma de Ouro de melhor filme - "Das Weisse Band" ("A Fita Branca", em tradução livre), de Michael Haneke (Áustria)
Grande Prêmio do Júri - "Un Prophète", de Jacques Audiard (França)
Prêmio de melhor direção - Brillante Mendoza (Filipinas), do filme "Kinatay"
Prêmio de melhor roteiro - Feng Mei, do filme "Spring Fever" (China)
Prêmio de melhor atriz - Charlotte Gainsbourg (França), por seu papel em "Anticristo", do dinamarquês Lars von Trier
Prêmio de melhor ator - Cristoph Waltz (Áustria), por seu papel em "Bastardos Inglórios", de Quentin Tarantino
Prêmio do júri - "Fish Tank", de Andrea Arnold (Reino Unido), e "Thirst", de Park Chan-Wook (Coreia do Sul)
Prêmio Especial do Festival de Cannes - Alain Resnais (França)
Palma de Ouro de melhor curta-metragem - "Arena", de João Salaviza (Portugal)
Menção especial (curta-metragem) - "The Six Dollar Ffty Man" (Nova Zelândia), de Mark Albiston e Louis Sutherland.
Prêmio do Júri Ecumêncico - "À Procura de Eric", de Ken Loach
Houve ainda um antiprêmio do júri ecumênico (inédito até aqui) para "Antichrist", de Lars Von Trier. Como disse o delegado geral do Festival, Thierry Fremaux, esse prêmio me soou um tanto ridículo e com uma boa pinta de censura.
sábado, 23 de maio de 2009
É, não deu...
Não deu para o brasileiro "À Deriva". O vencedor da mostra "Um Certo Olhar" foi "Dogtooth", filme do diretor grego Yorgos Lanthimos. O longa faz o estilo perturbado que marcou o Festival de 2009, mostrando o cotidiano de uma família pra lá de estranha, onde os três filhos são mantidos trancados em casa pelo pai repressor e a mãe omissa. A violência e o sexo também se fazem presentes neste filme (a exemplo de "Thirst" e "Antichrist", comentados mais abaixo).
O prêmio do júri foi para “Politist, Adjective”, do romeno Corneliu Porumboiu, que trata de um policial que lida com a burocracia e tenta defender seus princípios ao investigar o caso de adolescentes consumidores de drogas.
Foi bom mesmo eu ter ressaltado que na longa salva de palmas para “À Deriva” (5 minutos) havia muitos brasileiros presentes...
O prêmio do júri foi para “Politist, Adjective”, do romeno Corneliu Porumboiu, que trata de um policial que lida com a burocracia e tenta defender seus princípios ao investigar o caso de adolescentes consumidores de drogas.
Foi bom mesmo eu ter ressaltado que na longa salva de palmas para “À Deriva” (5 minutos) havia muitos brasileiros presentes...
quinta-feira, 21 de maio de 2009
Brasil-sil-sil!!!
Débora Bloch, Heitor Dhalia, Laura Neiva e Vincent Cassel posando para fotos em Cannes"À Deriva", o novo longa de Heitor Dhalia (de "O Cheiro do Ralo"), foi exibido hoje na mostra "Um Certo Olhar" em Cannes (não concorre à Palma de Ouro), sendo aplaudido ao longo de 5 minutos. Mas também é importante informar que havia muitos brasileiros na sala Debussy, lotada (entre eles, Grazi Massafera, namorada de Cauã Reymond, o qual faz parte do elenco). O filme trata dos primeiros contatos de uma adolescente (a estreante Laura Neiva, descoberta pela produção através do Orkut) com o mundo adulto ao descobrir, durante uma temporada de férias na praia, que seu pai (Vincent Cassel) trai sua mãe (Débora Bloch). “Obrigado a todos, estou muito feliz de estar aqui, porque adoro o Festival de Cannes”, discursou o diretor ao apresentar seu filme. Quem sabe o filme não leva o prêmio da mostra? Vamos torcer!
quarta-feira, 20 de maio de 2009
O dia de Tarantino
E hoje foi o tão agurdado dia da exibição de "Bastardos Inglórios" em Cannes, para a glória de seu diretor, Quentin Tarantino. O filme é, sem dúvida, o mais disputado por público e mídia no festival desse ano, tendo a direção do evento providenciado sessões extras, vez que os 2.300 lugares da sala Lumiére foram insuficientes. Uma velha história de amor entre o cineasta e o Festival que lhe premiou com a Palma de Ouro por "Pulp Fiction". E o filme? Bem, aplaudido com entusiasmo e, aparentemente, saudado pela crítica como sendo talvez sua melhor obra Acima, foto do diretor pop-cool ao lado do elenco estrelado do longa.
terça-feira, 19 de maio de 2009
Polêmica em Cannes
Imagem de "Thirst" do coreano Park Chan-WookO Festival de Cannes anda pegando fogo. Ao que parece, esta é a edição do evento com mais filmes cheios de potencial para estarrecer plateias e fazer os de estômago fraco saírem das salas.
A tendência já estava se fazendo presente com a exibição de "Thirst", o novo longa de Park Chan -Wook (o diretor de Oldboy), o qual invadiu a polêmica religiosa ao colocar uma padre católico sendo transformado em vampiro e tendo não apenas sua força física, mas também seu vigor sexual sendo ligados a amplificadores. Violência, sangue e sexo tranbordam da tela, em mais uma das loucuras do diretor coreano.
Passando ainda pelo filipino "Kinatay", com sua violência mundo-cão (que recebeu muitas vaias), parece que o clima de açougue macabro chegou ao ápice com a exibição de "Antichrist", o novo Lars Von Trier, que levou não apenas vários espectadores a deixarem a sala Debussy, mas também vários deles a passarem mal durante a sessão. Segundo assistentes e mesmo críticos presentes à exibição, Von Trier pareceu desejar, com esta sua nova obra, não apenas chocar, mas pôr na película todas as imagens que devem habitar seus piores pesadelos (é bom lembrar que o diretor saiu de uma depressão há, relativamente, pouco tempo). Com uma premissa por si só perturbadora, na qual um casal (interpretados por William Dafoe e Charllote Gainsbourg) enfrenta o luto e a culpa de terem perdido um filho enquanto faziam sexo no banheiro, o filme parece se desenrolar num crescendo de demência até atingir um clímax quase insuportável, talvez digno das sessões de cinema que devem ser exibidas no inferno.
Cena de "Antichrist", de Lars Von Trier
Em entrevista coletiva, Trier declarou, cheio de ironia, que “eu faço filmes para mim mesmo, sem pensar na platéia. Ah, sim, e eu sou o melhor diretor de cinema do mundo”, isso logo após um jornalista britânico ter exigido do diretor que explicasse o porquê da existência desse filme. Ao responder sobre a dedicatória a Andrey Tarkovsky (aparentemente cínica), disse que “posso afirmar de coração que a dedicatória a Tarkovsky é verdadeira. Minha vida mudou quando vi 'O Espelho' pela primeira vez, numa telinha de TV. Tarkovsky certamente é Deus, mesmo que ele não tenha gostado nada do meu primeiro filme que viu aqui em Cannes em 1983 ('The Element of Crime'). Mas, tudo bem, isso não me afeta, ele veio de uma geração anterior à minha”.
Lars Von Trier durante a entrevista coletiva
É, a polêmica anda solta na Croissette e olha que Tarantino ainda nem apresentou o seu "Bastardos Inglórios". Se bem que, pelo que andam comentando, o diretor de "Kill Bill" deve ficar para trás no quesito burburinho este ano.
Informação: "Antichrist" já tem distribuição garantida no Brasil.
Abaixo, o trailler de "Antichrist".
A tendência já estava se fazendo presente com a exibição de "Thirst", o novo longa de Park Chan -Wook (o diretor de Oldboy), o qual invadiu a polêmica religiosa ao colocar uma padre católico sendo transformado em vampiro e tendo não apenas sua força física, mas também seu vigor sexual sendo ligados a amplificadores. Violência, sangue e sexo tranbordam da tela, em mais uma das loucuras do diretor coreano.
Passando ainda pelo filipino "Kinatay", com sua violência mundo-cão (que recebeu muitas vaias), parece que o clima de açougue macabro chegou ao ápice com a exibição de "Antichrist", o novo Lars Von Trier, que levou não apenas vários espectadores a deixarem a sala Debussy, mas também vários deles a passarem mal durante a sessão. Segundo assistentes e mesmo críticos presentes à exibição, Von Trier pareceu desejar, com esta sua nova obra, não apenas chocar, mas pôr na película todas as imagens que devem habitar seus piores pesadelos (é bom lembrar que o diretor saiu de uma depressão há, relativamente, pouco tempo). Com uma premissa por si só perturbadora, na qual um casal (interpretados por William Dafoe e Charllote Gainsbourg) enfrenta o luto e a culpa de terem perdido um filho enquanto faziam sexo no banheiro, o filme parece se desenrolar num crescendo de demência até atingir um clímax quase insuportável, talvez digno das sessões de cinema que devem ser exibidas no inferno.
Cena de "Antichrist", de Lars Von Trier
Lars Von Trier durante a entrevista coletivaInformação: "Antichrist" já tem distribuição garantida no Brasil.
Abaixo, o trailler de "Antichrist".
domingo, 17 de maio de 2009
Alexandra
A guerra é mal-cheirosa
Nesses tempos de verão norte-americano, em que os blockbusters começam a se apinhar nas salas de cinema do mundo inteiro, costumo procurar alguma obra que fuja desse padrão. A tarefa muitas vezes se torna árdua, mas, com paciência e um pouco de informação, é possível se deparar com algumas pérolas até surpreendentes em uma cidade de salas escassas como Natal. Foi exatamente isso que aconteceu esta semana quando, ao verificar a programação das salas de cinema, constatei um tanto surpreso que o Moviecom Praia Shopping (e faço aqui a publicidade gratuita, pois iniciativas assim sempre são bem-vindas) iria exibir “Alexandra”, o mais recente produto do mestre russo Alexander Sokurov (de “Arca Russa”). Entre assistir a “Anjos e Demônios”, mais um da safra hollywoodiana de veraneio, e este exemplar de uma das melhores escolas de cinema do globo, embora pouco vista, não hesitei em optar pela segunda alternativa e passar por um processo para me livrar da intoxicação decorrente da excessiva exposição ao cinemão pipoca.
Assim, saiu o ritmo dos carros de F1 típico das películas USA e entraram os tempos lentos do cineasta russo. Algo que, para aqueles dopados pela frivolidade reinante nos nossos dias, deve soar chato e entediante. O filme também contrasta com a mania da juventude eterna da sociedade século XXI ao nos apresentar uma protagonista idosa, no mínimo septuagenária, que transita em uma base militar russa na Chechênia com seus passos titubeantes, sua dificuldade para se levantar de uma cadeira ou subir e descer degraus mais altos. O contraste entre a simpática, mas também ranzinza, velhinha Alexandra Nikolaevna (interpretada por Galina Vishnevskaya) em meio àquele campo de jovens soldados é uma das ideias mais peculiares do cinema recente. E Sokurov acentua ainda mais a situação através de close-ups alternados entre o rosto de Alexandra e dos militares, alguns deles recrutas com apenas 20 anos. Visitando o neto que é oficial do exército russo e não vê há 7 anos, a imagem de uma vovó naquele ambiente rústico, frio e mecânico é marcante , e o filme já valeria à pena somente por esse registro imagético.
Todavia, Sokurov não se limita a expor esse contraste. O seu longa também soa antagônico ao gênero “guerra” popularizado por Hollywood, a qual costuma glamourizar e espetacularizar as cenas de batalha, numa constante explosão de sangue pingando na tela, principalmente nesses tempos pós 30-minutos-iniciais-de- O Resgate do Soldado Ryan. Não que esta forma de mostrar a guerra não tenha seus méritos (o próprio “Ryan” é um bom filme), mas a fórmula já se tornou cansativa e meramente comercial, e esse costume de pensar que o público é uma eterna criança que quer sempre ver mais do mesmo irrita qualquer cidadão com um mínimo de bom senso. Assim, o diretor russo nos mostra que nem só de tiros e bombas vivem as guerras. A guerra pode ser algo mal-cheiroso, como o tanque em que Alexandra entra acompanhada de Denis, seu neto; ou pode ser algo rotineiro, como quando Denis narra como são levadas as roupas na base militar. Ou seja, um ofício repetitivo como qualquer outro, com a diferença apenas de que os solados deveriam receber um adicional de periculosidade pelo seu trabalho.
Mas Sokurov não para por aí. Ele parece querer nos mostrar que guerra também pode resultar em convívio. Em dado momento, Alexandra deixa a base para comprar mantimentos no mercado da cidade chechena vizinha. Lá não é vista como invasora, mas antes de tudo como uma visitante, muito embora tal atitude seja mais destacada entre os mais idosos. Os jovens chechenos parecem nutrir uma relação de desconfiança diante da “intrusa”, muito embora alguns não a rejeitem totalmente. Mas nada de discursos inflamados ou discussões acaloradas. A rejeição é mostrada por meio de silêncios, olhares atravessados ou palavras diretas, embora respeitosas, com quando um dos rapazes que a acompanha até a base questiona: “por que vocês de São Petersburgo não nos dão a liberdade?”. Questionamento simples, mas eficaz.
Com momentos simples, ternos e visualmente belos, como na cena em que o neto oficial militar faz uma trança nos longos cabelos da avó, “Alexandra” é uma ode ao cinema contido, distante da espetacularização comum dos multiplexes, ainda mais por termos sempre a sensação de que assistimos a gente de verdade na tela. Sokurov nos mostra que não precisamos ver mais filmes que nos mostrem o que já é por demais jogado em nossos olhos, todos os dias, pelas redes de televisão. Existem outras nuances, existem outros caminhos para o cinema neste tema. O diretor russo parece dizer que não é necessário mostrar corpos destroçados para dizer que a guerra fede. Retratar seres humanos carentes ou mecanizados pode ser uma dessas formas.
Cotação: * * * * (quatro estrelas)
Nota: 9,0
Assim, saiu o ritmo dos carros de F1 típico das películas USA e entraram os tempos lentos do cineasta russo. Algo que, para aqueles dopados pela frivolidade reinante nos nossos dias, deve soar chato e entediante. O filme também contrasta com a mania da juventude eterna da sociedade século XXI ao nos apresentar uma protagonista idosa, no mínimo septuagenária, que transita em uma base militar russa na Chechênia com seus passos titubeantes, sua dificuldade para se levantar de uma cadeira ou subir e descer degraus mais altos. O contraste entre a simpática, mas também ranzinza, velhinha Alexandra Nikolaevna (interpretada por Galina Vishnevskaya) em meio àquele campo de jovens soldados é uma das ideias mais peculiares do cinema recente. E Sokurov acentua ainda mais a situação através de close-ups alternados entre o rosto de Alexandra e dos militares, alguns deles recrutas com apenas 20 anos. Visitando o neto que é oficial do exército russo e não vê há 7 anos, a imagem de uma vovó naquele ambiente rústico, frio e mecânico é marcante , e o filme já valeria à pena somente por esse registro imagético.
Todavia, Sokurov não se limita a expor esse contraste. O seu longa também soa antagônico ao gênero “guerra” popularizado por Hollywood, a qual costuma glamourizar e espetacularizar as cenas de batalha, numa constante explosão de sangue pingando na tela, principalmente nesses tempos pós 30-minutos-iniciais-de- O Resgate do Soldado Ryan. Não que esta forma de mostrar a guerra não tenha seus méritos (o próprio “Ryan” é um bom filme), mas a fórmula já se tornou cansativa e meramente comercial, e esse costume de pensar que o público é uma eterna criança que quer sempre ver mais do mesmo irrita qualquer cidadão com um mínimo de bom senso. Assim, o diretor russo nos mostra que nem só de tiros e bombas vivem as guerras. A guerra pode ser algo mal-cheiroso, como o tanque em que Alexandra entra acompanhada de Denis, seu neto; ou pode ser algo rotineiro, como quando Denis narra como são levadas as roupas na base militar. Ou seja, um ofício repetitivo como qualquer outro, com a diferença apenas de que os solados deveriam receber um adicional de periculosidade pelo seu trabalho.
Mas Sokurov não para por aí. Ele parece querer nos mostrar que guerra também pode resultar em convívio. Em dado momento, Alexandra deixa a base para comprar mantimentos no mercado da cidade chechena vizinha. Lá não é vista como invasora, mas antes de tudo como uma visitante, muito embora tal atitude seja mais destacada entre os mais idosos. Os jovens chechenos parecem nutrir uma relação de desconfiança diante da “intrusa”, muito embora alguns não a rejeitem totalmente. Mas nada de discursos inflamados ou discussões acaloradas. A rejeição é mostrada por meio de silêncios, olhares atravessados ou palavras diretas, embora respeitosas, com quando um dos rapazes que a acompanha até a base questiona: “por que vocês de São Petersburgo não nos dão a liberdade?”. Questionamento simples, mas eficaz.
Com momentos simples, ternos e visualmente belos, como na cena em que o neto oficial militar faz uma trança nos longos cabelos da avó, “Alexandra” é uma ode ao cinema contido, distante da espetacularização comum dos multiplexes, ainda mais por termos sempre a sensação de que assistimos a gente de verdade na tela. Sokurov nos mostra que não precisamos ver mais filmes que nos mostrem o que já é por demais jogado em nossos olhos, todos os dias, pelas redes de televisão. Existem outras nuances, existem outros caminhos para o cinema neste tema. O diretor russo parece dizer que não é necessário mostrar corpos destroçados para dizer que a guerra fede. Retratar seres humanos carentes ou mecanizados pode ser uma dessas formas.
Cotação: * * * * (quatro estrelas)
Nota: 9,0
sábado, 16 de maio de 2009
Trilha Sonora #2
Na minha resenha para a nova versão de "Star Trek" reclamei da ausência do clássico tema composto por Jerry Goldsmith. Pois bem, para matar a saudade dos trekkers, aqui está a trilha icônica. E como essa ausência acaba sendo sentida no filme... Uma grande mancada de todos os envolvidos no projeto. Afinal, música é sempre uma bela forma de revigorar lembranças.Jerry Goldsmith - Star Trek The Motion Picture Main Title
sexta-feira, 15 de maio de 2009
As novas de Scorsese
Hoje, Martin Scorsese apareceu em Cannes para divulgar o trabalho da World Cinema Foundation, instituição que se dedica a preservar e restaurar obras cinematográficas ao redor do mundo. Scorsese é um daqueles artistas que, antes de serem cineastas, são cinéfilos de carteirinha (tal como François Truffaut) e, portanto, não é à toa que ele se dedique a restaurar importantes obras da história cinematográfica. David Lynch, em entrevista ao "Roda Viva" da TV Cultura, chegou a dizer: "só mesmo o Scorsese para conseguir ver tantos filmes enquantos dirige outros tantos". Na entrevista em Cannes, Scorsese falou que filmes de diversas nacionalidades influenciaram e ainda influenciam muito sua carreira.“Muitos me inspiram mesmo que não tenham a ver com meu estilo. Eu me inspiro inclusive a querer voltar para o set – eu prefiro a sala de montagem, porque o set é muito desgastante, é como se você tivesse exames finais a cada cinco minutos. Eles me alimentam espiritualmente”, mencionou na coletiva. Um dos filmes que atualmente estão sendo restaurados pela instituição é o brasileiro "Limite" (1931), de Mário Peixoto.Fã não apenas de cinema, mas também de música, o próximo trabalho do diretor de "Touro Indomável" para as telas será uma biografia de ninguém mais, ninguém menos que Frank Sinatra!Esse é para aguardar com muita expectativa.
quinta-feira, 14 de maio de 2009
Coppola em Cannes
E hoje foi exibido em Cannes a nova obra de ninguém menos que Francis Ford Coppola, sendo aplaudido de pé. "Tetro" é mais um exemplar do cinema independente e autoral que o cineasta vem desenvolvendo nos últimos anos (com pouca divulgação, por sinal) . "Filmes grandes têm de agradar a muita gente e acabam ficando estúpidos", disse ele em entrevista à imprensa. Exibido na "Quinzena dos Realizadores", mostra paralela à seleção oficial, o filme trata de um dos temas mais caros da carreira do cineasta: as relações familiares. Protagonizado por Vincent Gallo (ausente da coletiva de imprensa), a trama mostra um artista que busca distância de sua família, que também é de artistas, para realizar uma peça, até que seu irmão mais novo o procura em Buenos Aires. Alguns já afirmam que, tanto na estética (o filme é quase todo em p&b) quanto na abordagem do tema, o filme lembra bastante o seu "O Selvagem da Motocicleta". Bom lembrar que a família Coppola possui nuances similares às da família do longa. Também saudável recordar que Coppola recebeu duas Palma de Ouro em sua carreira de cineasta, uma por "A Conversação" e a segunda por "Apocalypse Now".quarta-feira, 13 de maio de 2009
Cannes - Abertura
E teve início nesta quarta-feira, 13 de maio, mais uma edição do mais badalado festival de cinema do mundo: Cannes.
E, "surpresa", a nova animação dos estúdios Pixar parece já estar arrebatando público e crítica. "Up" abriu hoje o festival e foi aplaudido em sua primeira exibição. Com um marketing estrondoso, no melhor estilo cinemão de Hollywood (como pode ser visto nas fotos que seguem), muitos estão apontando a presença do longa em Cannes como o impulso definitivo para a tecnologia 3D, a qual tem como maior pretensão resgatar uma parte do público que anda se distanciando das salas de cinema, resultado das telas grandes em casa e de versões domésticas dos filmes com qualidade cada vez mais surpreendente, como o Blu-Ray.
(crédito desta foto: Kléber Mendonça Filho)
Peter Docter, Charles Aznavour (que dubla o filme na versão francesa) e John Lasseter (produtor)A trama conta a estória de Carl Fredricksen, um senhor de 78 anos que acaba de perder sua esposa, Ellie, que não podia gerar filhos. Carl, então, procura realizar um antigo sonho compatilhado por sua falecida amada: fazer uma viagem às florestas da América do Sul. É assim que ele tem a ideia de amarrar sua casa a milhares de balões que a levarão até o almejado destino. Só que ele não sabe da presença do pequeno escoteiro Russel, de apenas 8 anos. A premissa parece mesmo tocante e a impressão está se confirmando pelo burburinho que já está correndo o mundo via internet. Aviso: antes que alguém venha mencionar a semelhança, Peter Docter, diretor de "Up" , esclareceu durante a entrevista coletiva que não teve conhecimento do caso do padre brasileiro que voou e desapareceu sustentado por balões. Docter, inclusive, esteve no Brasil para estudar algumas paisagens reproduzidas na animação.
Outro momento de destaque neste primeiro dia de festival foi a declaração de Isabelle Huppert, presidente do júri deste ano: “Não estamos aqui para julgar, estamos aqui para amar os filmes. É muito difícil expressar por que você ama algo, por que você foi tocado por algo, mas vamos tentar.” É por essas e outras que o meu grande sonho de cinéfilo não é um dia presenciar uma entrega do Oscar, mas poder participar do Festival de Cannes, o qual é, antes de tudo, uma declaração de amor às mais variadas formas de cinema.
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