Looper - Assassinos do Futuro

A primeira impressão é a que fica

Se fosse utilizar apenas um adjetivo para definir este “Looper – Assassinos do Futuro” com certeza seria “estranho”. Foi o que comentei com minha esposa aos sairmos da sessão no cinema, ainda meio atordoados por uma trama que mistura viagens no tempo com mutações genéticas que lembram os filmes dos X-Men e até mesmo “Akira”, a animação japonesa cult de Katsuhiro Otomo. No entanto, o adjetivo “estranho” merece ser visto aqui não como um demérito, mas antes como uma virtude do longa dirigido pelo pouco conhecido Rian Johnson. Tal como filmes como “Star Wars” ou “Matrix”, “Looper” tem o mérito de propor um universo ficcional com regras e nuances próprias, mesmo que, ao analisarmos mais detidamente, elas se mostrem como uma mistura de ideias já vistas em outros produtos pop.

A trama, meio confusa como normalmente sucede com longas sobre viagens no tempo, narra a vida de Joe (Joseph Gordon-Levitt), um “looper”, uma espécie de matador de aluguel encarregado de eliminar vítimas enviadas do futuro, devendo também se livrar dos seus corpos (tarefa fácil, já que o corpo é de alguém que nem existe no tempo em que se passa a narrativa). Os problemas começam quando o alvo enviado do futuro para execução é o próprio Joe algumas décadas mais velho (interpretado por Bruce Willis), o que irá gerar uma série de descontinuidades temporais bem ao estilo “De Volta Para o Futuro” (Back To The Future, 1985). Para tentar evitar o assassinato da sua esposa, o Joe “velho” vai tentar eliminar o futuro líder da máfia em questão, o qual parece ser um garoto com poderes mutantes telecinéticos descontrolados (acredito que semelhanças com “O Exterminador do Futuro” também não são mera coincidência).

O problema deste tipo de enredo é que, inevitavelmente, surgirão várias pontas soltas e seu final em aberto, denotando a intenção de construir uma franquia a partir deste, deixa a situação ainda pior. Mas não se pode negar que Johnson sabe conduzir seu material e o espectador, a partir de metade da projeção, já está totalmente envolvido pelo universo proposto, por mais estranho e absurdo que ele possa parecer (o que em geral acaba invariavelmente sucedendo com este subgênero de ficção científica). Jonhson consegue atribuir uma personalidade inesperada a um filme que poderia fracassar de maneira retumbante em mãos erradas ou apresentar apenas mais do mesmo. Além disso, o roteiro, escrito pelo próprio Rian Johnson, apresenta conotações sociais ao insistir constantemente na assertiva de que o caráter de um indivíduo em boa medida é moldado pelo meio onde ele vive. O próprio Joe se apresenta como vítima das circunstâncias, revelando um passado turbulento, comentado pelo mesmo ao longo da narrativa. Há ainda um clima de máfia japonesa no ar (mais uma referência), dadas a violência e crueldade com que agem os integrantes da máfia em questão.

Para a credibilidade do protagonista, por outro lado, contribui muito a participação decisiva de um ator de qualidade como Gordon-Levitt. Com mais uma boa atuação, Levitt chegou a usar próteses e uma competente maquiagem para ficar mais parecido com Bruce Willis, uma vez que ambos interpretam o mesmo personagem. Até as canasctrices de Willis são bem captadas por ele, numa perfeita simbiose que nos faz ter a sensação de realmente estarmos diante do mesmo personagem. Emily Blunt como Sara, mãe do garoto que passa a ser ponto central dos acontecimentos, também aparece com boa presença. Em outra vertente, a fotografia, com tons escuros, e a trilha sonora são outros fatores que ajudam a criar a tensão e o suspense, principalmente a partir da segunda metade da projeção.

Contudo, o que realmente compensa em “Looper”, a despeito de seu bom aparato técnico-artístico, é a sensação de estarmos vendo algo novo, mesmo que este “novo” aponte fortes referências de obras predecessoras. Ele não é baseado em livros ou HQs, não continuação, remake, prequel ou qualquer coisa que o valha. Trata-se de um filme em que um cineasta resolveu contar uma história que simplesmente lhe passou na cabeça e isso, diante da pouca inspiração do cinemão pipoca dos últimos anos, é um grande trunfo que nos faz olhar para ele com uma primeira impressão de simpatia. Dizem por aí que “a primeira impressão é a que fica”. E, ao menos com este que vos escreve, a primeira impressão de estar diante de uma agradável estranheza foi a que ficou.

Cotação:

Nota: 8,0

Filmes Para Ver Antes de Morrer

Cinebiografias: 7 filmes essenciais

Normalmente costumamos considerar as adaptações da vida de personalidades levadas às telas do cinema como inseridas no gênero “drama”, o que, em sua maior parte, não deixa de se colocar como um definição correta. Entretanto, tal como ocorre na literatura, acredito que as biografias no cinema formam um subgênero e que vem sendo muito explorado nos últimos anos. Basta lembrar que em breve teremos dois novos e aguardados filmes com figuras famosas: “Lincoln”, dirigido por Steven Spielberg e com Daniel Day-Lewis no papel do presidente norte-americano, e “Hitchcock”, com Anthony Hopkins no papel título. É bom até destacar que se trata de um subgênero adorado pelos atores, já que suas interpretações de papeis de personagens históricos costuma render prêmios e elogios da crítica e do público. Abaixo, o Cinema Com Pimenta listou 7 produções que têm como tema a vida de personalidades reais adaptadas para o cinema com competência e méritos artísticos, algo por vezes difícil, dada a complexidade da alma humana. Afinal, é fácil cair no erro de mostrar o biografado como “bonzinho” ou “malvado”. Bem, vamos aos filmes.

7) “2 Filhos de Francisco” (2005) – Quando vi pela primeira vez o poster deste filme, eu desdenhei completamente de seu potencial. “Um filme sobre a vida de Zezé di Camargo e Luciano? Deve ser péssimo...”. Mas que engano! O diretor Breno Silveira conseguiu a proeza de realizar um filme bastante popular sem apelar para o melodrama barato, com uma narração muito bem amarrada e ainda contando com ótimas atuações, desde os atores mirins até a excelente presença de Ângelo Antônio como o pai da dupla sertaneja, um homem de muita perseverança e com um otimismo que beira a maluquice. A verdade é que o filme é tão bom que passei até a simpatizar com os cantores depois dele. Agora, espero sempre um algo a mais dos longas de Silveira, o qual em breve estará com “Gonzaga – De Pai Para Filho” no circuito comercial;

6) O Aviador (The Aviator, 2004) – Muitos criticaram esta biografia do milionário Howard Hughes porque seu diretor, Martin Scorsese, teria fugido de suas características autorais para, com isso, conquistar os membros da Academia de Hollywood e levar o Oscar de melhor diretor para casa (naquela ocasião, ele ainda não havia sido premiado com o careca dourado). Considero esta visão bastante equivocada. Aqui, mais uma vez Scorsese aborda um personagem socialmente deslocado, como já havia feito em “Touro Indomável” (Raging Bull, 1980) e “Taxi Driver” (1976), solitário na sua visão de mundo e que busca ardorosamente uma aceitação. Em “O Aviador” a ironia se torna ainda maior por se tratar de um homem bem-sucedido, invejado e idolatrado por muitos, mas que vai aos poucos perdendo a sanidade devido à ausência de compreensão dos seus contemporâneos. Vale dizer que Leonardo DiCaprio está simplesmente ótimo no papel do biografado e que a produção é impecável na sua reconstituição de época, fotografia e edição (de Telma Schoomaker, colaboradora habitual de Scorsese). A cena final, com Hughes pronunciando obsessivamente a frase “o caminho do futuro”, é memorável e genial;

5) Piaf – Um Hino ao Amor (La Môme, 2007) – Já tive a oportunidade de resenhar este filme anteriormente e a verdade é que ele vai ficando melhor com o passar do tempo. Muito lembrado pela atuação espírita de Marion Cottilard (poucas vezes o Oscar foi tão inquestionável quanto aqui), o longa, entretanto, vai muito além de ser apenas um “filme de ator” (no caso, atriz). Extremamente bem dirigido por Olivier Dahan, ele impacta o espectador com a força da poderosa história de Edith Piaf, a voz mais famosa da França, a qual teve uma vida conturbada e cheia de lances tristes que mais pareceriam sair de um novela não fossem verdadeiros. Alguns apontaram que certas partes pouco honrosas de sua trajetória foram amenizadas no filme, o que provavelmente é verdade, mas, por outro lado, não se pode negar que o resultado final é capaz de emocionar o mais duro dos corações;

4) Amadeus (1984) – Auge da carreira de Milos Forman, que já havia mostrado sua excelência em “Um Estranho No Ninho” (One Flew Over The Cuckoo's Nest, 1975). A biografia de Wolfgang Amadeus Mozart ganhou contornos de pura arte que fizeram jus ao patamar artístico do músico. Claro que toda a história envolvendo Salieri (no filme interpretado por F. Murray Abraham), posto aqui como o estranho que assombrava Mozart no fim de sua vida, é pura suposição e romanceamento, mas,em termos artísticos, o resultado é simplesmente sensacional. Os oito Oscars levados pela produção foram muito merecidos e as gargalhadas histriônicas do Mozart de Tom Hulce são inesquecíveis;

3) Touro Indomável (Raging Bull, 1980) – Segundo filme de Scorsese na lista (sim, eu adoro Scorsese) e, talvez, o seu melhor trabalho. O longa mostra a vida do boxeador Jake La Motta, um homem bruto e incapaz de construir relacionamentos duradouros, ferindo até aqueles que mais ama. A interpretação de Robert De Niro, que lhe rendeu o prêmio da Academia de Hollywood como melhor ator, tornou-se lendária e muita gente que nem viu o filme sabe que ele engordou dezenas de quilos para interpretar o personagem na maturidade. Sua sequência inicial de créditos, ao som da "Cavalleria Rusticana", é algo sublime, assim como suas cenas de luta, com socos em close, tornaram-se uma verdadeira referência pop. Filme para ser visto e revisto;

2) O Homem-Elefante – (The Elephant Man, 1980) – Também já tratei deste filme em outra oportunidade. Uma obra pungente sobre a melancólica vida de John Merrick (no filme, interpretado por John Hurt, que perdeu o Oscar para Robert De Niro por “Touro Indomável), o tal “Homem Elefante” do título, um infeliz portador de uma doença rara que o deixa com uma aparência terrível. “Uma bela alma aprisionada em um corpo horrível”, nas palavras do seu diretor, o então pouco conhecido David Lynch. Às vezes é até difícil acreditar que tamanho sofrimento possa ter ocorrido de verdade. Contudo, Lynch jamais deixa-se levar pelo sentimentalismo barato, compondo uma película com tons expressionistas, mas ao mesmo tempo extremamente humanos. Filme a que todo ser humano deveria assistir pelo menos uma vez na vida;

1) Lawrence da Arábia (Lawrence Of Arabia, 1962) – Talvez seja esta a obra máxima de um mestre entre os mestres: David Lean (eu também amo “Dr. Jivago”, por isso o “talvez”). Megalomaníaca e genial ao mesmo tempo, a história do oficial britânico T. E. Lawrence, adaptada para o cinema a partir de seu livro “Os Sete Pilares da Sabedoria”, arrebata o espectador com sua grandiosidade, atuações perfeitas (Peter O'Toole merecia o Oscar) de um elenco estelar (ainda temos Anthony Quinn, Omar Sharif, Alec Guinness e até Claude Rains), fotografia soberba e qualquer outro adjetivo hiperbólico que você queira atribuir. Acredito até que David Lean vem sendo pouco valorizado pelas novas gerações de diretores, críticos e cinéfilos, algo que pode estar ocorrendo devido ao tempo diferente de suas obras, inadequadas ao ritmo veloz dos nossos dias, quando estamos cada vez mais impacientes. Um erro que precisa ser corrigido.

Eu Quero Esse Pôster #21

Há filmes que, antes mesmo de sua estreia no circuito, sabemos de antemão que serão candidatos a prêmios. Alguém tem dúvida que Sir Anthony Hopkins será indicado ao Oscar de melhor ator pela sua interpretação do mestre do suspense em "Hitchcock"? Não? Nem eu. O filme, dirigido por Sacha Gervasi, narra a produção de "Psicose" e tem estreia prevista para 23 de novembro nos EUA. Além de Hopkins, o longa ainda conta com nomes como Helen Mirren (no papel da esposa de Hitchcock) e Scarlett Johansson (fazendo Janet Leigh). Ah, e o poster acima já se tornou icônico!

Para Ver Em Um Dia de Chuva

Jogos Vorazes 

(The Hunger Games, 2012)

Ação cabeça

Exercício interessante poder avaliar um sucesso de bilheteria algum tempo depois do seu lançamento. É possível que, ao escrever sobre um filme logo quando da sua estreia nas salas de exibição, acabemos por nos deixar influenciar pelo “oba-oba”, seja por parte dos críticos ou mesmo do público. Claro que vendo o filme em video, podemos perder o impacto que uma obra pode causar na tela grande, ambiente mais adequado para uma apreciação cinematográfica, mas vê-lo longe de influências de opiniões na internet ou de amigos pode ser tão produtivo quanto. É o que aconteceu comigo ao assistir, após 6 meses de seu lançamento, este “Jogos Vorazes”, sucesso com Jennifer Lawrence, uma das novas queridinhas de Hollywood (merecidamente, é bom frisar).

Trata-se de mais uma franquia inaugurada no cinema, baseando-se na trilogia juvenil da escritora Suzanne Collins (que continua com os volumes “Em Chamas” e “A Esperança”) e que busca, obviamente, arrebatar mais um horda de fãs que sustentem suas prováveis continuações com muito lucro. Mas é importante destacar logo que “The Hunger Games” está longe de ser uma obra anencéfala, muito embora suas premissas não sejam exatamente originais. Alguns anos atrás, o conceito de jovens gladiadores que lutam entre si até a morte em um futuro próximo já havia sido sucesso no Japão com “Batalha Real”, livro de Koshun Takami posteriormente adaptado para mangá e cinema. Há ainda um certa pitada de “O Sobrevivente” (The Running Man ,1987), filme com Arnoldão então no auge de sua popularidade oitentista. É possível ainda apontar semelhanças com “1984”, de George Orwell, e “Admirável Mundo Novo”, escrito por Aldous Huxley. Entretanto, embora traga uma nítida influência destas obras predecessoras, é possível afirmar que “Jogos Vorazes” possui uma identidade própria que o distingue de livros e produções com temáticas semelhantes.

Nesta distopia dirigida por Gary Ross (um outro filme dele é “Seabiscuit – Alma de Herói”), temos uma América do Norte dividida em treze“regiões”, sendo elas a Capital e 12 distritos. Devido a uma revolução mal sucedida no passado, os doze distritos são obrigados anualmente a enviar dois jovens entre 12 e 18 anos (um homem e uma mulher) à Capital para a disputa de um reallity show macabro onde eles deverão se digladiar até restar apenas um vencedor. Katniss Everdeen (Lawrence), protagonista da trama, é a representante feminina do distrito 12. Ela se coloca como voluntária para livrar suas irmã menor do fardo, já que esta havia sido sorteada para a participação. Com ela irá também Peeta Mellark (Josh Hutcherson), um rapaz que parece nutrir por ela uma especial afeição, muito embora sua postura se apresente constantemente ambígua.

Talvez o ponto que mais salte aos olhos quando do início da narrativa é a semelhança que a personagem de Lawrence tem com seu outro papel em “Inverno da Alma” (Winter's Bone, 2010). Em ambos o casos, ela interpreta uma jovem forte que age de maneira corajosa a fim de proteger sua família. Uma heroína na defesa da mais forte e longeva das instituições sociais, portanto. Porém, se a abordagem de “Inverno da Alma” é mais intimista, aqui a história de Katniss serve como mote para reflexões acerca de controle social e espetáculo midiático, mormente a forma como este último serve à manutença do primeiro, agindo como um dos elementos importantes da ideologia que nos faz enxergar a realidade por meio de um “filtro” que nos deixe domesticados. É justamente esse status quo que será posto em xeque a partir das atitudes de Katniss, as quais acabam por levar os responsáveis pelos jogos a mudar suas regras. É inegável que o longa induz o espectador a vários questionamentos, principalmente ao aproveitar situações recorrentes nos reality shows do dia a dia, como as conhecidas associações momentâneas entre os concorrentes visando eliminar outros tantos oponentes.

Além de sua vertente questionadora, a película também impressiona por trazer a brutal violência entre adolescentes. Mesmo que não seja uma ideia exatamente original, como dito mais acima, ela não deixa de ser incômoda e o diretor Gary Ross se sai muito bem ao mostrar as agressões de maneira menos gráfica, mas sem que ela perca seu impacto. Para tanto, utilizou-se de uma edição elíptica que em outros filmes poderia ser vista como defeito, mas aqui se transforma em virtude. Ross também empreende à narrativa um ótimo ritmo, jamais tornando-se cansativa e que conta ainda com um elenco de peso. A escolha de Jennifer Lawrence para o papel foi perfeita. Ela é uma das jovens atrizes mais promissoras do cinema norte-americano atual, aliando à sua beleza um talento indiscutível. Impressionante como ela consegue nos fazer torcer por seu destino desde o início do filme. Josh Hutcherson também entrega boa atuação como o dúbio Peeta, emprestando veracidade a um personagem que nunca sabemos quais são suas verdadeiras intenções. Juntando-se a eles, ainda temos nomes como Woody Harrelson, Donald Shuterland e Stanley Tucci, todos com boa presença. O ponto fraco fica para presença de Lenny Kravitz como o figurinista Cinna, um do mentores de Katniss, personagem que merecia um intérprete melhor. Outros pontos negativos infelizmente ainda podem ser apontados. O desenrolar do roteiro (escrito pelo diretor Ross e Billy Ray juntamente com a própria autora dos livros ) por vezes se mostra previsível demais, sendo possível antecipar várias das suas ações. São muitas pistas que são deixadas e o espectador termina por antever muito do que está por vir. A película também possui uma trilha sonora esquecível, que nada contribui para o clima de tensão (mais marcante nos seus silêncios), além de uma caracterização um tanto infeliz para os moradores da Capital, normalmente com um visual bastante afetado., em alguns casos beirando o ridículo.

Por outro lado, é inegável que “Jogos Vorazes” é um filme que instiga e estimula o espectador à reflexão, tanto que mal sentimos seus 137 minutos passarem. Lembrando que o seu público é principalmente o jovem, uma franquia como esta se mostra muito bem-vinda, uma vez que possui um inegável viés político e contestador. Uma aventura cabeça que por vezes nos leva à impressão de ser na verdade uma crítica com verniz de filme de ação do que um longa de ação com nuances contestadoras. A diferença entre os dois casos não é pequena, como pode parecer, e ver que uma produção com tais conotações alcançou um grande êxito nas bilheterias é revigorante. Que venham logo os próximos episódios.

Cotação:

 Nota: 8,5

Será que dessa vez temos chances?

Foi com alegria e satisfação que li a notícia, agora à tarde, que "O Palhaço" foi escolhido para representar o Brasil na corrida pelo Oscar de melhor filme estrangeiro. Além dos inegáveis méritos do filme, uma pérola recente do nosso cinema, "O Palhaço" é detentor de características propícias a se tornar um dos 5 indicados na noite do Oscar 2013, ao contrário do nosso concorrente anterior. "Tropa de Elite 2" também é um longa excelente, mas muito violento e com uma temática muito voltada para o nosso público. Já o filme de Selton Mello é uma obra lírica, de inspiração felliniana e com potencial para agradar a todos os públicos, das mais diversas nacionalidades (além dos velhinhos da Academia). Confesso que sou fã de "O Palhaço" e desejo toda a sorte a nosso representante nessa corrida. Caso vença, o careca dourado estará em ótimas mãos.

Filmes Para Ver Antes de Morrer

Último Tango em Paris
(Ultimo Tango a Parigi/Le Dernier Tango à Paris, 1972)


Um filme no museu de arte


A sequência mais famosa de “Último Tango em Paris”, conhecida mundialmente como “cena da manteiga”, poderá deixar aqueles que virem a obra de Bernardo Bertolucci pela primeira vez um tanto decepcionados. Sim, pois se estiverem esperando uma cena de alta voltagem erótica, como muito se alardeia por aí, não será exatamente isso que verão. Ao assistir dita sequência a sensação que me veio foi a de estar presenciando um ato de violência sexual, passando até longe de nuances verdadeiramente sensuais que estimulem o espectador a desejos eróticos ou algo que o valha. Ou seja, muito mais do que sexo, o que vemos é uma agressão. E é possível que somente nos tempos de hoje, onde sexualidade e erotismo estão cada vez mais explícitos até mesmo na televisão, tenhamos uma compreensão melhor, mais apurada, deste longa de 1972 que se tornou um dos mais influentes do cinema ao longo das últimas décadas.

Quando foi lançado, vendo com os olhos contemporâneos, observo que “Ultimo Tango a Parigi” chamou a atenção mais pela superfície do que pela sua essência. Afinal, as cenas de nudez e sexo, banais para os padrões atuais, eram fortes para os anos 70. Pelo menos no cinema mainstream, contando com um astro do porte de Marlon Brando, jamais havia sido visto algo tão voluptuoso e escancarado, tanto que lhe rendeu proibição em vários países, entre eles o Brasil, onde só foi liberado pela censura em 1979, sete anos após seu lançamento na Europa. Mesmo em países como Itália e EUA, sua vida não foi fácil, sendo frequentemente exibido apenas depois de passar por uma severa tesourada. Esse “auê” todo teve como resultado a impressão de que o filme de Bertolucci é sobre sexo, mas não é. É antes de tudo um ensaio sobre solidão, vazio existencial e a violência que permeia as relações humanas.


O filme também representa um guinada na carreira de Bertolucci, até então com a imagem muito associada a cinema político em decorrência de obras como “Antes da Revolução” (Prima Della Rivoluzione, 1964) e “O Conformista” (Il Conformista, 1970). Aqui, ele expande seus horizontes para abordagens mais intimistas, pessoais, muito embora não se possa deixar de vislumbrar em “Último Tango em Paris” um manifesto da contracultura e da revolução sexual iniciada nos anos 60. Bertolucci consegue, ademais, aprimorar a sua mise-en-scène, a qual resulta em uma espécie de barroco modernista, principalmente quando lembramos da fotografia de Vittorio Storaro. Colaborador habitual de Bertolucci (foram parceiros em 8 longas), Storaro realizou uma fotografia declaradamente inspirada na arte do britânico Francis Bacon (algumas de suas obras, inclusive, são exibidas durante os créditos iniciais), atribuindo à imagens uma saturação em tons de sépia que influenciaria ao longo dos anos a imagética do chamado “cinema de arte” europeu. Aliás, a própria ideia de “cinema de arte” existente atualmente foi em boa parte criada a partir deste filme. Não é por acaso que uma parcela significativa do cinema dessa vertente no velho continente invista tanto no erotismo (obtendo maior ou menor sucesso) como forma de investigar as relações humanas (o ápice dessa tendência ocorreu no fim dos anos 80/início dos 90). Outro elemento memorável é a música da Gato Barbieri, responsável pelos tangos que dão o título ao longa-metragem. A associação bem acabada de imagem e sons é mesmo um dos seus trunfos e também influenciaria toda uma geração posterior de diretores.

O roteiro, concebido pelo próprio Bertolucci, teve colaborações do escritor Alberto Moravia e da também cineasta Agnès Varda, apresentando-se de antemão como inovador por narrar um história que se passa em Paris sem quase mostrar nada da Cidade Luz. Pelo contrário. Sua ambientação é claustrofóbica, com a maior parcela das ações transcorrendo em interiores, principalmente o apartamento onde os personagens de Brando e Maria Schneider se encontram. Ele interpreta Paul, um norte-americano de meia idade que acaba de se tornar viúvo devido ao suicídio de sua esposa. Casualmente ele conhece Jeanne (Schneider), uma jovem atriz que se encontra noiva de um diretor de cinema (Jean-Pierre Léaud, o alter-ego de François Truffaut e uma das figuras mais queridas da Nouvelle Vague) e procura um apartamento. Sem resistirem à atração mútua, eles passam a se encontrar regularmente em um apartamento sombrio onde, sem jamais dizerem os próprios nomes, mantêm relações sexuais como forma de preencher seu vazio e de expurgar suas culpas e medos.

Como é possível perceber, Bertolucci empreende uma jornada de confronto entre Eros e Tânatos, entre a morte e a força pulsante da vida traduzida na forma do sexo. Mas esta é somente um das possíveis leituras dentre as várias possibilidades oferecidas por esta obra de múltiplas camadas, onde cada sequência se mostra como essencial à sua compreensão. Nada nele é gratuito. Até mesmo a frequente nudez de Maria Schneider não surge como uma maneira barata de atrair a atenção do espectador, pois que o seu contraste com um Brando quase sempre vestido parece sugerir que Jeanne está muito mais aberta, exposta e desejosa de novas vivências do que Paul, um homem que se encontra na permanente fuga de uma vida permeada por traumas, alguns explícitos (o suicídio da esposa) e outros apenas sugeridos (teria sido vítima de abuso sexual no passado?). Vale dizer aqui que, para a composição de personagens tão densos a presença de atores de peso seria fundamental e a escolha de Brando não poderia ser mais perfeita. Só mesmo ele, com sua famosa postura de ator-autor, para alcançar tanta entrega a um personagem responsável por algumas da cenas mais densas da história do cinema, tais como o famoso monólogo que realiza diante do corpo de sua falecida esposa. Uma sequência que chega a ser constrangedora para o público, tamanha a carga de sentimentos jogados ao ar, como se estivéssemos diante de uma confissão íntima a que, na verdade, não deveríamos estar assistindo. Schneider também está ótima com a sua aura juvenil, responsável pelo lado “eros” do casal, em contraposição ao “tânatos” de Paul. É uma pena que, de certa forma, sua carreira tenha sido excessivamente marcada por este papel, permanecendo ao longo das décadas posteriores quase apenas lembrada por ter realizado a tal “cena da manteiga”.

Alguns afirmam que Bertolucci teria usado até mesmo teorias de Georges Bataille e outros estudiosos para a elaboração dos diálogos e personagens. Verdade ou não, é impossível negar um fato: ele conseguiu criar um película que realmente atinge o status de “arte”, um longa perturbador, mas fundamental na mesma medida. Jean-Luc Godard já dizia que “cultura é a regra, a arte é a exceção”, sendo que “Último Tango em Paris” indubitavelmente figura entre tais “exceções”. Uma obra cinematográfica que nos atinge tal como uma pintura, afetando o nosso inconsciente, mesmo que no plano consciente possamos eventualmente rejeitar a sua forma. Em outras palavras: um filme digno de ser exposto no museu de arte moderna., ao lado de obras de outros grandes artistas.


Cotação e nota: Obra-prima.

Quero Ver Novamente #19

No último post do blog, ao resenhar a ótima película "Splendor", dirigida por Ettore Scola, mencionei que um dos filmes referenciados ao longo de sua narrativa é "Morangos Silvestres" (Smultronstället, 1957), do genial Ingmar Bergman. Na realidade, considero este não apenas como o melhor filme de Bergman (dentre suas várias obras-primas), mas também como um dos melhores filmes da história do cinema. É difícil lembrar de outro filme tão simples e poderosamente humano quanto este, um conto sobre as reminiscências de um professor aposentado durante um viagem de carro para receber uma homenagem pela sua carreira. A sequência que você pode assistir logo abaixo, entre o professor Isak Borg (Victor Sjöström) e sua nora (Bibi Anderson), constitui-se em um dos diálogos mais perfeitos já roteirizados. São apenas 5 minutos que valem mais do que a filomgrafia completa de vários cineastas por aí. E, se você ainda não viu "Morangos Silvestres", que ela sirva de estímulo para que conheça o quanto antes esta obra de arte inesquecível.

Restaurando a Película

Splendor
(1989)


Cada cidade tem o seu Splendor

Quando se fala em injustiça no cinema costumamos logo associar a palavra às malfadadas premiações anuais (entre elas o nosso querido Oscar), que vez ou outra entregam os louros para obras que deixam aquela dúvida sobre os seu reais méritos em detrimento de outras de valor artístico incontestável. No entanto, existem outras formas de injustiça, talvez até mais graves, como quando uma película de grande qualidade acaba simplesmente esquecida da memória tanto dos críticos quanto dos admiradores da Sétima Arte, tornando-se uma obra pouco vista, sendo esquecida até mesmo pelas distribuidoras no mercado de home video. Este é o caso de “Splendor”, filme italiano lançado em 1989 e dirigido pelo grande Ettore Scola e que conta ainda com os atores Marcelo Mastroiani e Massimo Troisi (o carteiro de “O Carteiro e o Poeta”, lembram-se?) no elenco. Ou seja, o longa-metragem tinha tudo para alcançar uma ótima repercussão, mas não foi o que sucedeu devido a um golpe do destino, já que em 1989 o também excelente “Cinema Paradiso” (Nuovo Cinema Paradiso), de Giuseppe Tornatore, ganhou o mundo com uma temática bastante semelhante, caindo nas graças do público e arrebatando diversos prêmios internacionais, entre eles o Oscar de melhor filme estrangeiro. Enfim, “Splendor” acabou ofuscado pelo trabalho de Tornattore, fazendo com que hoje quase ninguém se lembre dele.

É uma pena tal situação, pois “Splendor” é um filme lindo, belamente tocante em sua declaração de amor ao cinema e que, tal como “Cinema Paradiso”, consegue transcender a mera cinefilia e alcançar o feito de emocionar qualquer espectador, seja ou não um aficionado. Ao narrar a trajetória do cinema “Splendor”, no seu auge frequentado por autoridades e figuras de destaque até a sua decadência, apelando para espetáculos eróticos para se manter em atividade, Scola realiza um apurado retrato não só da experiência cinematográfica óbvia, que é a de ver um filme e ser tocado por ele, mas também de como as vidas das pessoas que estão em volta da sala de exibição acabam inevitavelmente afetadas por ela, a começar pelo seu protagonista, Jordan, personagem de Mastroianni. Ele teve a infância marcada pelo cinema, pois que seu pai corria a Itália como um saltimbanco da Sétima Arte, exibindo filmes em praças e outros locais públicos e, mais tarde, seria o responsável pela fundação do Splendor. Para Jordan, desta forma, o cinema não é tão somente uma paixão, mas a própria representação de seus laços familiares, de sua herança genealógica. Por outro lado, temos também Luigi (Troisi), o projetista que aqui traduz a paixão dos cinéfilos, com suas citações e mania de relacionar situações do dia a dia a frases ou sequências famosas nas telas. Um verdadeiro obcecado que teve sua vida transformada ao passar a trabalhar na sala de exibição. De outra ponta, ainda temos Marina Vlady como Chantal Duvivier, uma ex-dançarina de cabaré que foi retirada “da vida” por Jordan para trabalhar no Splendor.


E assim vamos acompanhando as alegrias e dissabores de tais personagens, que têm suas vidas norteadas pelo cinema, com a sensibilidade típica de Scola. Discípulo de Vittorio de Sica, Scola parece ter herdado dele com maior intensidade não a sua veia neorrealista, mas principalmente a sua sensibilidade característica. Scola realizou aqui uma obra tão sensível quanto “Um Dia Muito Especial” (Una Giornata Particolare, 1977), onde mostrou de forma simplesmente sublime um dia na vida de um homem e uma mulher (no caso Sophia Loren e mais uma vez Mastroianni) durante o regime fascista. Outra influência nítida em Scola, e que aqui se fez presente, é a de Federico Fellini, com seu viés imaginativo que nos leva ao fantástico e lúdico. Ademais, o seu roteiro, que não segue uma ordem cronológica (na verdade, Scola é mais roteirista que diretor, tendo começado sua carreira no cinema nesta função), com constantes flashbacks, foge de obviedades e consegue colocar sempre ótimos diálogos que remetem à trajetória da própria arte cinematográfica. Neste ponto, é um deleite para o espectador cinéfilo observar as referências a inúmeros filmes, que vão desde “Morangos Silvestres”, de Ingmar Bergman, a “Touro Indomável” de Martin Scorsese. É possível, inclusive, fazer uma lista dos filmes citados que já vimos ou não, todos ótimas pedidas e com importância artística.

Acrescente-se a este belo roteiro, a fotografia especial de Luciano Tovoli, principalmente nas passagens em preto e branco usadas para mostrar os acontecimentos passados e a marcante trilha sonora de Armando Trovajoli, melódica e bastante adequada ao tom da narrativa. Por seu turno, talvez seja redundante afirmar que Mastroianni mais uma vez nos entrega uma grande interpretação, muito embora a figura pela qual acabemos por nutrir mais empatia seja o Luigi de Troisi. Além do carisma habitual do ator, a apaixonite que Luigi sente pelo cinema, chegando até a trabalhar sem receber – quando do ocaso do Splendor - faz com que logo nos identifiquemos com ele, principalmente nós, cinéfilos e blogueiros que dedicamos parte da nossa vida a essa paixão sem receber nada em troca.


Com um final belíssimo e emocional sem ser piegas, “Splendor” retrata de maneira sublime a ascensão e queda pelas quais passam praticamente todas as salas de cinema, principalmente as de rua, hoje em rápido processo de extinção no Brasil. Saí da sessão do cineclube (ressalte-se, mais uma vez, que não existe distribuição deste filme em DVD no mercado nacional, lamentavelmente) não apenas enternecido com a bela obra de Ettore Scola, mas também saudoso e revoltado com o fato de que os cinemas de rua de Natal não existem mais, sendo substituídos por lojas ou mesmo igrejas evangélicas. Nada contra os evangélicos, tenho respeito por todas as crenças, mas durante anos eu nutria o sonho de ganhar um bolada na loteria e comprar o falido Cine Rio Grande, onde pude assistir a muitos filmes durante a minha infância, desde os longas dos “Trapalhões” até os da franquia “Superman”. Recordo que foi lá onde assisti a “E.T. - O Extraterrestre” (com uns 5 anos mais ou menos), filme que considero como responsável pelo nascimento do meu amor pela Sétima Arte. É...Infelizmente, cada cidade deve ter o seu (ou seus) “Splendor”, eis a triste realidade.


Cotação:

Nota: 10,0

Cinemúsica

Amor, Sublime Amor

(West Side Story, 1961)

O avô de “Beat It”


Não sei se alguém já havia tocado neste ponto antes, mas vendo por esses dias o clipe de “Beat It”, um dos grandes sucessos do álbum “Thriller” do lendário Michael Jackson, acabei observando que ele traz uma síntese de boa parte da trama de “Amor, Sublime Amor” (West Side Story), clássico musical dirigido por Robert Wise e Jerome Robbins em 1961 e um dos precursores em abordar a temática das gangues de jovens que hoje estão meio que fora de moda – no Brasil parecem ter sido substituídas pelas torcidas organizadas de clubes e nos EUA pelos lunáticos que atiram a esmo em escolas e cinemas (seria mais um sintoma do individualismo exacerbado?). Tanto no videoclipe como no longa-metragem vemos jovens desocupados que empregam seu tempo em promover rixas e atos de vandalismo ao som de músicas pop e dançando com ótimas coreografias. Não estou querendo dizer que Jackson copiou um dos baluartes do fim da era de ouro dos musicais, mas me pareceu evidente a sua influência, principalmente na sequência que vemos em ambos de líderes duelando com canivetes, o que talvez seja sintoma de que os videoclipes não existiriam sem os musicais.

Aliás, a própria narrativa de “Amor, Sublime Amor” é um bom exemplo de que no mundo pop a reciclagem de ideias é um recurso já bem antigo, não sendo exclusivo da Hollywood contemporânea, pois que o longa nada mais é do que uma atualização de “Romeu e Julieta”, peça de William Shakespeare conhecida por todos, para o ambiente da Nova York do fim dos anos 50/início dos 60. Saem as famílias dos Capuletos e Montecchios da narração shakespeariana e entram as gangues dos Jets e dos Sharks, os primeiros integrados por norte-americanos nativos, anglo-saxões, e os segundos formados por imigrantes porto-riquenhos. É no meio desse conflito de conotações xenófobas que surgirá o amor entre Tony (Richard Beymer) e Maria (Natalie Wood), ele primo de Riff (Russ Tamblym), líder dos Jets, e ela irmã de Bernardo (George Chakiris), líder dos Sharks. Cabe destacar, ainda, que o filme já é uma adaptação de um espetáculo musical da Broadway, de autoria de Arthur Laurents e encenado pelo próprio Jerome Robbins, o qual assinou aqui a codireção com Wise. Ou seja: a versão cinematográfica de “West Side Story” se constitui na adaptação da adaptação. E ainda dizem por aí (eu me incluo nesse coro) que o cinema dos anos 2000 está “carecendo de criatividade”.


Afirmar que o citado longa é “a adaptação da adaptação” não significa afirmar, entretanto, que ele é um filme ruim. Pelo contrário. “West Side Story” é uma obra poderosamente imagética, aliando a esta característica a música e a dança com muita competência. Desde a longa sequência de abertura, sem diálogos, percebemos que estamos diante de uma película diferenciada, com um padrão artístico elevado. Realmente, são várias as suas virtudes, como a criatividade das coreografias – dirigidas por Robbins, pois que para Wise ficavam as cenas com diálogos tradicionais – além de canções inspiradas como “Maria”, “Tonight” e “America” (algumas delas transcenderam o filme e passaram para a categoria de standards norte-americanos). E, mais relevante ainda, o roteiro (de Ernest Lehman) consegue tocar em muitos pontos relevantes e que nunca perdem a sua atualidade, como a citada xenofobia, a ilusão da imigração como panaceia para aqueles que buscam oportunidades, além da ausência da família na formação dos jovens, que acabam por traçar caminhos sem rumo e procuram preencher seu vazio com a violência. Um quadro que, em linhas gerais, não se apresenta muito destoante de hoje. Adicione-se a tais elementos uma produção impecável que fugiu do cenários de estúdio e realizou as filmagens em uma área abandonada de Nova York que estava prestes a sumir do mapa para posterior recuperação (a demolição da zona foi adiada a pedido da produção do filme).

Pena que nem tudo são flores, principalmente no que diz respeito à atuação do elenco, que se apresenta irregular, mormente o protagonista Tony. Richard Beymer é um ator fraco, quase inexpressivo (em entrevistas posteriores, o próprio Wise admitiria o erro na escolha), o que nos faz lamentar o fato de Elvis Presley não ter aceitado o papel, o que já de antemão ao menos conferiria maior presença ao personagem, além do que cantaria com sua própria voz, diferentemente de Beymer, o qual foi dublado na pós-produção. Além disso, colocar os porto-riquenhos falando inglês com sotaque até em conversas entre eles (não seria mais fácil falar em espanhol?) soa muito caricatural. Este recurso da dublagem, ademais, algo que era comum na Hollywood de então, soa meio que tosco para o público atual, acostumado a ver atores até dispensando dublês para cenas de risco, que dirá ter aulas de canto. Natalie Wood também foi vítima do procedimento e suas cenas cantadas resultaram com um forte gosto de artificialidade (ela foi dublada por Marni Nixon nas canções). Todavia, se Beymer foi um fracasso interpretativo, Natalie mais uma vez nos entregou uma performance apaixonada, como era do seu feitio. No mesmo nível desta estão as presenças de George Chakiris, no papel de Bernardo, e Rita Moreno como Anita, namorada de Bernardo e amiga de Maria. Não por acaso ambos foram agraciados com as premiações para atores coadjuvantes no Oscar, que me pareceram bastante merecidas.


Cheio de nuances trágicas - afinal, não custa lembrar que se trata de uma adaptação de Shakespeare - “Amor, Sublime Amor” surge como precursor mais distante de uma linguagem que une o visual ao musical voltada para o público jovem (um precursor mais imediato seria “ A Hard Day's Night”, com os Beatles), linguagem esta que acabaria por redundar nos videoclipes como os de Michael Jackson. Vencedor de 10 prêmios da Academia de Hollywood (além dos já mencionados pelas atuações, levou também de melhor filme, direção, figurino, direção de arte, fotografia, som, edição e, obviamente, trilha sonora), o longa permanece como uma referência pop relevante e um dos grandes representantes (mesmo diante de suas imperfeições) de uma era em que os musicais levavam um grande público às salas de exibição. Pouco tempo depois, musicais como este dariam espaço para os talentos da Nova Hollywood, onde os próprios jovens seriam responsáveis por externar suas dores e pensamentos.


Cotação:

Nota: 9,0

Trilha Sonora #24

É incontestável que "Meu Primeiro Amor" (My Girl) é um filme cativante e tocante. Lançado em 1991, fez meio mundo chorar com a história da menina Vada (Anna Chlumsky), filha de um agente funerário (Dan Akroyd) que ficou órfã de mãe desde o parto. Seu melhor amigo é Thomas (Macauley Culkin, naquela que talvez seja a melhor atuação de sua carreira), um garoto muito alérgico e impopular e é com ele que Vada irá descobrir as primeiras experiências da pré-adolescência. Esta é a única película de expressão do diretor Howard Zieff e foi com ela que decobri a linda música "My Girl", um sucesso do grupo "The Temptations" no já distante ano de 1964. Ouça abaixo e relembre essa pequena pérola cinematográfica dos anos 90. Sobe o som! Ah, e fuja da insípida continuação de 1994.

Para Ver Em Um Dia de Chuva

Belíssima
(Bellissima, 1951)


Ilusão x Realidade


Interessante como, ao longo da projeção de uma obra cinematográfica, podemos nutrir diferentes apreciações sobre o que estamos vendo, até chegarmos a uma, de caráter mais definitivo, quando do seu final. Foi o que aconteceu comigo enquanto estava assistindo a “Belíssima”, o terceiro e último filme da fase neorrealista de Luchino Visconti. O longa se inicia com uma bela sequência de créditos onde vemos uma orquestra executando uma ária de ópera (mais precisamente “Elisir D'amore”, de Donizetti), algo já bastante incomum para o cinema naqueles tempos, onde normalmente os créditos eram exibidos em fundos neutros ou com imagens estáticas. Em se tratando de cinema neorrealista italiano, então, configura-se uma monumental exceção. Prosseguindo, encaramos um bom tempo de projeção com um monte de personagens falando muito e alto, principalmente a Maddalena de Anna Magnani, uma das grandes atrizes da história do cinema, a qual virou estrela mundial a partir de “Roma – Cidade Aberta” (Roma, città aperta, 1945), algo que torna a experiência cansativa e meio sonolenta até certo ponto. Contudo, a sonolência é sacudida por cenas simplesmente sublimes, dignas do cinema magistral de Visconti, sendo uma delas provavelmente uma das mais marcantes de todos os tempos, dada a sua grande carga emocional.

A trama em si já se predispõe a lances de emoção. É certo que 90% das pessoas irão se sensibilizar com a história de uma mãe que busca, por meio do glamour do cinema, tirar sua filha da vida sem perspectivas em que estão imersas. A trama, concebida por Cesare Zavattini e com colaboração de ninguém menos que Suso Cechi D'Amico e do próprio diretor Visconti, mostra as desventuras de Maddalena Cecconi, moradora de um apartamento que fica em frente a um drive-in, nutrindo há anos o sonho de uma vida com muito mais luxo, charme e requinte que lhe é alimentado pela mágica do cinema, sempre pronta a vender ilusões (principalmente o hollywoodiano). É nessa esperança, de sair de uma existência que vê como medíocre, casada com um operário que lhe agride fisicamente (embora a violência não seja mostrada, isso é deixado latente pelos diálogos), que ela inscreve sua filha Maria no concurso da “menina mais linda de Roma”, que renderá à vencedora um contrato para participar de um filme a ser rodado na Cinecittà. Entretanto, ocorre que Maria não é exatamente uma criança tão especial aos olhos daqueles que fazem o cinema quanto o é aos olhos de sua mãe. Na verdade, Maria é uma daquelas crianças tímidas, choronas, sem desenvoltura para uma vida artística infantil.


Uma temática notavelmente atual é encarada por Visconti como uma autocrítica. A figura do diretor, encarnada por Alessandro Blasseti interpretando ele mesmo (sim, ele era diretor de cinema na vida real), é a do próprio Visconti, que se vê justamente como um mercador de ilusões, alguém que sobrevive de vender falsas ideias de glamour e beleza. Ele próprio teria dito a Blasseti, quando da revolta deste por se vislumbrar meio que ridicularizado na tela: “‘somos nós que pomos ilusões na cabeça das mães e das moças. Pegamos pessoas na rua e estamos errados. Vendemos um elixir do amor que não é elixir”. Infelizmente, essa realidade do mundo do show business (não apenas do cinema) como uma fonte de falsas esperanças perdura até hoje, ou melhor, poderíamos dizer que hoje está ainda mais acentuada, basta dar uma olhada na montanha de programas em que vemos crianças competindo por 15 minutos de fama, comumente como uma forma de realizar as frustrações de seus pais. “Belíssima”, então, pode ser visto como uma perfeita crônica do nosso tempo, mesmo realizado 61 anos atrás.

Para o bem ou para o mal, por outro lado, o filme não seria o mesmo sem a presença poderosa de Anna Magnani. Sim, ela domina a tela o tempo inteiro, mas em alguns momentos é justamente a liberdade que lhe foi dada nas filmagens que faz com que sua Maddalena derrape em alguns excessos. Segundo se noticia, Visconti permitiu que a atriz improvisasse a todo instante, o que talvez tenha resultado em tantas cenas “gritadas” e com tantas falas ininterruptas, que acabam inevitavelmente cansando o espectador. Mas as sequências mais marcantes de “Belíssima” também não seriam as mesmas sem sua presença. Aquela em que é cortejada por um do empregados do estúdio é simplesmente linda, tamanha a carga de sentimentos que ela consegue transmitir apenas com expressões faciais, algo que também se repete na mencionada sequência “das mais marcantes do cinema”, mas que vou me abster de dar detalhes para que o leitor que não viu o longa não perca o impacto.


Depois dos altos e baixos dos seus 108 minutos, o gosto e memória que permanecem é justamente a de um filme sensível e impressionantemente atual. Vai ser difícil ver agora algum dos programas de calouros infantis e não me lembrar deste filme peculiar, que pode até não ser o melhor de Luchino Visconti, mas que não deixa de se constituir em mais uma prova de sua grande capacidade de entender o mundo das classes desfavorecidas, mesmo sendo ele próprio oriundo de uma família aristocrática. Ademais, aqui ele também promove uma espécie de tapa na cara do Neorrealismo ao deixar entrever que o cinema deve ser feito por profissionais talhados para este ofício, e não por amadores recrutados nas ruas, como era hábito entre os cineastas da famosa escola cinematográfica. A cena final, onde Maddalena solta a frase “que rapaz simpático esse Burt Lancaster, não?”aparece como a síntese do pensamento de Visconti, vislumbrando que o cinema possui um lado mágico que não pode ser alcançado apenas mostrando a realidade de maneira direta e crua. Toda a sua cinematografia posterior coloca-se precisamente como uma busca incessante pelo equilíbrio entre a realidade que precisa ser fotografada e denunciada e a magia que só o cinema pode provocar. Talvez não seja coincidência, então, o fato de Burt Lancaster ter estrelado anos mais tarde “O Leopardo”, justamente a visão desse grande cineasta acerca de uma nobreza envelhecida e decadente.


Cotação:

Nota: 8,5

360

Síndrome de Orson Welles


Fernando Meirelles é um diretor que sofre do que podemos definir como a “síndrome de Orson Welles”. Tal como o diretor de “Cidadão Kane”, o qual passou o resto da carreira tentando ratificar o talento promissor que demonstrava no início, mas sem o mesmo sucesso junto à crítica, o cineasta brasileiro vive à sombra do seu primeiro trabalho de destaque (antes havia dirigido apenas “O Menino Maluquinho 2”, de 1998, e “Domésticas”, em 2001), a obra-prima “Cidade de Deus”, longa-metragem considerado por muitos como um dos melhores do presente século XXI. Diante do impacto mundial gerado pelo filme, a cada novo trabalho seu espera-se algo espetacular, uma nova obra-prima que marcará a década ou algo que o valha. Isso certamente prejudica a avaliação dos trabalhos de Meirelles, os quais parecem estar sempre aquém do seu potencial, o que não é exatamente uma verdade. Embora inferiores ao mencionado “Cidade de Deus”, tanto “O Jardineiro Fiel” (The Constant Gardener, 2005), quanto “Ensaio Sobre a Cegueira” (Blindness, 2008) são ótimos filmes, muito bem dirigidos e eficientes nas sus pretensões (o próprio Saramago aprovou a adaptação de Meirelles para o seu livro, portanto não sou eu que vou discordar). Entretanto, não se pode negar que esta sua nova película, “360”, representa o ponto mais baixo da sua carreira pós-Cidade de Deus.

Esta afirmação, por outro lado, não significa dizer que o filme é ruim. Não é. Possui vários personagens interessantes, atuações convincentes e a sempre precisa mão de Meirelles na direção, dando ritmo (com a ajuda da edição do competente Daniel Rezende) à narrativa e tornando a experiência quase sempre atrativa para o espectador. O grande problema da produção, em verdade, reside no roteiro cheio de pretensões de Peter Morgan e pretensões estas que não são alcançadas ao final da projeção. Em entrevistas, o próprio Meirelles chegou a afirmar que a película seriam mais um trabalho de Morgan do que dele próprio, o que parece fazer sentido. Inspirado em uma peça de Arthur Schnitzler que já foi algumas outras vezes adaptada para o cinema (vide La Ronde, dirigido por Max Olphüs em 1950), o roteiro tem aquela estrutura de narrativa múltipla, com vários tramas paralelas que vão se interligando, o que certamente traz um prazer extra para aqueles responsáveis pelo seu desenvolvimento. A presença de Meirelles no projeto parece ter sido uma escolha dos produtores que se baseou no seu notável talento para dirigir elencos numerosos, como é o caso aqui. Entretanto, um problema frequente neste tipo de roteiro se faz muito presente em “360”: algumas das tramas são concluídas de forma muito insatisfatória, sendo que vários dos personagens são praticamente esquecidos ao fim da projeção, a despeito do bom trabalho desenvolvido pela maior parte do elenco estelar que inclui nomes como Anthony Hopkins, perfeito e longe da preguiça dos últimos anos, no papel de um homem em busca da filha desaparecida; a brasileira Maria Flor, ótima como uma imigrante desiludida que resolve voltar para o Brasil; Jude Law, como um pai de família que está vivendo uma crise no seu casamento com Rose (Rachel Weiz); ou ainda as desconhecidas Lucia Siposová e Gabriela Marcinkova na pele de duas irmãs vindas do leste europeu. Uma delas, a mais velha, acaba se prostituindo para desgosto da caçula.


Apesar das suas conclusões frustrantes, os tipos apresentados estão muito bem estruturados. São figuras tridimensionais, cheios de imperfeições e atitudes equivocadas o que lhes confere uma humanidade sincera e este é realmente o grande trunfo da película. A verdade daquelas pessoas nos cativa e impressiona, por mais que, em vários momentos, reprovemos seus comportamentos. A concepção dos personagens ajuda muito na colocação daquela que pode ser vista como a temática central do longa: as consequências das escolhas que tomamos em nossas vidas, opções estas feitas de forma reflexiva ou impulsiva, mas que podem decidir toda a nossa trajetória. Desde a primeira cena nos deparamos com este conceito, ao vermos Mirka (Siposová) iniciando sua vida na prostituição e também concluímos com sua irmã tomando um atitude que alterará sua vida de forma irreversível. É justamente o arco dessas irmãs que é concluído de forma satisfatória para o espectador, apresentando um desfecho conceitual interessante, mesmo que em aberto.

Na verdade, talvez “360” seja um filme melhor do que uma visão rigorosa possa demonstrar. Afinal, vivemos esperando de Meirelles um novo “Cidade de Deus” o que acaba comprometendo uma melhor degustação dos seus filmes. Eu mesmo, confesso, assisti a “O Jardineiro Fiel” com essa expectativa e no caso de “Ensaio Sobre a Cegueira” ela era ainda maior, já que tenho uma grande admiração pela obra de Saramago (um dos melhores romances que já li na vida, sem dúvida). Quando do lançamento do recente “Para Roma, Com Amor”, novo trabalho de Woody Allen, mencionei este problema das expectativas, que mais uma vez se faz presente aqui. Acredito que, antes de tudo, cabe a nós nos livrarmos dessas “síndromes”, a esperar que a cada novo filme um grande cineasta nos entregue uma nova obra-prima. Ir ao cinema sem esperar demais é sempre recomendável e muito mais prazeroso.


Cotação:

Nota: 7,5

Curtindo o Curta #5

Talvez nem fosse necessária uma apresentação deste curta, de tão renomado que é. Entretanto, é sempre importante recordar que se trata de uma parceria entre dois gênios da arte no século XX: Luís Buñuel (direção e roteiro) e Salvador Dalí (co-roteirista) e é, provavelmente, a maior tradução do Surrealismo no cinema. O filme representa uma reunião de imagens oníricas, sem uma sequência que se possa dizer cronológica, seguindo apenas uma lógica de sonhos. É dele a famosíssima cena da mulher que tem o globo ocular cortado por uma navalha (o ator com a navalha é o próprio Buñuel). Se você ainda não viu "Um Cão Andaluz" (Un Chien Andalou,1928) clique no video abaixo e aproveite seus 21 minutos de estranheza e impacto visual.

Batman - O Cavaleiro das Trevas Ressurge

Jogo de máscaras


Este era o filme mais aguardado do ano e o seu “hype” (para usar uma expressão da moda) tornou-se ironicamente ainda maior depois do evento sinistro ocorrido na cidade de Aurora, localizada no estado do Colorado, Estados Unidos. Ironia talvez mais forte seja a de que o ocorrido traduz muito da essência da trilogia do diretor Christopher Nolan. Não que os filmes de Nolan incentivem chacinas ou algo do tipo, longe disso. O que ocorre é que a trilogia de Batman, um reboot com tons opostos aos dos primeiros filmes engendrados pela Warner com o personagem (incluindo-se os longas de Tim Burton), tem como ponto crucial exatamente esta dualidade entre nossa figura pública/social e o que realmente somos. O atirador de Aurora, ao afirmar ser “o Coringa” quando da prática de seus atos homicidas, estava ali revelando sua verdadeira face, escondida debaixo de uma máscara de neurocientista em pós-graduação. Um recurso que todos usamos em maior ou menor grau, dependendo do quanto o nosso lado oculto pode ser mais ou menos aceito pelo círculo social em que vivemos.

No meu texto sobre o filme anterior da trilogia, “O Cavaleiro das Trevas”, eu discuti o quanto o Batman dos quadrinhos vinha sendo mal adaptado para a tela grande ao longo dos anos. O longa que teve a memorável atuação de Heath Ledger, que transformou o Coringa em um dos maiores vilões da história do cinema, finalmente retirou Batman deste calabouço qualitativo e o colocou onde sempre deveria estar: no topo das bilheterias, da atenção do público, da mídia e da crítica. E toda esta expectativa gerada em torno do lançamento de “O Cavaleiro das Trevas Ressurge” se deve muito mais ao segundo episódio da franquia, revolucionário em retirar as adaptações de HQs do gueto das “diversões para adolescentes”. Contudo, talvez seu maior mérito nem seja o de nos render uma interpretação inigualável de um já saudoso ator, mas o de nos entregar, com grande competência, um ensaio sobre esta dualidade humana entre o exposto e o oculto de nossa personalidade. A concepção do Coringa apresentada (bastante fiel àquela das HQs, por sinal) é a de um homem que desistiu dessas máscaras e que optou por viver apenas imerso no seu lado sombrio, uma vez que não acredita mais na natureza humana. Batman seria o seu oposto e simulacro inverso: um homem que precisa se disfarçar para que possa expor sua crença nesta última.


Nesta derradeira parte da trilogia, esse jogo de máscaras chega ao seu ponto culminante. A trama é pontuada por reviravoltas decorrentes dessa dualidade, tanto no que se refere ao protagonista, quanto aos seus opositores, sendo representada da forma emblemática na dúbia figura da Mulher-Gato (Anne Hathaway), a qual desempenha papel relevante na narrativa. O roteiro, embora não de forma óbvia, retira dos quadrinhos oitentistas de Frank Miller várias ideias do argumento (e não só o título “Cavaleiro das Trevas”). Afinal, foi Miller o primeiro a conceber um Batman “aposentado”, vivendo apenas seu “lado” Bruce Wayne e que sai dessa aposentadoria por não resistir à retomada de sua verdadeira faceta. Aqui sucede o mesmo. Há anos, desde os eventos narrados no segundo título da trilogia, Bruce Wayne (Christian Bale) não veste mais a máscara do morcego, levando apenas sua vida de milionário beneficente. Ocorre que Gotham City é invadida por Bane (Tom Hardy), líder de uma gangue que espalha o caos na cidade e que pretende destruí-la com uma bomba atômica caso qualquer um dos seus cidadãos ouse deixar o perímetro urbano. Ao mesmo tempo, Bruce vive uma aproximação com a empresária Miranda (Marion Cottilard, sempre uma ótima presença) e uma relação dúbia com Selina Kyle, a mencionada Mulher-Gato.

Não resta dúvidas que o longa rende ótimos momentos, com sequências de ação muito bem elaboradas e um clímax empolgante que deixa todos os espectadores grudados na poltrona. Contudo, em termos de resultados artísticos, este último episódio se coloca um degrau abaixo do anterior simplesmente por um único motivo: ele não tem o Coringa e a sensacional atuação de Heath Ledger. O Coringa é, provavelmente, o vilão mais bem elaborado das HQs, seja da DC ou Marvel ou ainda qualquer outra linha editorial. A riqueza de sua transposição para a tela promovida por Ledger tornou-se algo extremamente marcante e seria difícil para Tom Hardy conceber um antagonista à altura, até mesmo porque o seu Bane, um personagem gerado nos quadrinhos a partir de um golpe de marketing da DC Comics, é um vilão muito aquém das possibilidades interpretativas oferecidas pelo Coringa.


Contudo, isso não significa afirmar que o “O Cavaleiro das Trevas Ressurge” não seja um grande filme. Apesar de alguns momentos em que o roteiro (escrito pelo próprio Nolan com seu irmão Jonathan Nolan) me pareceu apressado – o que talvez tenha sido até uma necessidade, pois que o filme já tem uma metragem bem longa - a relação e construção dos personagens se mostra mais uma vez um dos méritos da direção do cineasta, mesmo diante da mencionada inferioridade de Bane quando comparado ao Coringa. Todo o elenco nos rende boas performances, deste o protagonista Christian Bale, passando pelos coadjuvantes Michael Caine como o querido Alfred, Morgan Freeman como Lucius Fox e até Anne Hathaway, sobre a qual sempre pairaram minhas dúvidas sobre suas possibilidades de encarnar a Mulher-Gato. Outro destaque relevante vai para Joseph Gordon-Levitt, interpretando um personagem extremamente relevante e que guarda uma surpresa para os fãs no final.

Aliás, surpresa para os fãs é o que não falta durante a projeção. Nolan, com esperteza e fluidez, joga várias cenas icônicas dos quadrinhos na tela, deixando aqueles que conhecem as obras originais com um sorriso nos lábios. Além disso, apresenta um terceiro episódio inteiramente conectado com os anteriores (talvez até mais com o primeiro do que com o segundo), o que revela a necessidade de vê-los ou revê-los para obter uma compreensão mais apurada. E vale destacar também: como uma aparente resposta aos críticos que apontavam a falta de emoção nos seus filmes, Nolan concebeu uma conclusão capaz de tocar mesmo aqueles que não são fãs de Batman ou HQs. Uma direção firme, mas que não esqueceu de jogar para a torcida.

Ao fim da projeção, depois de quase 2h45min, fiquei me perguntando quais seriam os novos rumos do homem-morcego nas telas. Acredito ser muito difícil ao menos igualar o trabalho que Nolan realizou com o personagem nesta trilogia., trabalho este que por vezes nos fazia esquecer que estávamos vendo um “filme de super-herói”. Fugindo dos clichês que marcaram Batman ao longo dos anos, o diretor conseguiu resgatar um personagem sepultado pelas adaptações infelizes do passado (principalmente as de Joel Schumacher) e conduzi-lo ao topo das atenções e das bilheterias. Uma pena que a franquia, devido aos fatos tristemente sinistros que lhe ficaram associados, dificilmente venha a ser agraciada com prêmios. Seria uma ótima chance de derrubar de vez o estereótipo que cerca os filmes baseados em HQs, mas não ocorrerá. Mas quem sabe o Batman não acaba mais uma vez derrotando seus inimigos e revertendo esse quadro? Ou vão querer que o “Coringa” vença no final?


Cotação:

Nota: 9,5

P.S. Devido a dias de muito trabalho e às Olimpíadas de Londres este blogueiro estava com pouco tempo para escrever resenhas ou mesmo comentar nos blogs amigos. Afinal, jogos olímpícos ocorrem apenas a cada 4 anos e sempre gosto de conferir o máximo possível. Só espero que daqui a mais 4 anos, no Rio de Janeiro, nosso desempenho seja melhor.

Filmes Para Ver Antes de Morrer

Adaptações de HQ: 7 filmes essenciais

Bryan Singer certamente não imaginava que estava criando uma nova era no cinema quando, em 2000, foi o responsável pela direção de “X-Men – O Filme”. Foi o êxito deste longa-metragem sobre os mutantes da Marvel Comics que fez surgir uma década dominada por grandes lançamentos cinematográficos baseados em HQs. Mesmo que Richard Donner já tivesse mostrado ao mundo, ainda nos anos 70, que era possível fazer um bom filme a partir de um personagem egresso dos quadrinhos, foi apenas com o longa de Singer, um sucesso tanto de público quanto de crítica, que surgiu uma onda de adaptações da Nona Arte, não restritas apenas a histórias de super-heróis, passando até mesmo por dramas de caráter político (como a animação “Persépolis”). Este ano, já tivemos “O Espetacular Homem-Aranha” invadindo as telas e, neste fim de semana, temos o desfecho da trilogia do homem morcego com “Batman – O Cavaleiro das Trevas Ressurge”. Diante de tantas produções, o Cinema Com Pimenta lista aqui sete filmes essenciais para quem quer se aventurar nas adaptações de quadrinhos sem ter que encarar bombas como “Lanterna Verde” ou “O Justiceiro”. Vamos a eles!


7) Homem de Ferro (Iron Man, 2008) – A primeira experiência da Marvel enquanto estúdio de cinema resultou em uma ótima diversão e o resgate da carreira de Robert Downey Jr. após seu ostracismo devido à dependência de drogas, levando-o ao estrelato e transformando-o em uma figura extremamente pop. Com este longa, a Marvel ganhou confiança e iniciou uma série de lançamentos que culminariam com “Os Vingadores”, filme que reúne os heróis anteriormente apresentados em episódios solo. O personagem de Downey Jr, o empresário playboy Tony Stark, tornou-se referência como personagem “cool”. Mas é melhor ficar com este aqui, pois a continuação “Homem de Ferro 2” acabou ficando aquém do original;

6) Estrada Para Perdição (Road to Perdition, 2002) – O espectador eventual pode nem se dar conta, mas esta é uma adaptação de quadrinhos. Dirigido por Sam Mendes, vencedor do Oscar por “Beleza Americana” (Amaerican Beauty, 1999), e protagonizado por Tom Hanks, tendo ainda participação do lendário Paul Newman e Jude Law, além de um ainda desconhecido Daniel Craig. A trama, baseada na graphic novell escrita por Max Allan Collins e ilustrada por Richard Piers Rayne, narra a fuga do mafioso Michael Sullivan (Hanks) com seu filho (Tyler Hoechlin) após este último testemunhar uma execução e ter a vida ameaçada pelos gangsters. O ambiente é o dos anos 30, durante a grande depressão e vale à pena conferir não só pela bela e precisa reconstituição de época, mas também pela linda fotografia, ótimas atuações (Newman arrasa) e desfecho interessante e emocional sem cair em pieguismos. Um longa injustamente esquecido em premiações e que comprovou o talento de Mendes, uma diretor egresso do teatro que realizou uma obra completamente cinematográfica;




5) V de Vingança (V For Vendetta, 2006) – Adaptação de uma obra do genial Alan Moore, trata-se de um filme que merecia maior repercussão do que aquela que obteve. Isso se explica possivelmente devido ao boicote e crítica feroz que partiu de meios midiáticos conservadores (no melhor exemplo FOX News), pois que o filme tem seu foco em um subversivo conhecido por Codinome V (Hugo Weaving). A história se passa em 2020, em uma Grã-Bretanha dominada pelo governo fascista de Adam Sutler (John Hurt), onde a censura impera em todos os meios de comunicação. É quando o tal Codinome V, no dia 05 de novembro, aniversário da conspiração de 1605 em que Guy Fawkes tentou destruir o parlamento inglês e destituir o rei James I, convoca a população, em rede nacional de TV, a se rebelar contra esse estado de coisas. A verdade é que a figura de V acabou se tornando muito popular com o passar do anos, sendo que sua indefectível máscara se tornou símbolo de luta contra o sistema e é usada hoje por grupos de protesto como o Anonymous. Produzido e roteirizado pelo irmãos Warchowski, trata-se de uma obra inteligente e de impacto e que ainda guarda a memorável imagem de Natalie Portman de cabeça raspada. Sensacional!;


4) X-Men 2 (X2, 2003) – Continuação do referido “X-Men – O Filme”, este segundo episódio da franquia, também dirigido por Bryan Singer, é a mais perfeita tradução cinematográfica dos mutantes da Marvel. Sem as limitações orçamentárias impostas ao primeiro longa, Singer nos entrega um filme espetacular, onde tudo do primeiro é melhorado. Ainda lembro de ver esta sessão no cinema, encontrar uma antiga colega da faculdade (que não era nerd nem nada) ao ascender das luzes e vê-la comentando: “que filme bom, hein?”. Basicamente, a trama nos mostra os mutantes ainda mais perseguidos pela sociedade e pelo Estado após uma mal sucedida tentativa de assassinato do presidente dos EUA pelo mutante Noturno (Alan Cumming). Poucos filmes são fortes e claros na sua mensagem anti-preconceito (qualquer deles) quanto este. Um problema que nunca perde a atualidade, infelizmente;


3) Homem-Aranha 2 (Spider-Man 2, 2004) – O melhor filme da trilogia de Sam Raimi sobre o mais popular personagem da Marvel Comics, superando o já ótimo primeiro filme, realizado em 2002. O Aranha (Tobey Maguire com a melhor cara de bobo do cinema) é aquele herói cujas características o tornam o mais próximo dos espectadores: um nerd cheio de problemas, que tem que ralar para ganhar dinheiro; estudar; cuidar da tia idosa e viúva, além de enfrentar problemas de relacionamento com sua namorada e, no meio disso tudo, arranjar tempo para deixar de ser Peter Parker e salvar Nova York de supervilões. Enfim, é gente como a gente. Aqui, ele enfrenta o Dr. Octopus (Alfred Molina) e, mais uma vez, sua infinidade de problemas de rapaz comum. Repleto de sequências espetaculares, como a cena em que ele para um trem desgovernado à beira de um desastre, e contando com uma química perfeita entre os personagens, este é um daqueles que sempre vale uma olhadinha nas reprises que passam tanto na TV aberta quanto fechada. Poucos filmes foram tão eficazes em apreender e transmitir as essência de uma HQ quanto este aqui;


2) Batman – O Cavaleiro das Trevas (The Dark Knight, 2008) – Filme revolucionário que fez com que todos, tanto público como a crítica, deixassem de ver os filmes de super-heróis apenas como uma diversão para adolescentes. O longa de Chritopher Nolan levou o verdadeiro Batman para a telona e ainda nos rendeu a mítica interpretação de Heath Ledger para o Coringa, colocando-o entre os vilões mais marcantes da história do cinema, ao lado de outros como Norman Bates e Hannibal Lecter. Pela primeira vez um filme baseado em HQs rendeu um oscar, no caso para o citado Heath Ledger (mesmo que póstumo). Hoje, vemos o lançamento retumbante de “O Cavaleiro das Trevas Ressurge” e toda a expectativa gerada em torno deste se deveu principalmente ao segundo episódio da trilogia. O resto é história.

 
1) Superman – O Filme (Superman – The Movie, 1978) – Esse filme é tão mítico que inspirou até música de Gilberto Gil. É a adaptação de HQ mais cara à minha memória (tem até a minha idade), dada a minha empolgação quando eu o via ainda garoto. Tudo nele funciona (tudo bem, o Lex Luthor de Gene Hackman é meio chatinho), desde a trilha sonora icônica de John Williams até a interpretação clássica e inigualável que Christopher Reeve deu ao personagem. Mesmo a participação econômica de Marlon Brando, como Jor-El, é simplesmente memorável. Um filme ao mesmo tempo lúdico, inspirador e empolgante que nos deixa um sorriso no rosto após vê-lo, mesmo que seja pela 15ª vez. Palmas para Richard Donner!

O problema não é o filme

Eu estava pensando se realmente faria uma postagem sobre este tema, pois não gosto de sensacionalismo. Porém, acabei de ler que a Warner Bros. está cogitando cancelar a estreia de "Batman - O Cavaleiro das Trevas Ressurge" nos EUA e fico me perguntando se isso é uma atitude de respeito às vítimas e familiares arrasados com o assassinato de 12 pessoas durante uma sessão do longa-metragem em uma cidade perdida do Colorado ou pura e simplesmente razões comerciais, uma vez que, diante de tamanha repercussão negativa, o filme que certamente teria a maior estreia de todos os tempos correria o risco de ver sua bilheteria diminuir consideravelmente. O que mais me intriga é esta segunda (e mais provável) hipótese. Por que as pessoas deixariam de assistir a um filme devido a um evento tristemente sinistro como esse?

Interessante, mas parece que está acontecendo o mesmo tipo de reação que o público teve aqui no Brasil em relação a "Clube da Luta", o filme de David Fincher que estava sendo exibido em uma sala de cinema em São Paulo, anos atrás, quando um estudante de medicina desequilibrado atirou a esmo fazendo várias vítimas. As pessoas parecem "com medo" de ver o filme, como se houvesse algo nele que fosse responsável pela violência, como se todos que assistissem à obra corressem um risco iminente de ser baleados. É provável que esta sensação seja ainda maior agora por se tratar do grande filme do ano, esperado impacientemente por uma multidão de fãs. Entretanto, é importantíssimo frisar: nenhuma obra artística pode ser responsabilizada por atitudes de doentes mentais. Nunca vi qualquer filme para sair com vontade de atirar ou espancar pessoas por aí. E uma atitude como esta, de adiar em meses um lançamento tão aguardado, só iria prejudicar mais ainda a carreira de um filme que, aparentemente, tem tudo para ser um dos destaques positivos do ano, não apenas pela sua arrecadação. Que as pessoas saibam separar alhos de bugalhos e que o estúdio não tome esta lamentável decisão. O cinema merece e nós espectadores também.